SESION GOLFA

Antes de entrar en materia, una advertencia: Alexandre Aja me parece una bestia parda, así que me va a ser dificil tratar PIRAÑA 3D con un mínimo de ecuanimidad. Aún no sé cual es exactamente el don que posee este tipo, pero en cualquier cosa que filma es capaz de dejar su sello personal sin resultar cargante ni forzado, como otros. Un tío que sólo ha rodado cuatro películas (excluyendo la primera, FURIA, dificil de encontrar, que no he visto), de las cuales dos son puñeteras obras maestras incontestables del terror contemporaneo, es que algo especial tiene en la sesera. Él fue quien dio el aldabonazo de salida a la estimulante nouvelle horreur vague francesa de la que tanto se ha hablado con esa pieza de orfebrería brutal que fue HAUTE TENSION, el que abrió la veda que tanto espanto y placer nos ha proporcionado estos últimos años. Y eso no es todo: tras su salto a las américas ha rodado tres remakes consecutivos (!!!) de los que el primero, LAS COLINAS TIENEN OJOS, es infinitamente superior al original desde cualquier ángulo (y su segunda obra maestra), y el segundo, MIRRORS, aún a medio gas y sufriendo una especie de jet-lag creativo, también era mejor que el original coreano. Muy fuerte. Y en estas que llega el tercero, nada más y nada menos que arremetiendo contra la deliciosa PIRAÑA de Joe Dante, una de esas joyitas setenteras en las que sus defectos (pocos) pesaban tanto como sus virtudes (numerosas) para el disfrute colectivo, y que se convirtió en la mejor explotation, de las muchas que hubo, del grandioso TIBURÓN de Steven  Spielberg. Pues bien, la jugada de Aja y de su coguionista y compinche habitual Grégory Levasseur desparrama inteligencia, como siempre: sólo toma del original dos elementos, la premisa básica (grupo de bañistas domingueros acosados por pirañas muy carnívoras) y, sobre todo, el descacharrante sentido del humor. A sabiendas de que imitar el brillante guión de John Sayles de la original era un suicidio (con esos chispeantes diálogos escupidos a la velocidad de la luz), ambos franchutes se pertrechan con sendos portátiles frente a frente, ingentes cantidades de sustancias tóxicas y una pizarrita para apuntar sus delirios hiperbólicos, presupongo, cuelgan el "No Molesten" de la puerta del chalet y deciden involucionar hacia una evidente fase anal del subconsciente cercana a los doce años, pero advierto, unos doce años muy punkis. ¿Y qué nos molaba a los doce años cuando ibamos al cine en sesión veraniega con sobredosis de palomitas en vena?: monstruos, tetas y sangre. Con tan sencilla ecuación preadolescente, pero con la experiencia audiovisual de un maestro, el bueno de Alexandre se monta el divertimento veraniego definitivo de los tiempos del 3D amigos, conscientemente descerebrado y anárquico, usando la nueva tecnología como un dadaista escatológico, tratando de provocar la arcada y la carcajada (¿arcajada?) del respetable en un mismo plano. ¿Cómo si no interpretar ese fastuoso vómito tridimensional lanzado directamente a la platea? ¿o ese pene submarino  devorado y regurgitado por sendas pirañas en primer plano? Pero es que hay muchas tablas en el preciso pulso fílmico de esta barrabasada, en el sobresaliente manejo de los crescendos hasta llegar a un climax final ENORME, de lo más bruto-festivo de los últimos tiempos en una pantalla comercial, en donde la abundancia de cuerpos macizos de ellos y ellas de los que ya hemos disfrutado previamente en toda clase de poses cárnicas (en especial de ellas, para regocijo de onanistas heteros) son convenientemene troceados, mutilados, desmembrados, desollados y triturados de mil formas creativas, desperdigando silicona y "arcajadas" por doquier, y encima estructurada con un montaje paralelo en el que un yate varado y lo que allí ocurre (planificado como una set-piece independiente de muchos quilates) sirve como contrapunto de suspense a la salvaje masacre. Sumadle los pertinentes (y bien integrados) homenajes, en especial al mismísimo Richard Dreyfuss entonando la canción etílica de TIBURÓN justo antes de ser escabechado, jejeje, referencias a los Pixies, papelito para un Christopher Lloyd desatadísimo y un final-susto ochentero que mola cantidad y... por dios... ¿qué más quereis para pasar la próxima hora y media? La golfería macarra del año, sin duda. Los franceses también tienen sentido del humor. Muy grande Aja.

- Lo mejor: su total y absoluta falta de control y vergüenza, un gozoso cachondeo gore envuelto con una factura sobresaliente, marca de la casa

