SESION GOLFA

Retomo la sección De Culto para hablaros hoy de una peliculita muy curiosa, bastante freak y totalmente recomendable: Altered States, del zumbado Ken Russell, un tipo de lo más peculiar. Pudo ser uno de los grandes renovadores del cine hollywoodiense a la estela de Coppola, podría haber compartido barra de bar y conversación con De Palma o prestigio y alabanzas como Bodganovich o Scorsese, estoy seguro, pero tuvo la mala suerte de nacer en Inglaterra, muy lejos del delirio creativo-lisérgico de los EEUU de finales de los 60 y gran parte de los 70. Si se perdió de pleno el interés de los pequeños estudios por apoyar el "nuevo cine americano", no se perdió para nada la lisergia inglesa de esos mismos años, anclado en aburridos telefilmes y productos catódicos de lo más variado. De hecho, no es hasta comienzos de la "década mágica" de los 70 cuando da su salto definitivo al celuloide y demuestra su "peculiar" (por decir algo) vena creativa y su particular visión del cine. Lo digo ya: mucha gente considera a Ken Russell un director mediocre perdido en sus propios delirios pop, ostentoso y extravagante, sólo interesado en el afán por confundir y provocar polémica, y en general acuden a su célebre ópera-pestiño-rock Tommy, de los Who, para demostrarlo. Craso error. Si bien es cierto que Tommy es un truñete en toda regla, parte de su filmografía resulta aún hoy de lo más estimulante, a redescubrir: apasionado por la música clásica, filmó biografías de Tchaikovsky (The Music Lovers), Richard Strauss (La Danza de los Siete Velos, que los propios herederos del músico vetaron hasta el punto de quitarle los derechos sobre su música y prohibir la película hasta hoy) o Lisztomania (sobre Liszt, visto como la primera estrella de rock de la historia, interpretada por el Who Roger Daltrey); adaptó a Huxley (The Devils, teneis que verla) y Bram Stoker (La guarida del gusano blanco, tan demencial como divertida), coqueteó con Lord Byron (Gothic, recreación histérico-bizarra del la gestación del mito de Frankenstein) y tuvo uno de sus mayores éxitos con el thriller pseudo-erótico La pasión de China Blue, cuando Kathleen Turner estaba jamona. Después se hundió de nuevo en la tele británica para terminar con su participación en Big Brother VIP 5, en 2007, donde salió voluntariamente de la casa por un altercado con otro concursante.


Altered States es mi película favorita de Russell, no podría ser de otro modo algo en lo que convergen científicos (¿locos?), fiestas hippies, drogas muy psicoactivas, tanques de privación sensorial, chamanes, regresiones, los Doors, imágenes dantescas, resquicios surrealistas, látex desbocado, William Hurt, la búsqueda de Dios y... una GRAN historia de amor. Tomando como punto de partida una novela pseudo-científica, un poco en la vena de ese gran fraude que fue Carlos Castañeda, Russell se lleva la historia a su (peculiar) terreno hasta lograr un auténtico revulsivo en su momento: dar un giro al cine de ciencia-ficción para lograr un "impacto interior" y dotar a la expresión "alucinar en colores" de su verdadero significado visual. Afortunadamente, la película no se deja devorar por la abstracción absoluta y mantiene el pulso en (casi) todo momento, ayudada por la magnífica interpretación de un jovencísimo William Hurt y la peculiar, tensa, incluso antipática pero sincera relación amorosa del personaje, que desemboca en un magnífico final que rubrica una hermosa conclusión: la verdad absoluta no existe, sólo existe la vida humana, resumida con una frase simple, verdadera y eterna, un sencillo y mundano "te quiero" que dota de significado y fuerza a todo lo visto anteriormente. La singularidad, lo individual vence ante el ansia por el absoluto, en definitiva.


Evidentemente, las secuencias lisérgicas son tremendas (atención a los cuerpos convertidos en arena que el viento va erosionando hasta hacerlos desaparecer, o a las visiones dantescas del infierno, literalmente), haciendo un uso muy poco explotado en el cine del miedo al Vacío en su sentido metafísico, al "terror cósmico" (pues sí, hablo de Lovecraft) y también de las ansiedades y obsesiones modernas del hombre, testigo que sin salirse del género supo recoger con absoluta maestría David Cronenberg en su extraordinaria revisión de La Mosca, una película con más de un punto en común con ésta. Es una lástima que durante el nudo narrativo el asunto se desdibuje un poco, mutando casi en una monster-movie al uso con ese proto-humano correteando en pelotas por las calles, aunque después la cosa se encauza otra vez, y también puede acabar con la paciencia que haya tal vaivén estilístico (vamos de la psicodelia al thriller, pasando por la ciencia-ficción, el terror, el drama y el arte y ensayo) que alguno pueda desistir. Tened paciencia. El caos también es una forma de expresión.


PD: es posible que la encontréis por ahí con su delirante título español, Viaje alucinante al fondo de la mente. No será una obra maestra, quizás ni siquiera una gran película, pero bien merece una hora y media de vuestras vidas.


