SESION GOLFA

Efectivamente malandrines, como hace tiempo que no lo comento, sólo deciros que ya se ha estrenado el Episodio 07 de COSMO TRIP, la serie de animación 3D online en la que colaboro. En esta ocasión, con un nuevo guionista (lo que demuestra que cualquiera puede escribir un capítulo de COSMO TRIP, ¡animaos!) y un cameo muy especial...

Y si quereis acceder al resto de episodios y contenidos especiales de la web, sólo teneis que pinchar la imagen del "Petit Cabrón" acosado por las Sillyconitas.

Y os recuerdo que también podeis bichear en su facebook y en el canal de Youtube de LINCE STUDIOS.

Ale, a disfrutar!

Warren Ellis, autor del cómic original en el que se basa RED, es un tipo bastante kamikaze en el planteamiento y, sobre todo, en la resolución de sus historias, pero como ya ocurrió con KICK-ASS, de su compañero de generación Mark Millar, de nuevo el tamiz hollywoodiense se limita a limar demasiado todo su estilo ultraviolento, sarcástico y existencial hasta convertir las duras aristas de sus obras en suaves contornos aptos para todos los públicos. Semejante destrozo ya hicieron con WANTED, también del amigo Millar. Así pues, RED se convierte en un digno entretenimiento sin mayor fuste que el caballo ganador de su reparto: un casting con Bruce Willis (¡qué gran actor!), John Malkovich, Morgan Freeman, Helen Mirren y Richard Dreyfuss, todos ellos haciendo al ganso en su radiante madurez, no puede salir mal. Así pues, una comedia coral de acción con buenos momentos, ideal para pasar un rato de diversión sin pretensiones, pero que desperdicia todo su potencial sarcástico y se convierte en una del montón, pasado de puntillas por la chispeante relación que se planeta entre los personajes de Mary-Louise Parker (muy desaprovechada) y Bruce Willis, y sin ahondar demasiado en el supuesto tono crepuscular de la propuesta, que la podría haber acercado a SPACE COWBOYS, por ejemplo, y rebajando el tono delirante hasta terrenos demasiado estandar, despersonalizados. Pretende ser rompedora, irónica y alocada, pero se queda a medio camino. Robert Schwentke (director de la vibrante PLAN DE VUELO: DESAPARECIDA, con Jodie Foster) cumple su función mercenaria con aplomo y un par de ideas visuales interesantes, siempre con un ojo puesto en la gramática del cómic, pero no logra ningún momento realmente memorable a causa, insisto, de la claudicación de guinista y estudio al público mayoritario. Muy poco riesgo para un planteamiento tan jugoso. Otra vez será.

- Lo peor: no tiene aristas ni recovecos, demasiado plana, demasiado... industrial

   CABEZAS

Brad Anderson puede ser uno de los directores más infravalorados de los últimos años. Con una carrera sólida, siempre jugando en los márgenes del género, es uno de esos tipos con mirada propia que nunca alardea y siempre se coloca en función de la historia que quiere contar. Pero si por algo se define su cine es por una simple palabra: atmósfera. Desde la extraordinaria SESSION 9, con una atmósfera ominosa, enrarecida, de amenaza casi abstracta, hasta EL MAQUINISTA (su obra maestra), donde la angustia psicológica se torna en verdadera protagonista, en todas ellas (incluso en sus magníficos trabajos para televisión en BROADWALK EMPIRE, MASTERS OF HORROR, FRINGE  o THE WIRE) el ambiente, las texturas y las atmósferas vitales de sus (atormentados) personajes son tan importantes como la trama misma. En su última película, aún pendiente de estreno por aquí (si es que llega...) esta constante se acentúa aún más, hasta el punto de que en VANISHING ON 7th STREET la atmósfera lo es todo. Sin embargo, el problema de base es que la distancia entre el buen hacer de Anderson tras las cámaras y el sustento dramático de la historia es abismal. VANISHING ON 7th STREET es uno de esos casos flagrantes en los que una buena idea  no está bien desarrollada... y en este caso, practicamente sin desarrollar. A pesar de su brillante premisa (imaginad un cruce bastardo entre ALONE IN THE DARK - el juego -  y cualquier película de zombies... sin zombies) el guión de Anthony Jaswinski resulta raquítico y nunca acaba de aprovechar todo su potencial. Los buenos detalles están ahí (la misteriosa palabra que aparece escrita cada vez que el "fenómeno" se produce, el mismo concepto de "reinicio"), pero apenas se hace nada con ellos. No ayudan unos personajes que prometen pero que se quedan en muy poco (en especial Hayden Christensen, muy justito) y uno de esos finales abiertos que deja regusto a falta de ideas. Por el camino sólo nos queda el espectacular trabajo de Anderson, muy arriesgado con esos claroscuros extremos, y su buen manejo del ritmo secuencial (muy elegantes cómo se introducen los flashbacks). VANISHING ON 7th STREET es una película semifallida, que se queda a medio camino y deja con la miel en los labios, pero no por ello deja de ser interesante y recomendable, con reservas.

