SESION GOLFA

SAVAGED / EEUU / 2013

El subgénero denominado "rape & revenge" es el más sensacionalista, ponzoñoso y, en ocasiones, misógino del cine de terror. Se basa en una premisa primitiva: una chica joven (o varias) es sometida a una interminable sesión de tortura y violación por uno (o varios) hombres sin escrúpulos ni desodorante. Si ella sobrevive al horror, irá exterminando uno por uno a sus agresores con inusitada presteza y mala leche. Si no, será algún familiar cercano (o su novio) quien asuma la responsabilidad. Fin. SAVAGED comienza como un rape & revenge canónico, con el agravante de que la joven es sordomuda (sic). Afortunadamente hacia mitad del metraje la historia da un brillante giro, incorporando elementos sobrenaturales muy locos y derivando la película hacia un verdadero desparrame de pura serie B sin prejuicios, con ciertos toques de estilo y ambiente que pueden recordar al Oliver Stone más polvoriento y cafre de GIRO AL INFIERNO, SAVAGES (casi el mismo título, oiga, ¿por qué será?) o incluso NATURAL BORN KILLERS. Convertir a ese ángel rubio sin voz en una guerrera apache zombificada desactiva pues gran parte de la discutible "pornografía del dolor" del subgénero para llevarlo a terrenos mucho más festivos, y da como resultado una película plenamente efectiva, divertida, gore y entretenida, con un potente final que, oh sorpresa, acierta en su tono entre patético y dramático. Premio del Público en el reciente festival Nocturna 2014. 

- Lo mejor: la estimulante vuelta de tuerca al cansino subgénero del rape & revenge 

- Lo peor: que algún despistado trate de tomársela demasiado en serio

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BAGHEAD / EEUU / 2008

Que un cineasta con una idea no tenga un céntimo para levantar una película es más viejo que el mismo cine. Se financian con aportaciones de amigos/familiares (ahora por crowdfunding) y lían a los colegas para que trabajen por la cara en su película, siempre sufriendo el pluriempleo (actor-carpintero-productor-guionista, productor-hacedor de sandwiches-script, director-guionista-productor-operador-editor etc...). Como no hay pasta para alardes técnicos, la cámara es la más barata posible, y nos olvidamos de trípodes, travellings y demás zarandajas. Al hombro y tirando de zoom. Mejor iluminamos con una linterna. Y rodamos en la casa de tus suegros. Pues bien, a esto los hipsters, siempre atentos a lo último, ahora lo llaman (ojo al dato): mumblecore. Lo que toda la vida ha sido cine caspa y/o/u la más lisa y llana serie B (tirando a zetosa) ahora es lo más in en los circuitos underground, porque lo indie ya es demasiado mainstream. Y resulta que BAGHEAD es uno de los hitos del nuevo "género", my friends, pero no se asusten que por algo se ha colado en Sesión Golfa. Aunque las demás parece que son pelis urbanas de relaciones costumbristas entre treintañeros blancos que no frecuentan la ducha (Sesión Golfa pasa y envida), BAGHEAD juguetea a dos manos con el cine de terror desde un puto de vista, digamos, despreocupado. Una historia de cuatro actores tratando de escribir el guión de una película en una cabaña en el bosque mientras son acosados por un tipo con una bolsa en la cabeza. Sep, una bolsa. Aunque la veta terrorífica, en realidad, se anuncia pero nunca llega, y la comedia (supongamos) tampoco es para doblarse el lomo de risa, BAGHEAD resulta de lo más simpaticota si juegas a la complicidad. Los hermanos Duplass (no se puede ser más mumblecore) saben sacar calidez y honestidad de la relación entre sus cuatro personajes, y la apariencia ultra amateur de la imagen, esta vez, refuerza la frescura de la propuesta, sobre todo por su acertado elenco y la presencia de esa ricura de chavala llamada Greta Gerwig, musa, por supuesto, del movimiento mumblecore. Aunque a la supuesta sorpresa final se le ve el cartón a leguas, BAGHEAD funciona bien dentro de sus limitaciones, como una agradable curiosidad dentro del cine de guerrilla norteamericano, pero tampoco da para mucho más y se olvida en un rato. Desde Sesión Golfa proponemos llamar jandercore a las películas baratas de chicas jóvenes que están muertas y se pudren frente al espejo mientras reflexionan sobre la existencia y se apartan los gusanos (ya he visto tres en los últimos meses) o apiticarn a las de señores mayores viajando solos en un yate y luchando por su vida bajo muchas tormentas (llevo dos). 

- Lo mejor: entretenida, fresca, breve y sin pretensiones

- Lo peor: tan intrascendente como un sandwich vegetal

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CARRIE / EEUU / 2013

La fiebre por los remakes sigue en su máximo apogeo amigos. El bussiness es el bussiness, y la enfermedad parece lejos de remitir. En 1976 CARRIE fue un hito porque puso a Stephen King y a Brian De Palma en el mapa, nada menos. Y porque es una película cojonuda. Como otras muchas, CARRIE no necesitaba remake alguno. Dijeron que sería una versión más fiel al libro que la del amigo De Palma, pero vista la pèlícula de Kimberly Peirce la frase es puro humo. Stephen King hace la primera descripción de Carrie en las duchas: "... una rana entre los cisnes. Era una muchacha robusta, con granos en el cuello, la espalda y las nalgas. Su cabello mojado no parecía tener color alguno...". No parece precisamente la descripción de Chloë Grace Moretz. No se atreve, como tampoco hizo De Palma, en desarrollar el arrebato psicótico y telekinésico final, que en la novela lleva a Carrie a arrasar el pueblo entero y escabechar a cualquier incauto con el que se cruzase. En realidad, CARRIE 2013 sigue paso por paso la magnífica peli de Brian De Palma sin esforzarse en ofrecer nada novedoso. Es una pena porque su impactante prólogo, ausente en la versión setentera, pone los dientes muy largos y las expectativas muy altas, pero se queda en un brillante arrebato aislado. Kimberly Peirce abandona cualquier intención de dar personalidad al asunto y asume la dirección de forma efectiva y más que correcta, a veces con cierto brío (en especial en el estupendo climax final), pero todo sin mucha pasión, que era lo que le sobraba a la primera adaptación, con un De Palma desbocado y voyeur. 