Batacazo de impresión el que se ha dado JONAH HEX en la taquilla yanqui amigos, tanto que ya se ha cancelado su secuela y es posible que no goce de estreno comercial por las europas, como tantas otras dentro de la categoría "próximamente en su Megaupload" (entre ellas, la última de Kevin Smith, que ya se ha confirmado su estreno directo en DVD... extraños tiempos...). Dicen que JONAH HEX es una flagrante traición a su homónimo publicado por DC Comics, pero como no lo he catado, me guío únicamente por el despiporre peliculero, que no es poco. El fantástico es el más caníbal de los géneros, y sus devaneos con el western no han sido muy explotados, aunque nos han dejado curiosas muestras a lo largo de los tiempos. Sin ser nada exhaustivo, tenemos desde delirios psicotrópicos sesenteros de la calaña de BILLY THE KID VS DRÁCULA (!) y JESSE JAMES MEETS FRANKENSTEIN´S DAUGHTER (!!), pasando por EL TOPO de Jodorowsky (aún más psicotrópico), ALMAS DE METAL de Michael Crichton, EL DESAFÍO DEL BÚFALO BLANCO de J. Lee Thompson, REGRESO AL FUTURO III de Robert Zemeckis, ATOLLADERO de nuestro Oscar Aibar, DUST DEVIL de Richard Stanley, la extraordinaria BLUEBERRY de Jan Kounen  y la popular WILD WILD WEST de Barry Sonnenfeld, con la que JONAH HEX comparte no pocos elementos. Además, siguiendo la fiebre zombie de los últimos tiempos, hay un par de muestras recientes que más vale olvidar, una que conviene rescatar (SURVIVAL OF THE DEAD, de George A. Romero) y luego otras tantas en las que entes sobrenaturales del viejo oeste irrumpen en el presente de forma más episódica, como en POLTERGEIST II, HOUSE II y en la maravillosa THE FRIGHTENERS, de Peter Jackson. Así pues, a lo que vamos: JONAH HEX pasa a engrosar la lista sin pena ni gloria, un nuevo producto netamente palomitero con muy poca personalidad, que despliega un ritmo y estilo atropellado y apresurado, que da la sensación de haber sido montada y remontada con desesperación, tratando de llegar con un mínimo de coherencia a los ajustados 80 min de rigor, algo de lo que la peli se resiente, y mucho, dando la sensación de que lo que estamos viendo en pantalla es más bien uno de esos productos "de estudio" en el que han metido mano demasiadas personas. Su guión es un mero esquema sin desarrollar que, al menos, está trufado de algunos momentos brillantes (los escasos insertos animados son muy chulos, en los que se nota la mano del director, que previamente trabajó en el medio en la deliciosa HORTON, y las conversaciones de Hex con los cadáveres están bien resueltas), y se beneficia de un Josh Brolin que hace lo que puede para dotar de personalidad y carisma al protagonista, que a la postre resulta bastante efectivo, y de un John Malkovich en uno de esos villanos de manual en el que, al menos, se nota que se lo pasa bien haciendo el chorra (al estilo de Kenneth Branagh en la nombrada WILD WILD WEST). De la lamentable presencia de la "más buscada en Google" Megan Fox mejor no hablar, insípida e inexpresiva a más no poder. Poco más que decir de esta hambuguesilla tejana que funciona como divertimento insustancial para una tarde de lluvia, que no es tan rematadamente mala como dicen por ahí, digna y entretenida para pasar el rato, y que guarda una sorpresa para la parroquia metalera: su banda sonora, firmada a la limón por Marco Beltrami y... ¡Mastodon!, que nos regalan cuatro temas instrumentales cañeros y bien integrados en la película, además de un cameo del pelirrojo Brent Hinds (buscadlo en el asalto al tren del comienzo).

 A NIGHTMARE ON ELM STREET/EEUU/2010

Retomamos el expolio a los grandes hitos del terror de los ochenta con la que fue la más feliz e imaginativa consecuencia a la plaga slasher iniciada con el fundacional Michael Myers de HALLOWEEN: Freddy Krueger y PESADILLA EN ELM STREET, ya un icono generacional para los que crecimos en paralelo a la saga. New Line, propietaria de los derechos del personaje creado por Wes Craven, encargó al temible Michael Bay la producción de este remake, a sabiendas de que sus productos son baratos, resultones y siempre funcionan en taquilla. Y ¡voila!, en poco más de un año el Freddy para las nuevas generaciones estaba dispuesto a amasar sus buenos millones de $$, y así fue, tanto que este verano ya se anunció la previsible secuela de la nueva franquicia. Por lo tanto y para las arcas del estudio, prueba superada. Imagino que los "crepusculitos" habrán disfrutado tope guay con este producto tan correcto, medido y fashion, pero ¿qué pasa conmigo y con los que flipamos en tiempo real con las sangrientas andanzas del demonio del jersey a rayas? Pues que esta nueva pesadilla, como remake, es totalmente prescindible, no aporta nada nuevo, funciona en un 90% de su metraje con el piloto automático y se limita a repetir los hallazgos de la original, que supo plasmar en imágenes una idea central imaginativa y brillante en su concepto. Se percibe un intento por recuperar el lado más sórdido y terorífico del personaje, alejándolo del payasete sobrenatural en el acabó convirtiéndose a partir de la tercera entrega, y se añade al título el socorrido epígrafe EL ORIGEN (como ya se hizo con los remakes de LA MATANZA DE TEXAS y HALLOWEEN), pero en ambos frentes la película se queda en  una insípida tierra de nadie. La nueva caracterización de Freddy pretende ser más realista y adulta, pero la cosa se queda en un intento, a años luz del carisma socarrón que el bueno de Robert Englund derrochaba con ese maquillaje que era una declaración de amor al latex desparramado. Una pena, porque el estupendo Jackie Earle Haley poco puede hacer con un personaje esquemático, al que pretenden dotar de cierto espesor dramático con unos flashbacks apresurados que no funcionan y dejan con ganas de más, algo que Rob Zombie sí consiguió notablemente con su deconstrucción de Michael Myers, por ejemplo. Ni se profundiza en el pasado del psicópata ni, finalmente, se le otorga ninguna novedad reseñable en sus dominios oníricos que, como no podía ser de otra manera, están impecablemente rodados y fotografiados, especialmente en las transiciones entre sueño y vigilia, seguramente los únicos detalles visuales de cosecha propia que Samuel Bayer, mercenario con buen ojo para la planificación y la creación de atmósferas estilizadas, es capaz de colar en el producto final. Por supuesto, su insípido casting, más allá de la estrella de la función, está acorde con el resto del film: guapos y guapas dibujados con tres funcionales brochazos (sabemos que Nancy es "especial" porque pinta y lleva gorros de lana...) pero carentes del empuje y el carisma de los originales ochenteros. PESADILLA EN ELM STREET: EL ORIGEN acaba siendo una hija de su tiempo: un producto desvaído de consumo rápido para ver y olvidar al instante, perfectamente planificado y medido, técnicamente notable pero sin un ápice de talento, riesgo ni sorpresas delante ni detrás de las cámaras, cuyos únicos méritos ya fueron plasmados en celuloide mucho mejor hace 26 años. El viejo Freddy se merecía mucho más.

- Lo mejor: su envolvente y climática música, y la estilizada paleta cromática del conjunto

 Vaya mes de octubre que llevo amigos. Entre el curro, que me tiene totalmente abducido, y un par de fines de semana de total juerga fuera del hogar, apenas he tenido un rato de relax para sentarme a escribir por estos lares, así que voy a intentar darle un pequeño empujón al asunto y retomo con una que seguro ya habeis visto todos/as. Aunque no era el trailer más sorprendente de los cuatro insertados en GRINDHOUSE, ese insólito retro-proyecto perpetrado a cuatro manos entre Tarantino y Rodriguez que aquí nos llegó mutilado en dos partes, perdiendo así su esencia y gran parte de su gracia, el falso trailer de MACHETE, digo, sí que se hizo el más popular entre la parroquia, tanto como para empujar al buen Robert Rodriguez a rodar la película completa. Dicho y hecho. Sólo tres años después de su hilarante PLANET TERROR (y con SHORTS en medio, otra de sus pelis infantiles), el vengador mexicano con la agrietada jeta de Danny Trejo llega a la gran pantalla por todo lo alto, y dispuesto a no dejar títere con cabeza. Si nunca has comulgado con el cine de Robert Rodriguez, si los conceptos  explotation o serie B setentera no forman parte de tu vocabulario, mejor pasa a otra cosa.