- Lo mejor: la elegancia y personalidad de Brad Anderson, un trabajo que por sí solo es capaz de evitar el naufragio

- Lo peor: su guión es un simple borrador sin pulir

Hace sólo unos pocos años, muy pocos, M. Night Shyamalan era la sensación mundial del género, el gran renovador, el nuevo Spielberg para el s.XXI, un genio. Hoy lo que está de moda es despellejar vivo al pobre Night, cachondearse de su THE LAST AIRBENDER (que no he visto por pura pereza), abominar de LA JOVEN DEL AGUA y decir que desde EL SEXTO SENTIDO se le han secado las ideas. Pues bueno, pues vale, pues me alegro. Siempre he encontrado interesante su cine, en mayor o menor grado, pero sin muchos aspavientos. Imagino a Night con un lio mental considerable, el propio del que han elevado a los altares para después arrojarle a los leones. Con una carrera de futuro incierto como director tras el batacazo de THE LAST AIRBENDER y usando el ego que le caracteriza como ariete, se ha sacado de la manga una especie de franquicia/saga/serie de películas bajo el epígrafe THE NIGHT´S CHRONICLES, en las que ejercerá de padrino, productor y, ocasionalmente, de guionista. DEVIL es la primera y, sin ser nada espectacular, resulta curiosa e intrigante. Película de terror psicológico de bolsillo (con algunos arrebatos gore aptos para todos los públicos), una especie de CLUEDO llevado al minimalismo extremo, en el que cinco personajes encerrados en un ascensor son escabechados uno a uno, mientras un poli observa el percal desde un monitor de seguridad sin poder acceder al diminuto escenario. Uno de ellos parece ser el mismísimo Diablo en persona. Aunque tira de estereotipos a mansalva, la peli funciona como lo que es: un entretenimiento sin pretensiones que logra tensar el suspense con acierto y buen ritmo y con algunas momentos muy conseguidos, a pesar de las inevitables salidas de tono y un guión, en el fondo, bastante tramposillo. John Eric Dowdle maneja la historia con aplomo (muy resultones los créditos iniciales, a la par que sencillos) y buenas idea de puesta en escena, a pesar de que en manos más personales seguramente estaríamos hablando de una pequeña joya de terror claustrofóbico y no de un mero entretenimiento mainstream que acaba pareciendo un episodio de TWILIGHT ZONE algo estirado, aunque perfectamente disfrutable. Veremos cómo continuan estas NIGHT´S CHRONICLES.

- Lo peor: ese tufillo final a moralina, trauma y redención

  CABEZAS

Lo prometido es deuda: vamos con la otra tanda de pelis que, por diversas razones, tenían que estar por estos lares. Comenzamos por una selección de pequeñas joyitas, todas bastante bizarras y alguna que perfectamente podrían aparecer en LO MEJOR... cosas del caos cerebral. Las reseñas completas de algunas, pinchando sobre su cartel. A disfrutar!

El misterio del año: la última de Jean-Pierre Jeunet ha pasado tan de tapadillo que muchos ni siquiera se han enterado de su existencia. Craso error. MICMACS es un feliz regreso a su cine de juventud, con un aroma muy DELICATESSEN, que abandona la desmesura de ambiciones de la algo plomiza LARGO VERANO DE NOVIAZGO para abrazar de nuevo una comedia ligera e intensamente vitalista protagonizada por frikis varios en un ambiente entre suburbial y circense, con delirante argumento y un ritmazo y estilo visual cercano a los cartoons de la Warner pasados por el filtro de un Terry Gilliam desbocado. Una absoluta delicia.

Aún pendiente de estreno por aquí (esto es de locos), o a la espera de que nuestros vigilantes de la ética y la estética le encasqueten una X, el caso es que aún no hemos tenido opción de ver en pantalla grande la gamberrada total de Alexandre Aja, la película veraniega definitiva para la parroquia más enloquecida, el blockbuster más bárbaro a este lado de la galaxia. Descacharrante por puro exceso, descerebrada por vocación, sucia, escatológica, hiper gore y, por todo ello, tremendamente divertida. Una involución mental a los catorce años sin prejuicios ni cortapisas. Y habrá secuela... ¡pues claro que sí!

¿Aburridos de moñadas de bailes de graduación y Reinas de la Fiesta? ¿Aburridos de psicópatas de segunda con más traumas que el malo de GLADIATOR? ¿Aburridos de torture-porns tipo HOSTEL y otros cagarros? ¿Aburridos de tanto jovenzuelo existencial que no sabe si tirarse al metro o a la taquillera? Pues olvidad el aburrimiento porque THE LOVED ONES tiene todos esos ingredientes en su justa medida, sazonados con toneladas de ironía, buenos personajes, mirada propia y una banda sonora muy metal. Sorpresón desde Australia, tierra que poco a poco va haciéndose un hueco sólido en el cine de género.

Que una película infantil gane el festival de Sitges 2010 ya es raro, pero que además sea finlandesa y su personaje principal sea Santa Claus resulta de lo más bizarro, pero que nadie se alarme. Este exótico cuento de navidad protagonizado por niño le da la vuelta al afable mito del gordo barbudo para resultar una estimulante peliculita de aventuras con suficiente mala baba, bastante más siniestra de lo previsto y rebosante de ancianos en pelotas corriendo por la nieve (!!). El regustillo ochentero en la vena Joe Dante (GREMLINS) o incluso GOONIES juega a su favor. Ideal para niños gamberros en una tarde de invierno.