Afortunadamente lo mejor de CARRIE 2013, asumiendo que no vamos a encontrar novedades, son las dos protagonistas. Aunque Chloë Grace Moretz no da el físico (en realidad la recordada Sissy Spacek tampoco lo daba), funciona mucho mejor que Spaceck por edad y constitución (esta Carrie es más adolescente, rezuma fragilidad), y nos regala un par de duelos de muchos kilates con una tremenda Julianne Moore (la adoro mucho), dos pedazos de actrices frente a frente interpretando como gatas furiosas. Ellas son el centro de la función, está claro, aunque todo lo que las rodea (compañeros del instituto, profesores, macarras de medio pelo) resulta mucho más insulso que en la versión De Palma, y ciertamente mucho más pusilánime y recatado. Ya no hay tetas en las duchas. CARRIE 2013 es una película sin duda entretenida, sólida, solvente y eficaz, incluso sobria, pero que no deja huella.

- Lo mejor: sus dos actrices protagonistas, ambas sobresalientes

- Lo peor: no aporta absolutamente nada a la primera versión ni a la novela

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YOU´RE NEXT / EEUU / 2011

Con las neuronas reactivándose lentamente tras los atracones de final de año (de comidas, cenas, meriendas, desayunos, cañas, vermuts, copazos, sidras escanciadas en plena ciclogénesis, roscones, polvorones y listas de resumen de año), Sesión Golfa regresa con lo que viene siendo norma: rescatar rezagadas del 2013. Arrancamos año con YOU´RE NEXT, el enésimo hype de género que estuvo revoloteando por los mentideros online desde 2011 (su año de producción). Glorificada a diestro y siniestro como la enésima y sorprendente vuelta de tuerca al trillado slasher mezclado con eso que llaman ahora "asedio al hogar", cuando servidor estaba llegando al ecuador dudaba seriamente si estaba viendo esa maravilla de la que todo el mundo hablaba. Al límite del aburrimiento, los primeros 50 minutos de YOU´RE NEXT vienen a ser lo de siempre. No hay una sola secuencia (ni plano) que no hayamos visto tropecientas veces ya. El dibujo de personajes, manido y resobado hasta la nausea. El guión, patillero a más no poder y las reacciones de algunos de sus efebos, ridículas. Hasta los belfos de inquietantes asesinos con máscara, oiga. Los subrayados que van anunciando que "esto no es lo que parece", visibles a kilómetros de distancia. Al menos durante tanto rato hemos tenido un par de guiños "amiguetiles" para el aficionado con los papelitos de mi adorado Larry Fessenden (ese realizador-actor-productor con perenne jeta de acabar de despertarse con resaca) y el cachondo personaje que incorpora Ti West, que apenas dura cinco minutos en pantalla. Pero justo en el momento en el que uno ya piensa que, o la cosa se dispara en los últimos 20 minutos o esto no hay dios que lo arregle, se produce el (pequeño) milagro. Los ronquidos desaparecen en el preciso momento en el que uno de los asesinos (enmascarados, por supuesto) pisa la tabla con clavos. Adam Wingard despierta del letargo y, al fin, pone las cartas sobre la mesa con algo de honestidad: YOU´RE NEXT no es más que una peliculita descerebrada y molonamente sangrienta cuyas ínfulas de "psicoanálisis familiar" y ese (supuestamente) innovador ensamblaje dramático no son más que oropeles que caen por su propio peso. Y vista la película completa, las motivaciones y psicología de todo el tinglado es bastante simplona. 

Así, YOU´RE NEXT se convierte en su último tramo en una revisión sádica de HOME ALONE, sustituyendo al querubín por una chavala experta en supervivencia (su monólogo al respecto es digno de SCARY MOVIE) y cuyos asaltantes son una panda de zoquetes lamentables. Wingard activa el "modo ochentero" hasta en la deliciosa música con sintetizadores desbocados (añorando al mejor Carpenter), convierte a su protagonista en MacGyver (¡qué viejos somos!) y el gore creativo, al fin, se dispara (memorable ese cráneo pasado por la turbomix). La película concluye con el arrebato cartoon apropiado: un yunque cayendo en la cabeza de alguien. No acabo de entender por qué el bueno de Wingard se toma tantas molestias inútiles para enmascarar durante casi una hora la película que realmente quería ser YOU´RE NEXT: la divertida, humilde y honesta, no la pretenciosa y forzada. 