Robert Rodriguez rueda mucho, rápido y barato, epítome palmario y real de lo que en otro ámbitos más "intelectualizados" se viene a llamar cine independiente. En su rancho de Texas, Rodriguez & Familia disfrutan de un completo miniestudio (los Troublemaker) que abarcan todos los procesos de producción hasta el corte final, por lo que sólo se relaciona con las majors para labores de distribución de sus películas. Este control total del desarrollo de sus obras supone, sin aditivo alguno, otorgarle la categoría de autor total, o dicho de otra modo: Rodriguez es creador y responsable absoluto de sus películas, para lo bueno y lo malo. MACHETE da exactamente lo que promete, en grandes dosis y con una notable falta de vergüenza y contención. Hija directa del concepto que se reivindicaba con fervor en GRINDHOUSE (acaso la única, pues Tarantino viró a su propio mundo en MALDITOS BASTARDOS), el prólogo de esta historia (de lo mejor de la peli) pone las cartas sobre la mesa con su ritmazo tremebundo, su tendencia a la hipérbole sangrienta, tetas y culos, torrente de referencias, desparramo visual, violencia comiquera y, aquí viene la gran novedad, un discurso militante más allá del divertimento puro y duro.


Todos sabemos que el chicanoamericano no es precisamente amigo de las sutilezas, por lo que todo en MACHETE está expuesto con la delicadeza de una patada en la entrepierna, desde los diálogos a la puesta en escena, pasando por el montaje (soberbio, porque no es casual que su montador figure como co-director en los créditos, un detalle que honra a Rodriguez, al igual que hizo con Frank Miller en la fabulosa SIN CITY), las desmesuradas y excelentes actuaciones y ese mensaje pro-inmigración mexicana que, de tan evidente y caricaturesco, quizás pierda algo de efectividad. Picando de aquí y de allá en su película, tan multirreferencial como siempre, pero centrándose en el "cine de venganza" de los 70, Machete, el personaje, es un trasunto chicano, feo y malencarado de cualquier Charles Bronson de esos tiempos, trasmutando la evidente ideología neofascista de aquellas películas en su polo opuesto a base de mala leche y humor negro,  al modo que Paul Verhoeven utilizó en los informativos televisivos insertados en ROBOCOP y STARSHIP TROOPERS (sobre todo), de los que los tronchantes anuncios protagonizados por Robert De Niro en MACHETE son herederos directos, tanto o más reveladores cuando buceando por Youtube uno puede encontrar similares comerciales "reales" protagonizados por algunos senadores untraderechistas texanos. Así pues, el discurso militante de Rodriguez, tan delicado como unos gallumbos de esparto, insisto, juega la baza de la "discriminación positiva" en clave de esperpento, pues todos los personajes mexicanos de MACHETE militan en el bando de los íntegros, mientras que casi todos los blancos norteamericanos resultan un repugnante catálogo de desperdicios éticos (a excepción del personaje de Jessica Alba), impresión que, además, Roberto subraya con un  climax final que juega con cachondearse de la mítica batalla de El Álamo por pura acumulación (secuencia en la que se juntan TODOS los personajes de la peli, transformados y trastornados, a cada cual más delirante), sustituyendo a los nativos norteamericanos por una panda de chicanos revolucionarios muy enajenados que no dejan piedra sobre piedra.


Finalmente, no puedo dejar de insistir en el tremendo casting de la peli, apuntalado por unas interpretaciones sencillamente extraordinarias, una panda de actores y actrices que se nota que gozan sobremanera dentro de este desmadre, todos y todas sabiendo en la liga en la que juegan. No es la primera vez que Rodriguez trufa una de sus pelis con un batallón de estrellas (ahí está ÉRASE UNA VEZ MÉXICO como ejemplo negativo para una mediocre película en la que le salió el tiro por la culata), pero esta vez ha dado en el clavo por completo. Si la presencia del nombrado Robert De Niro es hasta cierto punto sorprendente, con su mejor interpretación en años (teniendo en cuenta que toda la peli ha costado lo que este señor cobra por cualquiera de sus comedietas sobre familias disfuncionales), es que Steven Segal está sorpendente (y orondo) como villano repulsivo adicto a las katanas, peleandose en cada secuencia con su acento chicano; Jeff Fahey y Don Johnson bordan sus respectivos desechos humanos con medida autoparodia; las chavalas, excepto Lindsay Lohan, cuyo papel es puramente publicitario, están tremendas, en especial Michelle Rodriguez, que destila potencia y encanto a partes iguales, hasta cuando no lleva una ametralladora encima; y para redondear el pastel tenemos los agradecidos papelitos para Cheech Marin y Tom Savini, sendos freaks habituales de la casa. Y no, no me olvido de Danny Trejo, puro carisma y parquedad gestual de granito bien entendida, al estilo de Clint Eastwood en sus años mozos, que debe decir menos de quince frases en toda la peli, en el que es su primer protagonista tras veinticinco años de carrera. Así pues y contra todo pronóstico, MACHETE, puro pulp tex-mex ideologizado, es una de las mejores y más disfrutables pelis de la ya dilatada e irregular filmografía de Robert Rodriguez, un tipo al que se le pueden señalar muchas carencias, pero no la de la honestidad.

PD: por supuesto y más que nunca,  imprescindible en v.o.s.