Y no podía faltar aquí la última marcianada de mi admirado Vicenzo Natali. Revisión del mito de Frankenstein variación genética y high tech, en el fondo una morbosilla metáfora sobre la maternidad llevada al extremo porque amigos, ya era hora, al fin vez el buen doctor echa un polvo con su criatura en la secuencia más bizarra del año. Así pues, a los problemas inherentes a la paternidad se le suma una especie de doble incesto que acaba por redondear una "película con monstruo" tremendamente jugosa, humana y hasta cierto punto original, todo ello bañado por un curioso sentido del humor más bien subterráneo.



Se entiende que recopilo aquí esas pelis sobre las que tenía un mínimo de interés o esperanzas. Si no hay expectativas, poca decepción puede llegar, y la sorpresa sólo puede ser positiva.

ALICIA EN EL PAIS DE LAS MARAVILLAS 
Sin lugar a dudas, el gran fiasco del año. En un mundo ideal, los universos creativos de Carroll y Burton podrían haber hecho saltar chispas de genio y buen cine, algo realmente histórico, pero la cruda realidad nos cruza la cara de un sopapo: esta ALICIA es aburrida, genérica, insustancial, carne de blockbuster sin chicha, un pasatiempo de colores que se hace hasta pesado. Una ALICIA domesticada carente de anarquía e imaginación, sin libertad. Y, pensandolo bien, eso es lo peor que se puede decir del mito de ALICIA. Fiasco chungo.


Aunque estaba cantado, me pilló de sorpresa tanto apolillamiento mental y visual para tratar de levantar un relato basado (lejanamente) en el maestro Lovecraft. Guión sin pulir y con una estructura infame, interpretaciones de vergüenza ajena, ritmo cansino, olor a naftalina por doquier... Las buenas intenciones no bastan, y a Jose Luis Alemán todavía le faltan varios herbores como director como para enfrentarse a tamaño desafío. Pues ni caso. Durante 2011, su segunda parte: LA SOMBRA PROHIBIDA. Seguro que pico. Yo soy así.



Fiel a su enfermiza tradición de los últimos años, Woody Allen nos entrega una de cal y otra de arena. Si la del año pasado no estuvo mal, con su regreso a Londres vuelve otra vez en cansinismo ilustrado, a una historia mil veces vista en su cine y a unos personajes no similares, sino calcados a otros de su filmografía. Todo a medio gas, en una trama que, estoy seguro, no le entusiasma ni al propio director. Refrito de copia, Woody se homenajea a sí mismo con una desgana de asusta. La siguiente ya toca buena, ¿eh?


Con esta me la juego. Primero: está lejos de ser una mala película y desde luego no iría en LO PEOR. Segundo: me ha decepcionado mucho, yo estaba esperando casi una obra maestra. No lo es. Thriller con ribetes de "rape and revenge" de original premisa (aquí el psicópata es la presa), resulta que la historia tarda demasiado en arrancar, la evolución  dramática es nula y, sobre todo, le sobran minutos por un tubo para una trama tan, en el fondo, esquemática. Aunque sus secuencias aisladas funcionan, el conjunto no me entusiasma ni me dice nada nuevo sobre el género. ¿Visualmente? Impactante, como cualquier cosa que sale de Corea.


A ver amigos, aquí voy a necesitar ayuda. kILL_Yr_Ydols ya me ha soplado un par, así que espero una catarata de títulos por vuestras partes, esas pelis que no tengo perdón por habérmelas perdido en el 2010.  También podeis des-recomendarme algunas de las que pongo aquí. Mi lista es esta, sin ningún orden particular:

-SCOTT PILGRIM VS THE WORLD: los entusiasmos de kILL_Yr_Ydols sobre esta adaptación de un cómic tan kitsch se me contagian.

- I´M STILL HERE: el falso documental sobre la falsa vida de Joaquin Phoenix como rapero me pica la curiosidad.

- A SERBIAN FILM: mucha pereza, algo de hartazgo de oir hablar de ella y la intuición de que no me va a gustar, pero sigue en la recámara.

- HABITACIÓN EN ROMA: la única razón de que esté aquí es Julio Medem.

- LOS OJOS DE JULIA: este año me he saltado la tradicional entrega de suspense hispano con Belén Rueda. ¿Qué tal está?

- THE LAST EXORCISM: otro falso documental, esta vez sobre un predicador sin fe que tiene que encarar a una jovencita poseída. Hum...

- MR. NOBODY: especie de drama fantástico-poético-existencial sobre las múltiples vidas posibles y simultaneas de un tipo con el careto de Jared Leto. Miedo me da, pero me atrae bastante la idea.

- DEVIL: unos personajes encerrados en un ascensor. Uno de ellos es el Diablo. Producida por M. Night Shyamalan. Esta cae fijo.

Y esto ha sido todo amigos. Otro año sin nada de Lynch. En el 2011 seguiremos dejándonos los ojos frente a pantallas varias y comentándolo por aquí. Ale!

Antes de arrancar, agradecer a todos/as vuestro interés por este rinconcito cinéfago y por todas las opiniones e informaciones y sugerencias compartidas a lo largo del pasado año. Gracias!