- Lo mejor: que a pesar de su soporífera primera hora, al final la cosa deja un buen sabor de boca

- Lo peor: los agujeros del guión (¿alguien me explica para qué lo del vecino, por ejemplo?), la forzada y simplona motivación de los malos y las absurdas reacciones de las víctimas

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ELYSIUM / EEUU / 2013

Neill Blomkamp insiste. Tras la magnífica sorpresa que supuso DISTRICT 9, uno de los más notables ejemplos de ciencia-ficción social de los últimos años llega ELYSIUM que, desde unos parámetros de producción más generosos, se erige como su hermana siamesa. Coherente con los intereses éticos y estéticos de su opera prima, la trama de ELYSIUM podría suceder en paralelo a la de DISTRICT 9, sólo que en otra punta del globo. De nuevo Blomkamp construye una epopeya distópica a plena luz del día a base de sudor, metal y polvo. El (cercano) futuro de ELYSIUM es tan aterrador o más que el de DISTRICT 9, quizás porque ya identificamos a la bestia en el horizonte. Las bases de lo que pueden ser las próximas décadas ya están implantadas aquí y ahora, sólo han de evolucionar de forma natural hacia el infierno social de ésta y otras películas del género, que cada vez tiene menos de ficción. Aún recuerdo cuando los informativos de ROBOCOP aún eran ciencia-ficción... Blomkamp deja bien a las claras su tesis de partida en un primer tercio realmente consistente que se devora con los ojos y el cerebro. Precisamente porque su metáfora central es más bien poco sutil e impacta a la primera, el realizador sudafricano se permite desarrollar los detalles de la vida cotidiana de los desposeídos con convicción, con un personaje central, de nuevo, primo hermano del de DISTRICT 9, que sufre en sus carnes, literalmente, la transformación necesaria para tener, al menos, una posibilidad de intentarlo. En especial el diseño de producción, coordinado por el gran Syd Mead (BLADE RUNNER, ALIENS, TRON etc), que a sus 80 años sigue alucinándonos con sus concepts, se acopla como un guante a la visión de Blomkamp. Si su anterior film tenía una gustosa pátina de "nueva carne" cronenbergiana (era imposible no acordarse de LA MOSCA), aquí la cosa vira hacia un cyberpunk de guerrilla vía salvajes implantes cibernéticos y hackers sudorosos. ELYSIUM marca bien el terreno en su primer tramo, el mejor, pero el amigo Neill no sabe desarrollar lo que tiene entre manos y acaba tirando de clichés (desde su mismo guión) para hacer avanzar una historia que pierde demasiado fuelle en su nudo, convertida en un "corre que te pillo" en el que lo más interesante se diluye (los implantes de Max y su radiación, el mefistofélico personaje de Jodie Foster y el plano, aunque divertido, antagonista con la jeta de Sharlto Copley, francamente desaprovechado). Afortunadamente la película levanta el vuelo hacia el final, pero no lo suficiente para rendondear una película que nos podría haber dado muchas más alegrías. ELYSIUM forma un dueto armónico con DISTRICT 9, aunque sin llegar a ser un tropiezo, está un escalón por debajo de su hermana de sangre. Así pues, toca esperar la tercera película de Neill Blomkamp para poder considerarle ya un imprescindible o no. Anuncia una comedia de ciencia-ficción (!) en un escenario inusual, protagonizada de nuevo por Sharlto Copley, junto a Hugh Jackman y Sigurney Weaver. Su título: CHAPPIE (!!). Neill, cuidadito que estamos vigilando.

- Lo mejor: su solidez visual y conceptual, y la insistencia de Blomkamp por hacernos llegar su coherente discurso social

- Lo peor: los azucarosos flashbacks infantiles y el insípido descontrol de su parte central con el piloto automático puesto

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MACHETE KILLS/EEUU/2013

Inasequible al desaliento, Robert Rodriguez prosigue con su particular cruzada por y para el cine basura de hechuras setenteras. Abandonado por su compañero en estas lides mr. Tarantino, el chicano tex-mex no da su brazo a torcer, y si con PLANET TERROR y MACHETE no tuviste suficiente, aquí va otra ración macarra de celuloide casposo, violencia cartoon y mala leche reconcentrada. Así pues, al grano: este MACHETE KILLS ofrece más de lo mismo, así que el factor sorpresa queda neutralizado y, para no dormir al respetable, remito a lo que ya comenté en la reseña del primer MACHETE. Rodriguez no se complica la vida y repite fórmula punto por punto en este regreso del mercenario mexicano con la cara de cemento armado de Danny Trejo. Por supuesto, la película es entretenida y a ratos muy divertida, así que todo depende de las preferencias personales de cada uno por uno u otro personaje/actor/actriz haciendo el cafre, que los hay a patadas. Para no soltar el inventario, me quedo de largo con el personaje del Camaleon, de original concepto (por Satán, esperad la aparición de Antonio Banderas, para partirse el lomo de risa) y algunos momentos desatados de Luther Vox/Mel Gibson, villano megalómano que Rodriguez acaba convirtiendo en sosias de uno de los malos más míticos de siempre. Al hilo de la evolución de este personaje, resulta curiosa la estructura misma de MACHETE KILLS, inacabada y que, por supuesto, si hay justicia en este mundo debe continuar en la anunciada en la propia película, como fake-trailer, MACHETE KILLS... IN SPACE (atención a la coña con Justin Biever), que sin duda hará a salivar a más de uno por el radical giro de los acontecimientos, je. En medio de todo este cacao descerebrado e hiperviolento, Rodriguez rueda como siempre, aunque esta vez su estilo es (todavía) más dejado y tosco, hasta el punto de que en algunos momentos la cutrez lacerante de las imágenes ya no se sabe si es provocada o accidental. Hay también sensación de cierta rutina, fulminada inteligentemente por apariciones tan golosas como la de Lady Gaga (que haya elegido este proyecto para debutar en el cine habla muy bien de ella) o las hiperbólicas decapitaciones en serie. Y poco más que añadir sobre esta secuela. Si los palabros explotation, serie B setentera, gore, tex-mex, grindhouse o luchador mexicano no están en tu vocabulario, aléjate dos mil kilómetros de MACHETE KILLS, porque hay un mexicano feo esperándote con el machete afilado.