Otro survival franchute al canto amigos: un grupo de científicos (y otro de domingueros) coinciden en los Alpes suizos, los primeros para investigar un hallazgo que puede cuestionar la evolución humana, los otros para disfrutar en familia de un fin de semana campestre. Tras el obligado accidente, perdidos en el monte, tendrán que organizarse para sobrevivir a la amenaza que les acosa. Y esto es todo amigos. Sustituyan los habituales rednecks caníbales / mutantes / endogámicos (táchese lo que no proceda) por un grupo más bien escaso de Hombres de Neanderthal, y esta es toda la novedad novedosa que esta cansina película nos ofrece. Por lo demás, guión raquítico que pretende vuelta de tuerca final sin sorprender a nadie, personajes dibujados de un sólo trazo, sobreactuaciones a mansalva realmente cargantes con sobredosis de gritos y alaridos de un terror que sólo ellos sienten (incluída la del pequeñín Dominique Pinon, habitual de Jean-Pierre Jeunet), realización más bien chusca, ramplona, y por momentos confusa, especialmente imberbe en las (escasas) secuencias de acción, carestía total de nervio y empuje en el ritmo, alarmante ausencia de violencia y sangre siendo sus culpables franceses, unas caracterizaciones Neanderthales con las que los actores acaban pareciendo Ron Perlman sin caracterizar, y una sensación agobiante de aburrimiento y "ya visto" que hace que sus escasos 80 minutos acaben pesando como una losa. Tenía que ocurrir y ha ocurrido: tras años atesorando un nivel técnico y creativo que era la envidia de las europas en cine de género, HUMAINS es el primer fiasco total que estos ojos han visto con marchamo francés. Totalmente prescindible.

- Lo mejor: el apabullante despiporre paisajístico y algunos planos aislados

- Lo peor: aburrida, torpe y reiterativa en todos sus aspectos

Así es terrícolas, le hemos pegado un buen repaso a la web de la serie de animación 3D online COSMO TRIP, todo un universo de nuevos contenidos (entre otros su propio facebook, podcast, Cosmo Fans, descargas gratis etc...) y el estreno mundial del ¡EPISODIO 03! Os invito a todos/s a bichear a placer, simplemente pinchando en el careto de este "petit cabrón" intergaláctico.


Y próximamente, una jugosa tienda online con todo tipo de artículos absurdos que no podreis dejar de desear irracionalmente...

Inenarrable como pocas, EQUINOX es una serie Z ignota hasta hace poco, una auténtica rareza mundial que la prestigiosa distribuidora Criterion recientemente desempolvó del más pestilente sótano y... vaya tela amigos. A primera vista, sobre todo si estás completamente ebrio, la mejor manera de ver esta película,  EQUINOX no destaca en nada de otros efluvios tóxicos de la época (hablamos de mediados de los 60), pero garantiza risas y eructos por doquier. Cuando se junta un alarmante amateurismo (siendo buenos), por no hablar de total incompetencia (siendo realistas), con ideas delirantes y una total falta de vergüenza, suele dar resultados como este, a saber: al terminar los créditos, bastante potables, el título de la peli nos ataca con efectos estroboscópicos. Si logramos evitar el ataque de epilepsia, ya no hay vuelta atrás, pues un tipo con tupé y calcetines blancos corre aterrorizado por un bosque más bien poco frondoso hasta ser rescatado. Ya en el frenopático, en una celda acolchada, dice incongruencias a cerca de Satán, un libro maldito y el Mal con mayúsculas, mientras los psiquiatras le someten a un incomprensible experimento con un muro rojo o yo que sé. Más calmado, el macarra con tupé cuenta su historia, que es un largo flashback en el que averiguamos que: 1. Es geólogo, lo que le capacita automáticamente para traducir latín y tener conocimientos de enfermería. 2. Su profesor ha perdido la chaveta en un bosque a causa de un libro satánico, y ha grabado sus conclusiones de parvulario en cinta magnetofónica 3. Como hace buen dia, nada mejor que irse de picnic al susodicho bosque acompañado de dos mancebas, un colega graciosillo y unas alitas de pollo.


Como son curiosos por naturaleza, dan una vuelta diciendo sandeces en la que descubren que: 1. En el bosque hay un castillo 2. Bajo el castillo una cueva en la que habita un anciano retardado junto con un esqueleto y el dichoso libro ominoso, que amablemente les entrega entre risas esquizoides. Tras una persecución completamente a oscuras (hablo de negro total), ideal para rellenar metraje sin coste presupuestario, se topan con una especie de guarda forestal de nombre Asmodeus y expresión de querer destruir el mundo. Ninguno de los universitarios repara en sus connotaciones diabólicas hasta que dicho individuo intenta ¿violar? a una de las rubias mediante un extraño proceso hipnótico con  antinaturales gestos con la boca. La chavala olvida el percance (¿?), pues el del tupé está enfrascado leyendo el libro, página a página...


Cinco minutos después de tan apasionante secuencia, anticipando inenarrables terrores que se avecinan, su colega le espeta "¡Vaya coñazo!" (literal) y se larga. El del tupé, que es el más despierto, decide fabricar símbolos paganos con ramitas de abedul para protegerse, mientras las chicas sólo piensan en disfrutar de los filetes empanados. Craso error. Tras una aparición por sorpresa del profesor detrás de un seto y una breve persecución tras la que se golpea la cabeza con una piedra y su cadáver desaparece, al igual que el castillo, los horrores del Averno se abren paso a esta dimensión, demandando recuperar el libro. A partir de aquí, los jovenzuelos deben luchar por sus vidas, encarando, por este orden, a un pulpo gigante multicolor, a un gorila gigante con patillas, a un pitufo neanderthal gigante envuelto en una alfombra  y, finalmente, luchar contra el mismísimo Asmodeus, ahora reconvertido en un diablo rojo de plastilina con alas. Antes de la confrontación definitiva, el del tupé y el graciosillo consiguen penetrar al Otro Lado, que más bien parece el Mismo Lado pero con un filtro sepia, con tan mala suerte que el graciosillo es poseído por el espíritu de Asmodeus (cosa que sabemos por las ojeras pintadas y los absurdos gestos de la boca). La rubia maciza sufre el mismo y funesto destino antes de tirarle de los pelos a su amiga. Todos mueren, incluído Asmodeus, que en un vuelo rasante se estrella contra una cruz de piedra él solo, y el del tupé huye por el bosque, enajenado, en la misma secuencia inicial plano por plano, ideal para llegar a los 80 minutos con el mínimo gasto. De regreso al frenopático, un malvado doctor le quita la protección de una cruz al muchacho, que desespera porque intuye que vienen a por él. Efectivamente, la maciza se acerca lentamente a las puertas del hospital mientras aparece un The End entre interrogaciones.