Como cualquier lista, esta no puede ser más subjetiva, dejando un poco de lado observaciones más sesudas y guiándome por, al fin y al cabo, lo que cuenta de verdad: lo que más me ha hecho disfrutar frente a una pantalla (en cine o en formato casero), lo que me agita, me provoca o me suelta sopapos mentales y emocionales,  aquellas peliculas que acabas llevando contigo unos días (o semanas, o meses) y que, cual parásito audiovisual, se resisten a abandonarte. Curioso este 2010, el año de la polémica en el que el cine de género ha llegado a los telediarios y destacados en prensa generalista, con una absurda vorágine de censuras varias, abyectas decisiones judiciales promovidas por el sector más talibán (siempre cobarde, siempre en la sombra) y demenciales clasificaciones X promovidas por un ministerio desnortado, todo ello jaleado incluso por grupúsculos periodísticos que uno pensaba se movían por terrenos más sensatos. Un 2010, por otra parte, no especialmente memorable pero que nos ha regalado algunas perlas intensas y un podium de monumentos. Como suele ocurrir, en la recta final del año me he encontrado con algunas sorpresas de peso. La mayoría ya están comentadas en el blog (sólo teneis que pinchar los posters para acceder a sus reseñas). Y como siempre, trataré de ceñirme sólo a las películas estrenadas durante el año en algún punto del globo. Se levanta el telón...

LAS 10 IMPRESCINDIBLES

Si A SERBIAN FILM se llevó la mayor parte de los titulares amarilloides, el esputo audiovisual de Tom Six se lleva la palma en provocación y buen cine. Delirante a la par que fria como el hielo, muy a lo David Cronenberg, esta historia imposible con científico loco y escatológico experimento incomoda y pone mal cuerpo sin mostrar (casi) ni una gota de sangre, jugando la baza del humor negro subterraneo y manoseando la imaginación del respetable sin pudor de ningún tipo, con un climax angustioso y la secuencia final más inenarrable del año. Amenazan con secuela para el 2011. Sólo para los más osados.

El polo opuesto de REPO MEN, otra marciana muestra de género con una gran disyuntiva de base: demasiado indie (o plasta) para los fans más hardcore de la ciencia-ficción, demasiado rara para la parroquia indie, que se quedará de piedra al descubrir la más hermosa metáfora visual del año en el abrazo de dos sepias gigantes. Romántica hasta la médula, en el fondo una sencilla historia de amor en tiempos de guerra en la que el elemento fantástico sólo sirve de contexto en una especie de road movie a pie, tan delicada como hipnótica en su lenta cadencia de imágenes. El amor está en el aire (contaminado). Muy hermosa.

Y Park Chan-Wook hizo una de vampiros y se quedó como dios. Excesiva y estrambótica por todos los lados, el acercamiento del coreano a tan centenario género no pudo ser más... suyo. Opereta oriental chupasangre, larga como ella sola, el amigo Park agarra el mito por las solapas y lo manosea hasta que logra el megamix postmoderno perfecto, aquí hay de todo y en generosas dosis: terror y sangre, erotismo morboso, comedia surrealista y también costumbrista (¿sólo yo ví a Almodovar en algunas secuencias?), thriller romantico, drama existencial y redención a lo bestia. Todo con el exquisito gusto visual marca de la casa. Grande.

Sin ser de las mejores de los portentos de Pixar, se cuela entre lo mejor del año, no falla. Superior en todo a sus dos ilustres precedentes, la tercera y última de la saga de los juguetes sigue desprendiendo pura magia. No es sólo que el guión roce la perfección, que sepan ajustar las dosis exactas de ternura y emotividad sin caer en el almibar, que algunas de sus imágenes sean pura belleza para los sentidos, es que encima te montan la mejor película de aventuras de año jugando con referencias que son puro género: el carcelario y, si me apuras, el terror gótico, todo ello logrando que la chavalería disfrute casi tanto como sus padres.

Y Banski se pasó al cine documental y nos tomó el pelo todos con arte y con salero. Sobre todo con arte. A sabiendas de que su figura es un gancho comercial per se, el hombre sin rostro se monta un inquietante documento que comienza por los cauces habituales (muy estándar, muy didáctico) y termina siendo una revisión hilarante de EL GUATEQUE versión street art. A pesar del cachondeo inherente al invento, Banski es capaz de lanzar agudas reflexiones con su elaborado discurso, mezclando personajes y hechos reales e inventados, jugando a la confusión para hablar, al final, de la estupidez humana. Aunque él asegura que todo es cierto. Genial.


Un tipo encerrado en un ataud durante hora y media. Ni más ni menos. Con esta kamikaze premisa, Rodrigo Cortés se monta el thriller minimalista del año, una apasionante experiencia audiovisual, hipnótica en sus imágenes y trepidante, sí, trepidante en su desarrollo. Imposible despegar la mirada de esta virguería  hecha puro cine que te agarra por las solapas desde el minuto uno, con el guaperas de Ryan Reynolds dándolo todo y unos niveles de angustia y emoción estratosféricos y sin concesiones fáciles. Si Hitchcock levantara su ilustre papada, aplaudiría con entusiasmo BURIED. Un prodigio.

A la vejez, viruelas amigos. El maestro Scorsese se deja de las aburridas zarandajas mafiosiles de los últimos años y aparca el piloto automático para homenajear a sus clásicos del cine negro y, de paso, batirnos el cerebro a base de bien con una tela de araña diabólica en un film noir muy noir que marca la transición del querubín Leo DiCaprio a la edad adulta con una protentosa interpretación. Paja mental o no (yo pienso que la peli está muy bien armada y cerrada), una gozada completa, el regalo envenenado de un maestro y amante del séptimo arte. Ya querrían muchos jovenzuelos modernetes rodar con el brio de este señor. Chapeau!