- Lo mejor: la terquedad de Rodriguez por este tipo de cine, y por supuesto la anunciada MACHETE KILLS... IN SPACE

- Lo peor: siendo básicamente lo mismo, falta algo de brillantez y esa chispa tan gozosa que tenía la primera entrega

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ROOM 237 / EEUU / 2012

Ilustrados catedráticos me decían en tiempos de facultad que hay determinadas películas que corren el riesgo de sobre-interpretarse debido a la inexplicable fascinación que provocan en determinados espectadores. O dicho de otro modo: el que quiere encontrar, encuentra. Obviamente, esto es aplicable sólo a un 1% de las películas, pero cuando ocurre es un ejercicio apasionante para el que sólo necesitas dos condiciones: amar el cine y tener una obsesión previa. EL RESPLANDOR de Stanley Kubrick, sin duda, ha sido y será uno de estos films multicapa, siempre preparado para ser diseccionado por el espectador más dispuesto. Justo en aquellos tiempos universitarios tuve que elegir una adaptación cinematográfica para un trabajo teórico, y mi elección fue precisamente THE SHINING. Mis conclusiones fueron tres: es una obra maestra del séptimo arte, le da mil vueltas al original literario desde cualquier punto de vista... y encierra misterios que soy incapaz de resolver. Pues años después llega Rodney Asher y se inventa algo así como el documental subjetivo-paranoide, a costa, precisamente, de esta maravilla de Kubrick. ROOM 237 trata de resolver sus enigmas trazando nueve teorías que basculan entre la duda razonable, el delirio paranoico y, directamente, el abuso de sustancias psicotrópicas. Bien, la cosa se sustenta en una premisa válida: la peli no va de un tipo que se vuelve tarumba y trata de escabechar a su familia en viejo hotel desierto. A partir de aquí, hagan juego señores: THE SHINING es un metáfora del genocidio indio por parte de los colonos pero simultáneamente también sobre el genocidio judío perpetrado por los nazis. Es una actualización del mito del Minotauro y su laberinto. Por supuesto, una confesión encubierta de Kubrick sobre su participación en el popular montaje acerca del "falso" alunizaje del Apolo. También especula sobre arquitecturas imposibles, significados freudianos y, mi favorita, pretende hacernos creer que Kubrick planificó la película para poder ser vista simultáneamente hacia delante y hacia atrás, una sincronía que hace que encajen imágenes superpuestas para dar un nuevo significado... 

Todo esto nos lo cuentan una serie de voces (nunca vemos sus rostros) cuyo único punto en común es su entusiasmo y su absoluta falta de vergüenza al exponer sus teorías (entrañable resulta el paisano que se cree perseguido por el FBI y la NASA). En manos de cada uno queda deglutir y asimilar todo o parte de la propuesta. Es evidente que alguno de los argumentos esgrimidos son indiscutibles (los juegos visuales geométricos y su significación subliminal, los falsos errores de raccord) y otros, directamente, parecen carne del Cuarto Milenio de Iker Giménez. En lo personal, me quedo con la hermosa parrafada acerca del "genio aburrido". Así que, fanáticos de Kubrick en particular, aquí tenemos un extravagante festín que no hay que dejar pasar, lo vais a disfrutar como enanos. Los demás quizás sólo vean a un grupo de frikis discutiendo sobre sus propias obsesiones, porque sólo hay una verdad irrefutable: Stanley Kubrick estuvo (y estará) siempre un paso por delante de todos los demás. Un genio del arte del s.XX.

- Lo mejor: es todo un festival de datos, detalles, teorías y paranoias, independientemente de que te provoquen el asombro, la inquietud o, directamente, la carcajada

- Lo peor: como documental en sí tampoco es gran cosa

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THE HAND / EEUU / 1981

Todo el mundo conoce a Oliver Stone. Polémicas aparte, un cineasta de raza capaz de lo mejor y lo peor y lo que está en medio. Lo que no todo el mundo sabe es que, como Coppola, comenzó su carrera en las fangosas aguas del cine de terror de bajo presupuesto. Tras la casi inédita y prácticamente amateur SEIZURE de 1974, Stone repite género con THE HAND, esta vez con suficiente apoyo financiero y Michael Caine de protagonista absoluto, justo en esa época en la que este enormísimo actor estaba pasando la habitual pitopausia profesional (no eres joven ni tampoco lo suficientemente maduro). Adaptación de la novela homónima de un paisano llamado Mark Brandel, una especie de Stephen King de tercera regional, ésta es, efectivamente, la historia de una mano. Dibujante de cómics de cardado imposible en plena crisis matrimonial pierde su mano derecha en una aparatoso (y suficientemente gore) accidente de tráfico. Mala cosa. Incapacitado para seguir dibujando, su vida comienza una cuesta abajo existencial mientras su mano cercenada, versión zombificada de la entrañable "cosa" de la Familia Addams, toma las riendas de su subconsciente y se dedica a escabechar a todo el que le toca las narices. Esto sería un despropósito total si no fuera por dos factores. La dirección de Stone, sorprendentemente contenida y sobria (aunque ya con destellos rarunos, como usar el blanco y negro en algunas secuencias al azar...), que da un vicioso cariz psicosexual a la trama,  y unos diálogos algo más trabajados y veraces de lo habitual en este tipo de productos, y, por supuesto, el  sólido trabajo de Michael Caine, que logra por sí solo que la película mantenga el interés de principio a fin, incluso en ese epílogo tan ochentero que, una vez más, homenajea el último plano de la inmortal PSICOSIS. Para completistas y curiosos. 