Visto así, no le recomendaría la película ni a mi peor enemigo, pero a veces las apariencias engañan:  por alguna razón EQUINOX engancha desde el principio, tiene algunas cosas visuales sorprendentes (cámara en mano con encuadres imposibles y grandes angulares), destila encanto naif por los cuatro costados (esas animaciones en stop-motion imitando al gran Harryhausen, pero con Parkinson) y, ante todo, algo que es imposible obviar: que Sam Raimi se empapó de esta película en su infancia y es un referente clarísimo para esa obra maestra que fue EVIL DEAD, con algunos planos, secuencias e ideas literalmente calcadas de este demencial subproducto escondido, Necronomicón incluído. Ya lo dijo el propio Raimi cuando le preguntaron por la esencia del séptimo arte: "el cine sale de debajo de las piedras". Para el que se atreva, la teneis disponible por cortesía de los siempre atentos chicos de cultmoviez. Ya me direis, jejeje.


Soy incapaz de puntuar esto. Ni un ocho ni un dos le harían justicia.

En su momento, hace un par de años, todo el mundo andaba hablando de SANTOS, la segunda película del chileno Nicolás López. Tras su moderado éxito en algunos festivales, y, sobre todo, por una entusiasta reseña de Alejandro Jodorowsky (probablemente colgado de ayahuasca en esos momentos), la expectación no hizo más que crecer... y luego el olvido total. Ni siquiera sé, a ciencia cierta, si esta película ha llegado a estrenarse por estos lares. Una pena, porque SANTOS es un caso prototipo de que intenciones y resultados muchas veces no van de la mano. Ahí están los ingredientes, sí, pero el potaje resultante es, siendo benévolo, indigesto y escaso. Dirigida a un target muy definido y concreto, que aglutina al universo freak de devoradores de cómics de superhérores y películas gamberras con un punto soez (hablemos de Robert Rodriguez quizás), y usando como gancho los rostros de Willy Toledo, Leonardo Sbaraglia y Elsa Pataki, la película naufraga estrepitosamente en casi todos sus apartados. Por un lado, el guión en sí no logra levantar vuelo en practicamente ningún momento, abusando de la repetición y la patochada preadolescente con demasiada frecuencia (sí, nos queda claro que al antropomosca le gusta la mierda), tratando además de dotar a la historia de una especie de "seriedad subliminal" que ni funciona ni necesita una hipotética macarrada como esta. Por otro, los actores pululan por ahí con un constante estado de desubicación mental. Obviando a la Pataki, de vergüenza ajena, Toledo sólo funciona a pleno rendimiento cuando  se suelta e improvisa, con resultados divertidos (o sea, cuando se sale del personaje), y el pobre Sbaraglia, actor extraordinario, aquí no sabe si está interpretando un Hamlet o un Chavo del Ocho, todo esto debido a una insuficiente (por no decir caótica) dirección de actores. El único que se salva, aleluya, es su protagonista, Javier Gutierrez, que logra asentar su personaje y darle cierta coherencia con detalles sutiles y buena vis cómica. Por último, SANTOS quiere deslumbrar visualmente, pero se queda a medio camino de todo, y el abuso de los efectos digitales, mattes y trabajo de postproducción oscila entre lo aceptable y lo aberrante, con algunos planos de parvulario de resultados horripilantes. No digo yo que con la guardia baja y algunas sustancias tóxicas en el cuerpo uno no pueda distraerse con SANTOS, verla incluso con cierta simpatía, y soltar alguna sonrisa cómplice (las referencias pop, os podeis imaginar, a miles), pero la película fracasa en todo lo demás. Estoy seguro que sobre el papel, SANTOS funcionaba mucho mejor. Una pena.

- Lo mejor: algunos momentos aislados, sobre todo referentes a Willy Toledo, y la firmeza con la que Javier Gutierrez defiende su personaje

- Lo peor: la distancia entre las intenciones y los resultados es abismal

En muchas ocasiones, yo el primero, usamos con demasiada ligereza adjetivos como "único", "original", "atrevido", "insólito" o, mi favorito, "marciano",  palabros que de tanto manoseo llegan a difuminar su verdadero significado. Pues bien, os puedo asegurar que todos esos epítetos son aplicables al 100% a la tercera película del italocanadiense Vincezo Natali. Una vez más, tengo que agradecer al gran alexcore su rápida respuesta a mi llamada de auxilio, facilitándome una copia impoluta de esta absoluta anomalía cinematográfica. A sus pies, caballero. Así pues, me enfrenté a NOTHING sin saber nada, tan solo que era una comedia. Y a la nada fui arrojado. A los 15 min, servidor ya estaba con la mandíbula desencajada y los ojos fuera de las órbitas. Sí, NOTHING es una comedia. Y no, NOTHING no se parece a (casi) nada de lo que hayais visto anteriormente en este género, no sólo por la historia, sino por su fascinante empaque visual (no tengo referentes con los que compararla) y por su kamikaze armazón conceptual, que en vez de recular durante su tramo final, como hubiese sido de esperar, eleva a la película a los altares del asombro y el delirio total en su resolución, un largo y efectivo gag para el recuerdo, sencillamente alucinante. Como no quiero pecar de aguafiestas, porque el requiebro narrativo que esta película pega en su primer tercio es de los de ver para creer, os diré que NOTHING es algo así como el reverso luminoso de su ópera prima CUBE, otra kafkiana peripecia existencial tan minimalista como aquella, pero en campo abierto... muy abierto. Quizás el cine de gente como Spike Jonze, Charlie Kauffman o Michael Gondry, todos ellos renovadores de la comedia moderna siempre rodeada de un fuerte hálito fantástico/absurdo, podrían ser las únicas referencias posibles para una película asombrosa en el sentido literal de la palabra, que maneja con una desarmante simpatía conceptos realmente difíciles de digerir de entrada; que propone un elaborado humor  "blanco" (jejeje) basado en el gag verbal, pero sobre todo visual; una muestra de constante ingenio que nunca se traiciona, que hace malabares entre una comicidad casi infantil (en el sentido más positivo de la palabra, por momentos imaginad a DOS TONTOS MUY TONTOS en el universo POCOYÓ...) y un elaborado subtexto en el fondo nada feliz que invita a la reflexión,  y sumadle la utilización de la abstracción más total como ariete festivo y lúdico, un planteamiento al que no hubiesen hecho ascos una hipotética reencarnación de Chaplin o Buster Keaton en la era digital. Sin ser una película redonda del todo, ya que como es lógico algunos de sus gags funcionan mucho mejor que otros, NOTHING es el ejemplo definitivo de que Vincezo Natali es uno de los más grandes creadores del fantástico actual, por si alguien lo dudaba. Natali siempre me gustó, pero a partir de ahora empiezo a sentir verdadera admiración por este tipo. No hace falta decirlo: imprescindible para los más atrevidos y curiosos.