BALADA no es una película, es un ariete cuesta abajo, un Mihura enloquecido blandiendo astas a diestro y siniestro, un grito desesperado hecho celuloide, una mueca de terror impresa en la jeta de un payaso. Alex de la Iglesia cierra la boca de aquellos que le dieron la espalda tras su periplo en Oxford con su peli más personal, febril y dolorosa, un inesperado viraje hacia el drama revestido, cómo no, de un sentido del humor brutal que casi ni es humor sino tragedia. Irregular e imperfecta, excesiva, grotesca, caótica y surrealista, y por ello valiente y única, una rara avis dentro del cine patrio que será objeto de culto en poco tiempo.

ORIGEN es ese milagro que sucede muy de vez en cuando, el que rompe la barrera artificial y excluyente que muchos insisten en levantar entre cine "comercial" y cine "de calidad". Pues sí, ORIGEN es un thriller norteamericano, es un blockbuster veraniego y palomitero con estrellas, es de acción y de suspense, pero también es la propuesta más innovadora y alucinante de la temporada, una osada mezcla de fondo y forma engarzada con maestría, que bebe de muchas fuentes para levantar un monumento audiovisual con fascinante entidad propia, y que no se avergüenza de su inteligencia. El año de DiCaprio y Christopher Nolan. La película del año.


Y próximamente: CINCO JOYITAS PARA EL RESCATE, LO PEOR DEL AÑO y las CUENTAS PENDIENTES.

Lo mejor, lo peor, lo más tonto, lo más bruto, lo más plasta, lo más gore, lo más guarro, 

lo más largo, lo más corto, lo más grande, lo más verde,
en las que no sale Leonardo DiCaprio...

Puto lío...

PROXIMAMENTE EN SESIÓN GOLFA...  

LAS LISTAS DE 2010

Para mucha gente, entre la que me incluyo, la irrupción de Alex de la Iglesia en el cine, cual ariete descontrolado arremetiendo contra los cimientos de tanto celuloide rancio, acomodado e inane, supuso una revelación cuasi generacional. No os voy a dar la brasa con el tema otra vez porque ya traté de explicarlo en la reseña de LOS CRÍMENES DE OXFORD, película, por cierto, causante de que bastantes de sus incondicionales le dieran la espalda (yo no) y que otros tantos agoreros anunciaron como el comienzo de su caída en picado (tampoco me incluyo). El celuloide rancio, acomodado e inane producido por estos lares sigue existiendo a paladas, sólo hace falta mirar las pelis con las que comparte cartelera y sonrojarse con los trailers patrios que nos endosaron en el cine: más de lo mismo. Con este panorama, la dolorosa e intensa patada en los cojones para el respetable y la industria que supone BALADA TRISTE DE TROMPETA merece, sin otras consideraciones, un atronador aplauso desde ya mismo.


En negro unas risas infantiles se desparraman por la sala. Unos esforzados payasos tratan de entretener a unos críos mientras las bombas que estallan alrededor hacen temblar la pista y a los asustados rostros de los pequeños, que se alternan entre el pánico y la carcajada. Los milicianos republicanos irrumpen  por la fuerza en el sórdido escenario y llaman a filas a los payasos ante el estupor de los niños: se acabó el espectáculo, el horror ya está aquí. Una de las criaturas, el hijo del Payaso Tonto, se queda sólo en medio de la pista, paralizado por el terror entre el polvo de las bombas. Un leon se acerca y se sienta junto a él, construyendo una imagen casi mitológica Comienzan los créditos, sucesión de fotografías de una guerra, de un tiempo oscuro, de una exaltación del miedo y la miseria mientras un quejido flamenco, una saeta, un requiem, te comienza a desgarrar el alma. Franco se alterna con Fu-Manchu, un obispo y el rostro del demonio, atentados de ETA y los Payasos de la Tele, fusilamientos y Massiel cantando el La-La-La... Los pelos de punta, la piel de gallina. Reconozco a Alex de la Iglesia en todo esto, pero esto a la vez es muy distinto: un viraje hacia el dolor, un sesgo dramático casi inédito hasta ahora. No hace falta mucho más, y apenas ha empezado la película: BALADA TRISTE DE TROMPETA no va a ser un viaje fácil ni complaciente, ni siquiera para sus fieles.


BALADA es una película hecha desde las entrañas, una película tan visceral que obliga al espectador a una respuesta en la misma medida. Una obra febril, excesiva, un esperpento grotesco en la que la risa se te congela como una cicatriz en la cara. El humor de BALADA no es que sea negro, es un vacío doloroso al que arrojarse y en el que la risa, si brota, lo hace como un esputo de sangre y saliva. Ese esperpento, ya presente desde los tiempos de ACCIÓN MUTANTE, abandona casi por completo su aire festivo y muta en algo mucho más profundo y tremendo. En esta película no hay risas fáciles, de hecho, apenas hay risas. Ni siquiera diría que es una película divertida en el sentido más superficial, es la historia de un payaso triste que no sabe hacer reir, de su imposibilidad para amar y de la España fratricida, absurda y confusa en la que le ha tocado vivir. Un cuadruple salto mortal sin red en el que Alex de la Iglesia se arroja como un kamikaze contra su propia película en una especie de lúcida, clarividente enajenación mental. Por ejemplo, los ganchos de Santiago Segura o Carlos Areces en el reparto, ambos con unas trayectorias tan marcadas y reconocibles en la comedia, transmutan en sendos personajes más trágicos que dramáticos, en especial Areces, con una interpretación que provoca mucho más que sorpresa, más bien admiración. Un cambio de registro tan brutal y seco como un sopapo en media cara. Y así, toda la troupe habitual de la casa transita por la pantalla con sus glorias y miserias, en especial Carolina Bang, el juguete roto y partido por la mitad, una mala actriz de imponente presencia a la que el bueno de Alex sabe sacar emoción y verdad, y un Antonio de la Torre en estado de gracia y representando algo más que un personaje, una porción de nuestra violenta historia reciente, incapaz ya de ocultar su rostro deforme y lleno de cicatrices.