- Lo mejor: su viciosa y enrarecida atmósfera y Michael Caine, claro

- Lo peor: los efectos especiales y ataques de la mano, viejunos y al borde del ridículo

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STITCHES / Irlanda / 2012

Entre tanto espíritu atormentado y seriedad dramática ya estaba faltando algo cafre y descerebrado en el NOCTURNA 2013 (más allá de la incomprensible decisión del jurado con sus premios...). STITCHES es una de esas películas de medianoche cuyos defectos y cutreces (en abundancia) juegan a su favor y que, aunque no tiene en realidad nada que la haga destacar de la media, acaba siendo un simpático divertimento muy disfrutable cerveza en ristre. El irlandés Conor McMahon, charcutero poco amigo de las sutilezas, nos trae una nueva entrega de ese extraño subgénero de los "payasos cabrones" (el fantaterror debe ser el género cinematográfico con más subgéneros, algún día habría que estudiarlo) entre cuyas más altas cotas podríamos mencionar IT o la irresistible KILLER CLOWNS FROM OUTER SPACE (de la que se anuncia secuela para este año), y ya que nos ponemos, el reciente corto TUS GRITOS ME DAN RISA. Slasher pasado de rosca desde su inicio (la fiesta de cumpleaños con los críos es memorable), en seguida la cosa parece que deriva hacia una especie de IT (otra vez) de tercera categoría, pero sólo es un espejismo, ya que los intereses del amigo McMahon no van por la psicología generacional y la pérdida de la inocencia, precisamente. Al menos esta vez los adolescentes son realmente adolescentes y no los efebos treintañeros recauchutados de las producciones yanquis (pésimos actores toda la muchachada, que incluso dejan escapar furtivas miradas a cámara de vez en cuando) y el instituto no es norteamericano-patriotil, aunque lo parezca. La película es Stitches en sí mismo, y lo cierto es que Ross Noble se lo curra y resulta un esperpento moderadamente divertido, una especie de mezcla entre el inmortal Freddy Krueger (hay incluso un guiño explícito dedicado a los más frikis de la saga, difícil de pillar) y el no menos mítico Bitelchús (sin tanta gracia, of course), así que ya os podéis imaginar que el macarrismo, el humor negro a lo bruto y el gore más descacharrante es lo que manda. Obvio, uno de los puntos fuertes de la peli, por otra parte con una fotografía muy feota y sin atmósfera, es el artesanal trabajo de efectos de maquillaje, que alcanza, dentro de sus limitaciones, altas cotas de imaginación. Casquería creativa, que diría Ferran Adriá. Y poco más que escarbar en este modesto desfase sin mayor pretensión que hacer pasar un buen rato a los más gamberros del lugar. Da lo que promete, que no es poco.

- Lo mejor: el arranque, el gore creativo y la especie de Cofradía de los Payasos Muertos (o lo que sea)

- Lo peor: el paupérrimo elenco adolescente y la cutrez visual de algunos momentos

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Million Dollar Crocodile/China/2012

Seguimos con NOCTURNA 2013. También conocida como CROCKZILLA (je), ya os podéis imaginar, más o menos, qué nos ofrece la primera monster movie china de la historia, amigos. Un bicharraco de más de ocho metros engulle un bolso con cien mil euros (no dólares, por cierto), suficiente McGuffin como para que una amplia caterva de estrafalarios personajes siga sus pasos para acabar con él. Y justo eso es lo mejor y lo peor de este inofensivo entretenimiento. Con ese extraño tono que suelen tener algunas películas orientales, en ocasiones verdaderamente desconcertante para nuestros ojos occidentales, en MILLION DOLLAR CROCODILE, una vez más, en una misma secuencia pueden convivir personajes esencialmente dramáticos (el maestro zen entrenador de cocodrilos), otros muy tiernos (el niño), histéricos (la chavala) y, en medio de todo ello, una panda que parece sacada directamente del HUMOR AMARILLO de Takeshi Kitano (el indescriptible grupo de "cazadores"...). Así pues, película eminentemente aventurera y familiar apta para todos los públicos (quizás demasiado naif en este sentido) que sigue paso a paso la estructura de la muy superior THE HOST pero en un entrañable ambiente rural. Ni que decir tiene que visualmente la película es un festín (atención al tratamiento cromático de colores vivos, precioso) y técnicamente apabullante, como viene siendo habitual en el cine de género que nos llega de aquellas latitudes. Sin pasar a la historia, un divertimento más que digno que en un contexto festivalero convierte la sesión en una verdadera fiesta, os podéis imaginar...

PD: tengo que resaltar el corto precedente, ASTERNAUTS de Marta Masferrer, una pequeña delicia de ciencia ficción redneck que mezcla con salero las maneras frikis de un Jean-Pierre Jeunet filtradas por el Spielberg más setentero, con un bella y poética conclusión. 