Aquí va el poster y el trailer oficial de la última de Darren Aronofsky, recientemente presentada en el Festival de Venecia con disparidad de opiniones. Algunos hablan de un tramo final de la peli que "roza lo insoportable" debido a su supuesta violencia (¿?), otros la elevan a los altares desde ya mismo. Veremos a ver... Lo cierto es que tras el semi-chasco que para mi supuso THE WRESTLER, una peli muy bien hecha con gran carga emocional pero sin una pizca de transgresión, poco esperaba de este "cisne negro", y menos al leer la escueta sinopsis que se había facilitado a los medios... hasta que cayó en mis manos el poster y este enigmático trailer. No sé por qué, pero me ha hecho pensar en el mejor (y más "operístico") Dario Argento pasado por la batidora Aronofsky, ¿qué opinais?

Más de quice días he dejado reposar ORIGEN en mi cabeza, el último aldabonazo a la jeta de la industria audiovisual por cortesía de uno de sus renovadores, que insiste en torpearla desde dentro, el cada vez más apasionante e interesante Christopher Nolan. No me apetece entrar ahora en el discurso maniqueo de Nolan Genio Total vs Nolan Pretencioso y Hueco, que parece que es lo que está de moda. Pienso que los que le veneran como un dios del cine desde su anterior película, EL CABALLERO OSCURO, calificándola de obra maestra total, han perdido el norte (y eso de nombrarlo ya como el relevo generacional de Stanley Kubtrick es de risa), mientras que los que le tachan de ilusionista vacío pues... deberían ir al oculista. Entre Batman y Batman, Nolan disfruta sacando adelante proyectos muy personales, supuestas películas "pequeñas" entre el universo megalomaníaco del caballero oscuro. Ya lo hizo con la fascinante EL TRUCO FINAL (THE PRESTIGE), y repite con ORIGEN antes de embarcarse de lleno en BATMAN 3, el regreso a un guión original, un soplo de aire fresco en la cartelera entre tanto remake, secuelas, precuelas, revisiones y adaptaciones. Y es que ORIGEN es una auténtica rara avis dentro del maremagnum del blockbuster veraniego, un trepidante viaje directo hacia territorios desconocidos en el cine comercial, una virguería audiovisual plagada de conceptos, imágenes e ideas alucinantes superpuestas entre capas y capas de significado y significante, tan bien ensambladas que por momentos uno se confunde con el otro. Así pues, saco el bisturí y entro en faena...


ORIGEN, al fin una buena traducción de su original INCEPTION, es un thriller se mire por donde se mire. Y un thriller contruido alrededor de un gran robo, además. Desde su mismo arranque, de esos que ya te dejan clavado en la butaca, Nolan deja bien a las claras por dónde va a ir su película. Su perfecto dominio de los resortes del género, que ya ha desarrollado en casi todas sus películas con más o menos acierto, queda claro desde el principio. La acción, perfectamente orquestada y dosificada durante todo el metraje, está constantemente punteada por explicaciones por parte de los personajes de las "reglas del juego", las normas por la que se rige el armazón de la película, unas leyes físicas y psicológicas que el espectador tiene que asumir, porque de no hacerlo corre el riesgo de desconectar antes de la primera media hora. Lo tomas o lo dejas. Además, de forma muy inteligente, el drama instrospectivo (otros lo llamarán trauma psicológico) va cobrando fuerza, infiltrándose por los resquicios del tecno-thriller hasta ocupar un lugar dominante en la narración. La emoción humana sustituye a los fuegos de artificio poco a poco, mutando lentamente como los mismos escenarios por los que transcurre la acción. PATADA.

Bajamos otro nivel. Ya sabemos que ORIGEN es un thriller pero... ¿qué clase de thriller? Uno clásico y rompedor a un tiempo, con unos cimientos reconocibles por cualquiera, pero que levantan un edificio fascinante e hipnótico, una arquitectura audiovisual precisa en su fabulosa mixtura de tradición y ruptura. Como cualquier película de grandes robos, ORIGEN tiene tres segmentos bien diferenciados: una introducción (o golpe fallido) que sirve de presentación de personajes y su modus operandi; una segunda parte (o formación de un nuevo equipo) en la que profundizamos en los protagonistas, conocemos a otros, y se define la estrategia para el "gran golpe", y finalmente un tercer acto en el que se desarrolla dicho golpe, sorteando dificultades varias, hasta llegar a la resolución final. Hasta aquí todo ok, y ORIGEN sigue este esquema al pie de la letra, con una salvedad: el tercer acto, lo que sería el climax final de cualquier película de su especie, dura la mitad del metraje, ya de por si bastante dilatado (cerca de dos horas y media). ¿Una hora y cuarto de climax? Pues sí amigos, tal cual, ver para creer. PATADA