BALADA es una película desequilibrada en todos los sentidos, imperfecta en su grandeza, que avanza a hostias sin misericordia, con secuencias inacabadas y tramos que se hunden en el delirio, algo que hubiese sido un completo desastre en otras manos menos diestras, porque Alex, aunque no lo parezca, sabe exactamente hacia donde quiere dirigirla. Algo tan personal e intransferible que por primera vez firma el guión en solitario. Su incontestable poderío visual y su nervio narrativo está aquí desbocado, libre y sin ataduras, regalando algunas de las imágenes y los momentos del año que se quedan grabados en la retina a fuego. Un compendio de toda su filmografía pero con una claridad de ideas que, dentro de este caos, funciona como un reloj, eso sí, con una mirada mucho más amarga (y sabia). Ecos de Fellini, de Kusturica, de Gilliam, del FREAKS de Tod Browning, de Berlanga (por supuesto), de Tarantino, todo ello pasado por la turmix Alex de la Iglesia, porque este tipo sigue siendo un cineasta único, y esta su película más atrevida, difícil, valiente e inaudita, sin duda. Una bofetada de honestidad descarnada, de sinceridad brutal; una "obra de madurez" (odio esta expresión) con todas las letras, pero más kamikaze que ninguna. Una tragicomedia ultraviolenta, durísima, descarnada y alucinada en la que da la sensación de que su director se ha vaciado por completo. Una obra catártica y, por tanto purificadora, pero sin contemplaciones ni concesiones. Si el año pasado tuvimos a Terry Gilliam con su IMAGINARIUM, éste 2010 nos ha regalado una triste BALADA para el recuerdo. La representación postmoderna y en movimiento más lúcida y tremebunda de aquel DUELO A GARROTAZOS de Goya. Maldita sea la gracia.

 DREAM HOME/Hong Kong/2010

Demasiado tiempo que no se dejaba caer por aquí algo asiático, ¡pardiez!. No puede ser. Retomo con DREAM HOME, una de las más comentadas en el Sitges de este año (A SERBIAN FILM y posteriores censuras fundamentalistas a parte), que se llevó un par de jugosos premios. DREAM HOME es una peli sumamente extraña por varias razones: por su insólito argumento para un slasher, por su desparramante violencia trazada con tiralíneas y por su jodida estructura narrativa, rara rara. Es posible que ésta sea la primera película de "terror inmobiliario" de la historia, y no, no me refiero a casas encantadas, sino a su fondo y esencia: la especulación galopante que dio pie a la tremenda crisis mundial que estamos padeciendo, y cómo ésta afecta a las personas. Una marciana fábula gore revestida de apuntes financieros en la que una muchacha está obsesionada con adquirir una vivienda de lujo con vistas al mar, y todo lo que está dispuesta a hacer para conseguir que bajen los precios. Alienada y progresivamente deshumanizada por los cuatro costados monetarios que la amenazan, inmersa en una espiral capitalista que la ahoga y de la que se ve incapaz de salir, la pobre mujer deriva en una degeneración psicopática brutal que la convierte en una asesina con tanta furia como creatividad en el manejo de sus armas. Y no falta brutalidad aquí, no. Violenta y explícita como la que más, pero con una técnica y planificación cristalina, empapada con ese desconcertante sentido del humor negro oriental que no se amilana ante los excesos físicos (atención al momento "¡Te has corrido muchísimo!"), pero que atesora una elegancia sobresaliente y un ritmo pausado. DREAM HOME se toma su tiempo para desgranar las dramáticas circunstancias vitales de la protagonista (estupenda Josie Ho), en una enrevesada narrativa paralela en la que se superponen flashbacks a distintos niveles temporales. Notable la dirección de Pang Ho-Cheung, tan milimétrica en la exposición de la psicología de sus criaturas como en las abundantes escabechinas catárticas, que sabe extraer profundidad de un magma en el que otros sólo hubiesen drenado hemoglobina, apuntando interesantes apuntes sociales que van incluso más allá del contexto capitalista-especulador de la película: así, la abnegación y sumisión de la muchacha respecto a sus partenaires masculinos (novio y padre) es tan brutal como todo lo demás (quizás una revisión en clave sarcástica de la propia cultura oriental), y la constante presencia de la muerte como elemento indisoluble a su vida, que primero la sufre, luego la utiliza para el bien personal, y finalmente la provoca en cantidades industriales para alcanzar un sueño. Una retorcida, macabra y contemporánea revisión en clave gore de la ley de la oferta y la demanda con un cínico epílogo. Muy interesante.