- Lo mejor: su espectacular factura técnica y su hermoso tratamiento visual

- Lo peor: pide a gritos algunas dosis de mala leche

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IN THE HOUSE OF FLIES / Canadá / 2012

Golfos y golfas, comienza NOCTURNA, el recién parido Festival de Cine Fantástico de Madrid. NOCTURNA en su primera edición apuesta claramente por un perfil serie B en detrimento de grandes títulos. Excepto su inauguración y clausura, de carácter mucho más mainstream, con la regulera SILENT HILL REVELATION 3D (de la que ya cayó reseña por estos lares) y la esperada nueva propuesta de James Wan, THE CONJURING, todo el grueso de la programación nos invita a bucear por las procelosas aguas del fantastique independiente, ese tipo de películas cuya única oportunidad de ver en pantalla grande es un festival como éste. Y con el valor añadido de que, como aperitivo a cada pase, se nos regala un cortometraje. Tras el curioso y jodidamente abstracto corto IN BETWEEN, un sincero homenaje al maestro H. P. Lovecraft con protagonista inglés rodado en Toledo, arrancamos con IN THE HOUSE OF FLIES, que arrastra cierto hype que, posiblemente y como suele ocurrir, juegue en su contra por las exageradas expectativas creadas. Anunciada como una revolución en el trillado subgénero del torture porn (que no, no se lo inventó la saga SAW, aunque sí lo popularizó a nivel planetario), la opera prima del canadiense Gabriel Carrer se desvincula por completo de la representación de la tortura como pueril espectáculo (que se lo digan a bodrios como HOSTEL y derivados) y se zambulle en las turbulentas aguas de la psicología extrema. Tras un desconcertante prólogo cien por cien ochentero, mazazo en la base del cráneo del respetable y despertamos encerrados en un sótano mugriento. Otra vez. Carrer no pretende desligarse demasiado del qué, puesto que el desarrollo de los acontecimientos se adivina desde los primeros minutos, pero sí toma las riendas del cómo con un plus de elegancia y sabiduría en la puesta en escena (magnífico el partido visual que saca de un espacio tan reducido y la hermosa fotografía) que exprime sus minimalistas recursos hasta el final. No se regodea en exceso en los elementos más duros y escabrosos (que los hay) y trata esta brutal historia hasta con cierto hálito de pudor, respetando a sus dos criaturas en vez de convertirlas en carne para la picadora. Si Carrer desestima el camino fácil, que discurre por lo explícito, pone énfasis en el sórdido juego psicológico que el psicópata se trae con sus víctimas, destilado hasta sus elementos más esenciales: una voz en un teléfono, y nada más. Y funciona. Logramos sentir verdadera aversión por este tipo sin cara ni nombre (¡con la voz de Henry Rollins, señoras y señores!) a la par que la situación, cada vez más degradada, consigue tensar los nervios. Los abundantes planos cortos acentúan la claustrofobia y la sensación de asfixia va in crescendo poco a poco. Lástima que la resolución de la película sea más bien facilona y que su proverbial susto final, tan ochentero por otra parte, no aporte gran cosa. Sin ser la maravilla que muchos jalean, ni el bodrio insufrible que otros anuncian, IN THE HOUSE OF FLIES es un digno ejercicio de suspense extremo que da sopapos de calidad a muchos otros ejemplos del género, pero que tampoco consigue escalar a los altares de lo inolvidable porque, en el fondo, le falta un plus de riesgo y empuje. Interesante.

- Lo mejor: su apuesta por la contención, la sobriedad y hasta cierto pudor en tan terrible historia

- Lo peor: raspando su cuidada factura, nada nuevo bajo el sol

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HITCHCOCK / EEUU / 2012

Advertencia: si alguno esperaba el biopic definitivo de uno de los más grandes genios del cine puede seguir esperando.  Y es que Sacha Gervasi es un tipo peculiar. Director de uno de los mejores rockumentarys de la historia, el magistral ANVIL!, ahora tira la casa por la ventana para ofrecernos lo que es, en el fondo, una película bien raruna. Gervasi se aleja todo lo que puede del biopic al uso, concentrando su personal visión sobre el maestro del suspense durante la creación de PSICOSIS, pero aportando un enfoque bastante inusual que aromatiza la película con ingredientes fuera de la norma. Destellos de comedia que a ratos casi rozan la parodia (el gran Anthony Hopkins clava el acento del orondo inglés, pero su caracterización funciona con altibajos: en ocasiones estamos viendo a Hitchcock, pero otras un skecth de las Celebrities de Muchachada Nui...), que tiene su culmen en la delirante escena del rodaje de la célebre secuencia de la ducha. Momentos metacinematográficos que son puro hallazgo (el prólogo y el epílogo, jeje). Arrebatos psicoanalíticos que tratan de unir la retorcida psique de Alfred con la de Ed Gein, su modelo psicópata para Norman Bates (¡el propio Ed llega a sentar a Hitch en un diván!). Utilización a discreción de las diversas leyendas negras del maestro, como su obsesión compulsiva por las rubias macizas y su marcada querencia a empinar el codo. Y, sobre todo, el fundamental papel que Gervasi otorga a Alma (estupendísima Helen Mirren), la pareja sentimental y profesional de Hitch durante toda su vida, una curiosa relación que es el verdadero corazón de la película, a la postre una reivindicación sincera de su figura y su trabajo, siempre oculto bajo la alargada sombra de su marido. Con todo esto sobre la mesa, HITCHCOCK resulta una peli peculiar, hasta cierto punto arriesgada, que se aleja todo lo que puede de la gravedad y el drama y que opta en su lugar por un delicioso tono ligero y lo suficientemente excéntrico como para que se nos pase en un suspiro. Una visión personal (aunque también superficial, ojo) sobre una leyenda del cine que no pretende, ni mucho menos, sentar cátedra, sólo entretener, que no es poco.