Descendemos otro nivel. ¿Cómo se sostiene un tercer acto que dura más de la mitad de la película? Superponiendo capas de significado y de acción. Hablaba antes de las reglas del juego, ahora toca hablar de las piezas y el tablero. ORIGEN  es un thriller, está claro, pero es un thriller onírico, por lo tanto, su campo de actuación es la mente humana, los sueños. Nolan, tipo listo, recrea el siempre escurridizo universo onírico con las ideas muy claras. Se aleja todo lo posible de lo que cualquiera puede visualizar en su cerebro como "surrealismo", se coloca en las antípodas de Dalí, las ensoñaciones de alto diseño de LA CELDA o los delirios barrocos de Terry Gilliam , por ejemplo, y aplica a su película lo mismo que a la saga del murciélago: realismo y síntesis, pero que nadie se alarme, pese a ello ORIGEN contiene algunas de las imágenes del año, de las que se quedan pegadas a la retina durante mucho tiempo. Por absurdo que parezca, el universo mental de ORIGEN tiene unas leyes perfectamente coherentes (las "reglas del juego"), utilizando en contadas ocasiones la imaginería que todo el mundo podría esperar de un entorno subconsciente, pero desestructurando la película usando "muñecas rusas" narrativas, o lo que es lo mismo, sueños dentro de sueños dentro de sueños dentro de sueños... sin jugar nunca la baza de la confusión. Hasta cuatro niveles de narración simultanea (o cinco, depende de con quién lo comenteis...) se suceden ante nuestros alucinados ojos y perpelejo cerebro. El mejor (y más titánico) trabajo de montaje del año, sin duda, un curro de orfebrería visual de quitarse el sombrero y la tapa del craneo, porque aunque ORIGEN requiere cierta concentración del respetable (lo que vemos es tan importante como lo que oímos), en ningún momento da la sensación de hallarnos perdidos en un caos narrativo, más bien al contrario. Las continuas referencias de género (desde las pelis de James Bond hasta MATRIX) ayudan a que el viaje sea aún más emocionante y disfrutable. La película avanza como una locomotora guiada por un Leonardo DiCaprio, otra vez, en estado de gracia, es casi insultante la facilidad con la que este actor es capaz de capear con personajes que serían la perdición de algunos de sus compañeros de generación, y rodeado por un preciso reparto de auténtico lujo (atención a Ellen Paige), que logran entre todos sacar oro de los personajes más episódicos y dotar a la peli de un acertado aire coral casi operístico, en el que todos tienen algo que decir y su momento de gloria. Por algo será que Nolan es el único capaz de sacar de su jubilación a Michael Caine, una reverencia señores.  PATADA

Llegamos a un estadio más profundo de ORIGEN. ¿A qué ha jugado Nolan después de dos horas y media de proyección? ¿Por qué en la sala la gente suelta un chillido ahogado justo cuando el director corta a machete el ultimo plano de la película? ¿Por qué otros tantos se han ido al bar a la media hora? En mi opinión, ORIGEN es una celebración del propio cine como arte de contar historias, de epatar los sentidos y de emocionar al espectador. Bajo su superficie lujosa y brillante en todos sus aspectos (atención a la mejor banda sonora de Hans Zimmer en años), Nolan juguetea con resortes narrativos que son a la vez estilo y significado, forma y fondo fusionados.  Un ejemplo: el concepto de "arquitectura" como espacio físico y mental a un tiempo, y al consiguiente "arquitecto" como creador y receptor simultaneo. Otro ejemplo: la elipsis es un recurso de estilo a la vez que una herramienta narrativa con propia significación, plasmada en un sencillo y lacónico "¿recuerdas cómo has llegado hasta aquí?". Tanto es así, que en última instancia, en el último momento, el protagonista rompe su regla de oro y cede su totem al propio espectador, dejando así que cada uno de nosotros interprete individualmente lo que acaba de ver y experimentar... sumando un nuevo nivel de significado que permite replantear la película, algo similar a lo que Scorsese hizo magistralmente con SHUTTER ISLAND, la otra gran película del año y con la que ORIGEN comparte algo más que su excepcional protagonista, aunque ya veremos si Nolan es capaz de divertirse y disfrutar tanto maquinando una película cuando tenga las canas y la experiencia del genio neoyorquino...


Postcoitum

Ya habreis notado que ORIGEN me ha parecido un prodigio, una celebración, un polvazo cinematográfico tras el que se devora un pitillo que rara vez sabe tan bien. ORIGEN me persiguió durante unos cuantos días y aún la tengo detrás de la oreja. Evidentemente, sólo el tiempo dejará a la peli en su sitio, y ya veremos si es capaz de abrir brecha. Pocas veces se puede contemplar en pantalla grande una fusión tan precisa y disfrutable de cine masivo y osado en un solo film, puesto que ORIGEN es una película tan comercial como experimental en su esencia, tan física como cerebral. Mientras gente tan brillante y carente de prejuicios como Christopher Nolan sigan en activo, dirigiendo sus poderosas sinfonías audiovisuales, podemos respirar tranquilos y esperar grandes momentos. Y sin las dichosas gafas 3D...

- Lo mejor: que sea capaz de magrear mis sentidos y mis neuronas a un tiempo, ¡y de qué manera!

Cuarta película del inglés Neil Marshall, que poco a poco se está labrando una nada desdeñable carrera, ampliando cada vez más sus horizontes fuera del terror con aires más épicos y de pura acción. Tras su ópera prima, la curiosa y disfrutable DOG SOLDIERS, loco y entretenido megamix entre el cine bélico y  de terror con hombres lobo, llegó su obra maestra, THE DESCENT, una de las muestras de terror puro más alucinantes de los últimos años, imprescindible. Después se despachó a gusto con DOOMSDAY, fábula futurista  algo dispersa y totalmente carpenteriana, frenética y violenta, un cruce entre MAD MAX y ESCAPE FROM NEW YORK con sobredosis de esteroides. Aunque lo pretendía, no logró del todo el favor del respetable, éxito de taquilla que se le resiste, y de nuevo lo intenta con CENTURIÓN, ese salto defintivo de la serie B para aficionados a un público más generalista. Ignoro si lo va a conseguir, lo que sí sé es que los ingredientes son los adecuados para una buena sesión veraniega de acción y aventuras en pantalla grande. La fórmula de CENTURIÓN es bien sencilla y efectiva: una sólida base visual y musical que mira de frente al mítico GLADIATOR de Ridley Scott (como cualquier película "de romanos" que se ha rodado desde entonces, imitando hasta los gorgoritos de Lisa Gerrard en su ya clásica banda sonora), pero multiplicando por diez la acción, la violencia, la oscuridad y el frenesí visual, y dotando a la peli de una estructura que roza el cine bélico "de guerrillas". Roma en su esplendor, brillantes oropeles, fastuosos desfiles y grandes escenas de masas, nada de nada. Carreras por bosques tenebrosos, chorretones de sangre por doquier, barro, mugre,  machotes con músculos en tesión, supervivencia extrema y tremebundas luchas cuerpo a cuerpo a estacazo limpio, todas las que querais. Marshall agarra por los pelos históricos la misteriosa desaparición de la Novena Legión de Roma en tierras escocesas, la mezcla con la leyenda que rodea a los Pictos, y se monta este entretenido tinglado cuasibélico en sandalias en el que su grupete de soldados tienen que sobrevivir detrás de las lineas enemigas, sustituyendo la selva vietnamita por los bosques escoceses, los vietcongs por pictos realmente cabreados, y los AK-47 por cualquier cosa que sea capaz de cercenar un miembro. Y a correr. Sus personajes, como en todas sus pelis (excepto en THE DESCENT, que tenían más miga) están bien definidos y bien interpretados de un certero brochazo, la nota exótica la ponen las guerreras pictas, mas brutitas si cabe que sus compañeros masculinos, y cuando la cosa se tuerce, como en la tonta historia de amor entre Quintus y la brujilla, que está a un paso de causar sonrojo, Marshall sabe reconducir la narración a lo que realmente importa: la energía cinética desbocada. Si le sumamos a esto unos parajes naturales diurnos que quitan el hipo, de una belleza total (los nocturnos tiran demasiado de luz azulada y humos, como siempre) y un final convenientemente cínico y descreído, no hay razón para que no se disfrute de esta enervada muestra de cine de aventuras en la que, como no podía ser de otra forma, Neil Marshall disfruta como un enano planificando sus notables secuencias de acción con una brutalidad poco vista en el género hasta ahora, como en la intensa masacre de la mismísima Novena Legión. 