- Lo mejor: su insólito trasfondo social y el notable trabajo de su director, que no escatima vísceras, pero en las antípodas estilísticas de ultragore nipón de los últimos tiempos

  CABEZAS

Estimados seguidores y jugones de SESIÓN GOLFA, permitidme este inciso porque ya está a la venta, por un muy módico precio, el primer videojuego para móviles en el que participa Lince Studios, el estudio de animación en el que trabajo, realizado en colaboración con Digital Jokers: STREET DANCER (Extremely Funky), disponible en ESTE iTUNES

También se ha creado un facebook, por si quereis bichear AQUÍ

Nuestra labor en esta ocasión ha sido el diseño de todos los fondos, así que si quereis picaros a base de bien en competiciones de baile callejero (os aseguro que engancha lo suyo)... a por él!

Difundid la buena nueva!

Saludos a tutti!

THE GOON es la peli por la llevo salivando meses. Primero porque Blur Studios se iba a hacer cargo de ellas, en la que va a ser su debut en el largometraje (sus cortos son magníficos). Luego porque el mismísimo Eric Powell (autor del cómic original) se encargaría del guión. Y para rematar la faena, porque David Fincher ha tomado las riendas como director del que será, también, su estreno en el cine de animación. En fin, que si no habeis leído todavía nada de EL BRUTO (siete números hasta ahora editados por Norma) os estais perdiendo uno de los cómics más tronchantes y de mejor calidad de los últimos tiempos. Ahora, a babear un poco con el primer poster y estos dos suculentos adelantos, que en mi opinión han capturado al 100% la esencia de los cómics originales. Impresionante.

 THE EXPENDABLES / EEUU / 2010

Aunque no pudo contar con todos los que quiso (Van Damme declinó participar), Sylvester Stallone logró reunir a la plana mayor de la testosterona mundial para LOS MERCENARIOS (THE EXPENDABLES), una especie de celebración nostálgica (y cínica) de un género, el de la pura acción macho-man ochentera, que ya hace años pasó a mejor vida en su pura esencia. Eran tiempos testosterona desatada, argumentos imposibles, acción desmelenada por la cara y miriadas de muertos y explosiones y arsenales y munición derrochada como para destruir el planeta un par de veces. Tiempos en los que los héroes tenían la profundidad psicológica de un percebe, era divertido derrocar repúblicas bananeras, las venas de los biceps amenazaban con estallar en cada secuencia y la virilidad descerebrada era una forma de mirar el mundo. Los ochenta ya quedan lejos, el s.XXI gravita sobre nuestras cabezas como una densa nube negra de confusión internacional, todo es mucho más oscuro y retorcido, pero mira tú por dónde, a Stallone todo esto se la sopla. Firme en sus convicciones cinematográficas, Sylvester firma la película-viagra definitiva, una oda a violencia geriátrica conscientemente absurda, inteligentemente estúpida, inverosímil de principio a fin, pero, qué bien amigos, tronchante y disfrutable en su total desmesura autoparódica. LOS MERCENARIOS parece el sueño húmedo del geriátrico de John Rambo, un delirium tremens donde unos señores con edad de estar tomandose un caldito con una manta en las rodillas prefieren pilotar hidroaviones, hacer concursos de lanzamientos de cuchillos, volar por los aires pueblos tropicales, terminarse un tatuaje en la espalda, pasear por la ciudad con sus choppers o salvar damiselas en apuros. Y, en medio, dar y recibir ostias como fundas de piano. Yo es que pierdo el raciocinio con la perpetua competición de botox entre Stallone y Mickey Rourke jugando a ver quién se tira más titis y comportándose como adolescentes en celo con la movilidad facial de un action-man. Todo esto dentro de una trama de parvulario, un batiburrillo de tópicos idiotizantes sin el menor interés pero, y esto es lo más gordo, rezumando inteligencia por los cuatro costados. ¿Comorl? Pues porque Stallone y el resto de abueletes son conscientes de la tonterida, que en ningún momento pretende tomarse en serio a sí misma, como sí hacían sus referentes ochenteros. Aunque el guión es una chorrada, los diálogos tienen momentos brillantes por su ironía y sacarsmo, todo el conjunto huele a cachondeo crepuscular (atención a algunas lineas de Dolph Lundgren y al tan cacareado encuentro-cameo entre los otros dos que faltaban en la ecuación, vibrante) y la incursión de los relativamente jóvenes Jason Stanham y Jet Li (éste con un personaje muy gracioso) rebajan el nivel de caucho por centímetro cuadrado y le otorgan cierta frescura al conjunto. Uno de esos casos en los que los brochazos que definen a los personajes son pocos pero funcionales, logrando un grupúsculo de descerebrados, cada uno con su debilidad (a cual más delirante), que logra ser carismático y que pide segunda parte a gritos. Además, la contundente dirección de Stallone, lo mejor que ha rodado hasta el momento, busca la acción física y los efectos reales, huyendo como la peste de los excesos infográficos, recuperando una puesta en escena más transparente y menos confusa de lo que se lleva hoy en día. Así pues, carismática tonterida 100% disfrutable sin prejuicios, espectáculo de acción old school pero (y es un pero importante) auto-reflexivo y auto-consciente con el propio género. Jugando sólo la baza de la nostalgia bobalicona, el invento podría haber sido desastroso. Vuelve el hombre.