- Lo mejor: la estimulante mezcla de elementos tan dispares y su tono distendido, ligero y socarrón

- Lo peor: en el fondo no profundiza en casi nada de lo que cuenta

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FIN / España / 2012

Ahora que los cavernícolas en sus poltronas mediáticas arengan al espectador para que acuda a ver cine francés o yanqui a las salas, pero nunca español (curioso retorcimiento de ese patriotismo que tanto reclaman constantemente entre babas y gritos), sobando argumentos absurdos repetidos como loros, demostrando otra vez que no tienen ni puta idea de cómo funciona la industria española (ni la francesa, de paso), y como consecuencia insultando la inteligencia del espectador. Ahora que los premios Goya, a nivel cinematográfico, demuestran de nuevo que sólo se premia "lo que hay que premiar", con riesgo cero y clamorosas ausencias en las nominaciones. Ahora es el momento, por todo esto, de recuperar la que seguramente sea la película española de 2012 que más palos se ha llevado, a diestro y siniestro: FIN, debut en el largo del televisivo Jorge Torregrossa. Desconozco la novela que adapta, pero intuyo que tiene los mismos problemas que la película: una buena idea de base, llena de posibilidades, pero que es incapaz de desarrollarse a lo largo de la historia. FIN se encuadra dentro de ese cine fantástico más metafórico que literal que pone al respetable en una incómoda posición a causa de la absoluta falta de explicación de la trama. Esa frustración, creciente según avanza la película, se vuelve casi insoportable en su no-resolución, un final tan abierto como el mar en el que navega el velero, sugerente, sí, pero al que le falta una ración extra de peso dramático o alguna pista adicional que permita dejarnos poso. FIN presenta con acertado ritmo el tenso rencuentro de este grupo de amigos (a destacar el breve papel de Antonio Garrido/Rafa, actor de raza y presencia), apuntala con convicción el nudo de la trama cuando sus apocalípticas cartas se ponen sobre la mesa, con una puesta en escena más que competente, elegante, pero la cosa se queda ahí. No hay desarrollo, no hay sorpresas y no hay desenlace en realidad, pues los personajes se acaban comportando como autómatas. A su favor, una serie de ideas argumentales y visuales que encienden una chispa que nunca acaba de arder, algunas de ellas inquietantes (la desaparición de una estrella en el firmamento), incluso de poso loco y surrealista (el león en el embarcadero), pero que a un servidor, lejos de molestar (¿de qué narices huyen las cabras? ¿por qué están tan hambrientos los perros? ¿se para tu reloj cuando mueres? ¿a qué huelen las nubes?...) me agradan en su desvarío y absurdo. Fallida e incompleta, pero raruna por naturaleza y con los suficientes alicientes para echarle un vistazo.

- Lo mejor: el buen montón de detalles sugerentes que trufan todo el metraje

- Lo peor: la película se estanca a mitad de la función y ya no avanza en absoluto, ni argumental ni visualmente

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THE ABC´S OF DEATH / 2012

26 cortos para 27 directores del mundo entero, toda esta tropa: Kaare Andrews (ALTITUDE), USA, Angela Bettis (ROMAN), USA, Ernesto Diaz Espinoza (MIRAGEMAN), Chile, Jason Eisener (HOBO WITH A SHOTGUN), Canada, Bruno Forzani and Helene Cattet (AMER), Belgium, Adrian Garcia Bogliano (SUDOR FRÍO), Mexico, Xavier Gens (FRONTIERE(S)), France, Jorge Michel Grau (SOMOS LO QUE HAY), Mexico, Noburo Iguchi, (ROBO GEISHA), Japan, Thomas Malling (NORWEGIAN NINJA), Norway, Anders Morgenthaler (PRINCESS), Denmark, Yoshihrio Nishimura (TOKYO GORE POLICE), Japan, Banjong Pisathanakun (SHUTTER), Thailand, Simon Rumley (RED, WHITE & BLUE), UK, Marcel Sarmiento (DEADGIRL), USA, Jon Schnepp (METALOCALYPSE), USA, Srdjan Spasojevic (A SERBIAN FILM), Serbia, Timo Tjahjanto (MACABRE), Indonesia, Andrew Traucki (THE REEF), Australia, Nacho Vigalondo (LOS CRONOCRÍMENES), Spain, Jake West (DOGHOUSE), UK, Ti West (HOUSE OF THE DEVIL), USA, Ben Wheatley (KILL LIST), UK, Adam Wingard (A HORRIBLE WAY TO DIE), USA, Yudai Yamaguchi (YAKUZA WEAPON), Japan. Las reglas: a cada uno se le asigna una letra del abecedario para asociarle una palabra clave y a partir de ahí total libertad creativa, con un raquítico presupuesto medio por corto de 5 mil $, sin que ninguno sepa qué están haciendo los demás y una sola idea de base: la muerte. Resultado: una caraja de impresión. 26 historias, lógico, dan para mucho (o para muy poco). Cada una de su padre y su madre. Irregular por su propia naturaleza, la sensación general es que excepto un par de historias, sus responsables no se han tomado demasiado en serio el proyecto, y si hay algo común es la tendencia al despiporre, el humor grueso y la autorreferencia propia y de género. En general los nombres más reconocidos pinchan (E is for EXTERMINATE de Angela Bettis y B is for BIGFOOT de Adrián García Boliano son malas, G is for GRAVITY de Andrew Traucki y en especial M is for MISCARRIAGE de Ti West auténticas tomaduras de pelo), los orientales siguen con sus graves desequilibrios mentales y sus ultragores desparramos de vísceras, escatología porno y absurdeces delirantes, algunas cachondas, otras muy cargantes. Luego un buen puñado de historietas simplemente simpaticotas en los territorios de la serie B y Z (S is for SPEED de Jake West tiene su puntito grindhouse con buena resolución y lo de Y for YOUNGBUCK de Jason Eisener no tiene nombre...). Destacar también que los tres fragmentos de animación son de lo más divertido de la función, con diferencia. Y finalmente ese grupúsculo de joyitas escondidas entre tanto delirio. Las más mejores: A is for APOCALYPSE de nuestro Nacho Vigalondo, agresiva, efectiva y con ese puntito socarrón tan personal; D is for DOGFIGHT de Marcel Sarmiento, impactante, relevante y con una realización asombrosa; O is for ORGASM de Bruno Forzani & Héléne Cattet, una virguería audiovisual que es pura orfebrería sensitiva y X is for XXL de Xavier Gens, brutalidad pura al estilo galo con suficiente carga de mala leche nihilista como para no pasar desapercibida. Así pues, esto es lo que hay: un batiburrillo de género más bien corto de ambición que se mira demasiado el ombligo, sólo apto para caníbales del horror como nosotros, pero que contiene entre sus tripas algunos (escasos) destellos de puro genio que justifican su visionado. A vuestra elección queda.