- Lo mejor: da lo que promete, ni más ni menos, en especial por el empuje y el brío de Marshall en la dirección y su estlo visual, primitivo y hermoso a la vez

 WRISTCUTTERS / EEUU / 2006

Creo que WRISTCUTTERS es la peli De Culto más reciente de Sesión Golfa (data de 2006), y desde luego merece tal honor. Recomendación expresa de Kill Yr. Idols (gracias hermano), la película de Goran Dukic es una especie de comedia dramática fantástica encuadrada en un mundo postmortem que no es ni el cielo ni el infierno, sino un inquietante no-espacio habitado esclusivamente por suicidas, un universo visual y sensorial muy parecido al nuestro, pero en el que la gente no sonríe, por el que pululan algunos ángeles caídos, y en el que se obran, de vez en cuando, pequeños milagros domésticos. El amigo Goran Dukic agarra por las solapas los modos y maneras de la más clásica road movie desértica yanqui, con texturas muy cercanas al indie de los noventa (la película está financiada por el Instituto de Cine de Sundance), pero lo mezcla con un curioso sentido del humor más bien negruzco, muchos silencios, largas secuencias discursivas y un puntito surrealista muy de agradecer, con ciertos aromas balcánicos, una especie de mezcla entre el Jim Jarmush de DOWN BY LAW y un Emir Kusturica con una sobredosis de valium, para entendernos. Sin aspavientos pero con las cosas muy claras, al principio uno se puede encontrar algo desorientado por la rareza de la historia, pero en seguida, a poco que te caiga simpática la propuesta, ya estás embobado por completo. WRISTCUTTERS avanza a paso lento, sin prisa pero sin pausa, los personajes se van definiendo poco a poco hasta convertirse en una película apasionante, entretenida, deliciosa por lo parca a la vez que imaginativa que resulta. Sumemos a esto unas interpretaciones tan melancólicas como sus imágenes, una sutil aura de tristeza (y asombro) que lo envuelve todo, una banda sonora en la que conviven Gogol Bordello y Tom Waits con total naturalidad y, por supuesto, la estrambótica interpretación del propio Waits, bordando, como siempre, el secundario más estrafalario y divertido de la función. Y encima tiene un final tan sencillo como hermoso y efectivo, que le da total sentido a su propio título. Pues eso, WRISTCUTTERS es una pequeña joyita escondida, una original delicia de exótico aroma y sabor suave y ácido a la vez, aunque quizás no apta para todos los paladares.

- Lo mejor: lo simpática, entretenida, sencilla, transparente y original que resulta

AFTER LIFE es una interesante propuesta de difícil catalogación que ha pasado totalmente desapercibida, a pesar de su apetitoso reparto, imagino que por una erronea (o inexistente) campaña publicitaria. Aunque se perderá en los marasmos de la serie B más derivativa, y ya digo que no estamos hablando de ninguna obra maestra, la película de Agnieszka Wojtowicz-Vosloo (¿la primera directora en Sesión Golfa? puede ser...) tiene los suficientes alicientes como para hincarle el diente una de estas noches de asueto. A medio camino entre el cine contemplativo-existencial del bueno de M. Night Shyamalan y un capítulo "seriote" de HISTORIAS DE LA CRIPTA pero sin Creepy, AFTER LIFE toma también las formas del cine de terror oriental ya en recesión (sin fantasmas melenudos), configurando una curiosa empanada de cocción lenta que ni siquiera sé si calificar de terror, tal es la ambigüedad de la que hace gala esta película. Justin Long y Christina Ricci forman una joven pareja en crisis, pero ella tiene un accidente de coche y despierta de improviso sobre una camilla de autopsias en manos de un tanatopractor con el afilado y curtido rostro de Liam Neeson, que le comunica con toda la calma del mundo que está muerta pero... ¿realmente lo está? Lo más interesante, de largo, es el duelo interpretativo y físico al que se enfrentan ambos personajes, encerrados en un sótano rodeado por otros muertos, un agrio y espeluznante periplo existencial en el que la Ricci ha de asumir su condición de difunta mientras Neeson hace todo lo posible por que el tránsito entre esta y la otra vida sea lo menos traumático posible, con algunos apuntes morbosos lógicos en esta situación (necrofilia incluída) y una elegante atmósfera mortuoria que acaba por impregnar todo el metraje. A la vez, el personaje de Justin Long comienza una histérica cruzada por averiguar si su prometida realmente murió en el accidente, una treta argumental que no tiene el más mínimo interés y que funciona sólo como gancho para el respetable, puesto que la respuesta final no interacciona para nada con el resto de la película, o dicho de otra manera: da igual, ya que el meollo de la cuestión dramática se sostiene por sí solo en el espectacular toma y daca entre el buen doctor y su "paciente". Christina Ricci borda otro de sus  enigmáticos personajes cercanos a la muerte, fascinante y hermosa cuanto más pálida, con una generosidad física digna de mención (se pasea por la mitad del metraje en pelotas, como debe ser en tal circunstancia), mientras que Neeson rubrica un personaje memorable, en el fondo y en las formas, digno de un Vicent Price en su momento de gloria, lo juro. Sobresaliente. Su sola presencia e interpretación es suficiente aliciente para ver AFTER LIFE, curiosidad que os recomiendo rescatar pero ya del olvido. 

- Lo mejor: el dueto protagonista, y en especial Liam Neeson

- Lo peor: las costuras del guión son toscas y están mal hilvanadas, el niño me sobra