- Lo mejor: lo bien que funciona a sus dos niveles, como espectáculo descerebrado old school y como divertida reflexión sobre sí misma

- Lo peor: ¿no podrían haberse currado una trama un poco más interesante?

  CABEZAS

 FURIA / Francia / 1999

Regreso después de una semana de semi-vacaciones y temporales varios. Gracias a la magia del amigo alexcore pude disfrutar de la ópera prima de mi adorado Alexandre Aja, una rareza muy difícil de encontrar. Y de paso os animo a visitar su otro estupendo blog, MELTING MAN, toda una caja de pandora audiovisual llena de sorpresas y mucha calidad. A lo que vamos, FURIA es una interesante película que, no obstante, puede que decepcione a los más acérrimos, pero en la que ya están latentes muchas de las constantes de su cine, sobre todo su tremenda capacidad para la puesta en escena, su firme pulso cinematográfico y su querencia por los ambientes psicológicos opresivos y la sordidez, aunque he de advertir que todo eso está aún en fase larvaria, construyendo los cimientos para ese descomunal puñetazo en la jeta que supuso HAUTE TENSION y el resto de su apasionante filmografía. FURIA es una adaptación de un cuento de Julio Cortazar, nada menos, una muestra de distopía social a vueltas con los totalitarismos, con una hermosa premisa  revolucionaria de base pero que ha sido estirada como un chicle, como suele pasar en estos casos. Aja y su coguionista habitual Grégory Levasseur deciden tirar por la vía del estudio psicológico y las confrontaciones entre sus personajes en una situación extrema. El ritmo es más bien lento, construyendo una especie de historia de amor con estructura de thriller (o al revés), punteado por unas (contadas) secuencias de acción muy bien resueltas que tienen su cénit en su tramo final, en el que el impacto visual y emocional se intensifica y se acerca bastante al potencial audiovisual que este genio galo ha demostrado posteriormente, dejando el subtexto político como un mero paisaje en el que los personajes se enfrentan, sin que por ello las implicaciones metafóricas y sociales del relato pierdan fuerza. Marion Cotillard se luce con una potente interpretación en su difícil y enigmático personaje, pero a su partenaire Stanislas Methar le falta fuerza y presencia. Por fortuna, el estupendo elenco de secundarios dota de solidez al conjunto, en especial una madura y potente Laura del Sol. Lo dicho, interesante arranque de un gran director, que seguramente no provoque gran entusiasmo pero que se degusta con calma e interés, en el que a Alexandre Aja ya se le nota experimentando y buscando su estilo y su  propia mirada. Como debe ser en cualquier ópera prima.

- Lo mejor: disfrutar descubriendo los primeros pasos de un gran cineasta

Pues sí, ya ha pasado una semana desde que nos dejó Berlanga, parece mentira carajo. Anárquico, cruel, tierno, cínico, fetichista, sarcástico, contradictorio, inocente, erotómano... maestro de maestros. Pocos directores en la historia del cine pueden presumir de haber convertido su apellido en un adjetivo por méritos propios para definir un estilo, una forma de hacer y de mirar, muy pocos. Aún menos pueden afirmar que encontraron a SU guionista, y que junto a él construyeron una simbiosis perfecta, sin fisuras, como fueron sus obras maestras junto a Rafael Azcona. Curioso cuando el propio Berlanga consideraba el guión "como una Gestapo en el cine que había que minimizar", una de sus muchas contradicciones que le hacían aún más grande. Un luchador militante sin militancia que tuvo el valor de contar, en tiempo real, una época oscura de nuestra historia (hacerlo a posteriori es bastante más fácil), que fue capaz de sortear a la cegata censura franquista a través del humor y la energía cinética de sus personajes en plano, siempre en movimiento, siempre dialogando como ametralladoras en sus magistrales planos secuencia. Berlanga, siempre más interesado en los detalles que en lo que se presupone principal, el tipo que encumbró un cine de personajes por encima de la historia, que subió a un pedestal a la fabulosa cantera de secundarios que hemos tenido por aquí, un director de actores como la copa de un pino. Berlanga, siempre al lado de los humildes y los desarrapados, cuyas películas son, sin excepciones, crónicas de un fracaso pequeño y cotidiano, y por tanto universal. Hasta cuando se acercó en primer plano al poder y la ostentación, a los que manejan el cotarro, fue para no dejar títere con cabeza. Sin Berlanga, seguramente ni el cine de Almodóvar, ni el de Alex de la Iglesia serían lo que son, por poner sólo dos ejemplos de distintas generaciones. Cerrar los ojos y recomendar cualquiera de sus películas es un acierto seguro, así que yo me limito a nombrar mis preferidas (no necesariamente las mejores): EL VERDUGO y BIENVENIDO MR. MARSHALL, dos obras maestras incontestables; LOS JUEVES MILAGRO, impagable; LA ESCOPETA NACIONAL, pura mala leche destilada; LA VAQUILLA, o cómo desmontar una guerra a base de sarcasmo e inteligencia; PARÍS-TOMBUCTÚ, amargo, anárquico y lúcido epitafio vital; y en el podium, PLÁCIDO, su película más pequeña y la más redonda, la que más veces me ha hecho disfrutar, una tragicomedia delirante y trepidante rebosante de crueldad y ternura por igual, precisa, divertida, emocionante, entretenida, ácida, surreal... perfecta. Descanse en paz Berlanga, siempre con nosotros.