- Lo mejor: no da tiempo a aburrirse, cuando estamos sufriendo algo pésimo en seguida se cambia de tercio y a otra cosa

- Lo peor: calidad media bastante regulera y tono demasiado tontorrón

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Roberto-Argento, dando palos de ciego

CUATRO MOSCAS SOBRE TERCIOPELO GRIS es una de las más olvidadas de Dario Argento, y, según él, una de las más personales, a varios niveles. El final de la célebre Trilogía de los Animales es, desde luego, la más abstracta, oscura, irregular y osada de las tres y, con diferencia, la de más difícil digestión al primer mordisco. Quizás algo confuso por el resultado final de EL GATO DE NUEVE COLAS, demasiado americanoide a sus ojos, demasiado lastrada por los recursos del relato policíaco al uso (aunque esto es bastante relativo), presto como siempre a la hora de sorprender y experimentar, el cineasta romano se quedó pero bien a  gusto.

¡Sonría al asesino!

En realidad crónica de una tormentosa relación de pareja, retorcida e incluso perversa, Roberto, el protagonista de CUATRO MOSCAS... no es más que un alter ego, hasta en lo físico por las pintas, del propio Argento de entonces, y la chica, crucial en la trama, una traslación de su compañera sentimental, una relación que durante el rodaje ya era tormentosa y que terminó nada más estrenar el film, cosa bastante lógica una vez vista la peli... Pero dejemos a un lado la crónica rosa, amigos. Argento abandona la importancia de la trama per se y se abandona a la experimentación y a la búsqueda de la abstracción formal, tratando de darle a su película una pátina onírica, una especie de juego de muñecas rusas del subconsciente. Buen intento que, lamentablemente, sólo funciona a ratos, sobre todo por la desconcertante (aunque muy divertida) inserción de sus habituales secundarios cómicos, rozando aquí el surrealismo. Sólo así se puede entender a un personaje que se llama Dios (la primera vez que aparece suenan dos "¡Aleluyas!") y que interpreta... ¡Bud Spencer!, o la de su compinche El Profesor, su freak ayudante, por no hablar del cartero (infumable) o Gianni (estupendo Jean-Pierre Marielle), el atípico, inteligente y encantador detective privado gay, a años luz del prototipo macho-man alcoholizado de gatillo fácil, que supongo fue la respuesta de Argento a las ridículas acusaciones de homofobia que algunos progres cegatos  no cesaban de lanzarle a costa de determinado personaje de su anterior obra.

Bud es Dios, Argento su profeta

La otra parte de tan esquizofrénica película, como decía, quiere destilar los elementos del thriller policíaco hasta dejarlos en su mínima expresión, una especie de giallo envasado al vacío en el que, por vez primera, su protagonista es la víctima potencial del asesino desde el minuto uno y todo gira en torno a él. Aunque resulta raruna la pasividad inicial de Roberto ante un peligro inminente tan chungo (el tipo pasa buena parte del metraje como alelado), en cuanto se pone en movimiento la cosa gana enteros, sin abandonar nunca la sensación de claustrofobia y de somnolencia, como una pesadilla a cámara lenta. Por supuesto, la película está punteada por unas cuantas set-pieces en las que su cámara psicológica y el abrupto montaje brillan: la brillante secuencia de introducción, montaje paralelo en un ensayo (Roberto es músico de un grupo de rock progresivo, anunciando ya la sonoridad de unos Goblin que estaban a punto de aparecer), que utiliza el flash-foward y anticipa incluso la obertura de ROJO OSCURO (con telones rojos y teatro en ruinas); la muerte de la sirvienta de Roberto en el parque, con una angustioso tratamiento del espacio (hasta emparedar casi literalemente al personaje); ese movimiento de cámara imposible que une víctima y asesino mediante el hilo telefónico: eso no son formas, son alardes. Para rematar, Argento, tras una epatante "explicación" (discutible), congela el tiempo en la última muerte de la función, con una violencia al ralentí de una plasticidad casi líquida. Fallida aunque interesante, CUATRO MOSCAS SOBRE TERCIOPELO GRIS, muy asimétrica pero con momentos deslumbrantes, Dario Argento seguía con su pertinaz carrera hacia sí mismo, y cuya primera meta, su primer triunfo sin paliativos, ya estaba llamado a la puerta...


- Lo mejor: la osadía de la propuesta y las ganas de búsqueda y experimentación

- Lo peor: las dos películas tan distintas que contiene, que se dan de hostias entre sí

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