- Lo mejor: la audacia del planteamiento y las impactantes imágenes lisérgicas

- Lo peor: el humanoide peludo roza el ridículo


CABEZAS

Guión: Zev Berman, Eric Poppen
Productor: Randall Emmet
Música: Andrés Levin
Fotografía: Scott Kevan
Reparto: Brian Presley, Martha Higareda, Jake Muxworthy, Rider Strong, Damián Alcázar, Sean Astin

Curiosa, muy curiosa me ha resultado Borderland desde sus primeros 15 minutos. Si bien su sinopsis y muchos comentarios por ahí parecen definirla directamente como otra más de "escabeche juvenil en territorio fronterizo", o sea, algo totalmente prescindible por pura acumulación en los últimos tiempos, la cosa dista de ser tan simple. Bien es cierto que tenemos chavalería yanqui en busca de emociones fuertes (repetimos: sexo, drogas y rock n´roll), vale que hay sadismo, algo de tortura y hasta secta satánica de por medio, pero, coño, el tratamiento que le han dado al asunto busca otras cosas, tanto estéticas como argumentales, y eso ya es de agradecer. Y mucho.

Lamentablemente, casi siempre hay un pero. En este caso, el pero es grande y tiene forma de secta satánica. Efectivamente, aunque la subtrama del palo mayombe está bien definida y funciona a nivel narrativo (sangrientos rituales incluídos, chapeau), a los personajes que la sustentan no me los trago. El calvo monosilábico del machete, malo malote, es un cliché hollywoodiense sin más, y el megavillano narcosatánico es digno de un culebrón venezolano, una especie de ridículo galán engominado con permanente expresión de estar oliendo heces y tatuajes hasta en el culo (literalmente). Un lástima, porque siendo los villanos de la función, no llegan ni por asomo al grado de credibilidad y fuerza que el resto del conjunto posee y se quedan cerquita de la parodia involuntaria.



Si sois capaces de imaginarlo, meted en una coctelera el potente y polvoriento deje visual de Alejandro González-Iñarritu (hubo secuencias enteras que me recordaron estéticamente a Babel o Amores Perros), destellos del Sam Peckinpah más fronterizo (Quiero la cabeza de Alfredo García, y Pat Garret, of course) y un poco de Perdita Durango, de Alex de la Iglesia, y con ello contad una película de terror adolescente con más chicha de la habitual. Más o menos es lo que vais a encontrar en Borderland. A pesar de sus cagadas, recomendada.

PD: imprescindible verla en v.o.s., no sólo por la constante mezcla de inglés y español en los diálogos, sino porque el doblaje es atroz.


- Lo mejor: la apuesta por el drama realista en una película de terror como esta
- Lo peor: la caterva de malos de feria


CABEZAS:




Y aquí va el trailer amigos, tan engañoso como suelen serlo:

SHROOMS / IRLANDA / 2006
Dirección: Paddy Breathnach
Interpretación: Lindsey Haun (Tara), Jack Huston (Jake), Max Kasch (Troy), Maya Hazen (Lisa), Alice Greczyn (Holly), Rob Hoffman (Bluto), Don Wycherley (Bernie), Sean McGinley (Ernie).
Guión: Pearse Elliott.
Producción: Paddy McDonald y Robert Walpole.
Música: Dario Marianelli.
Fotografía: Nanu Segal.
Montaje: Dermot Diskin.
Diseño de producción: Mark Geraghty.
Vestuario: Rosie Hackett

A Gus Van Sant le sigo, pero con el intermitente puesto. Me gustan bastantes de sus películas (Mi Idaho Privado, Drugstore Cowboy, El Indomable Will Hunting), otras las detesto (Psycho o Last Days, por el amor de dios), alguna me causa indiferencia total (Elephant, Persiguiendo a Forrester), y otras pocas siguen en la recámara esperando su turno (Paranoid Park). Supongo que mis opiniones sobre su cine son como su propio cine, que varía de estilo y pretensiones con una alegría que unas veces me contagia y otras no. Afortunadamente, Mi Nombre Es Harvey Milk pertence al primer grupo, a las buenas.

Como buen cineasta que es, Gus sabe acoplar como un guante lo que quiere contar al cómo lo quiere contar, y eso es muestra de sabiduría, amigos, es la base del buen cine. En esta ocasión nos regala uno de esos biopics tan al gusto hollywoodiense con la vista puesta en los oscars, que supongo muchos gafapasteros van a rechazar de plano porque la peli no está rodada en 16 mm con un grano como el culo de un vaso, los diálogos se entienden, la cámara (el director) nunca es protagonista de la historia y el montaje es limpio y claro como el cristal. Allá ellos, porque lo que aquí ha hecho el bueno de Gus es su jugada maestra, su supremo acto de reivindicación ética dentro del propio sistema de estudios, su más inteligente muestra de activismo jugando a placer con las convenciones mainstream, y, a posteriori, la forma más efectiva y masiva de lanzar a la palestra, una vez más, los conflictos políticos y sociales derivados/provocados por la militancia gay, con un trasfondo histórico absolutamente sincero, emocinante y, ante todo, didáctico, sin caer nunca en el panfleto ni en la propaganda barata. ¡Ole!


Utilizando de manera sabia muchas imágenes de archivo que a la postre funcionan como un puzzle en la trama, esta historia se beneficia de un perfecto equilibrio entre el recreacionismo histórico del San Francisco de los años 70 y la formación y desarrollo del movimiento gay en la ciudad (perfectamente plasmado y explicado en imágenes, gracias), pero también de los momentos íntimos del protagonista, curiosamente sin caer nunca en la hagiografía demagógica ni en el dramatismo barato. Como siempre que Sean Penn asoma la jeta, pero en esta ocasión aun más, su interpretación vertebra toda la película con un trabajo formidable, preciso y sutil, en un tipo que parece que nunca pone el piloto automático (como sí hacen otros "grandes" consagrados), sino que vive y siente y hace sentir cada gesto, cada palabra y cada mirada como propio, y sabe transmitirlo al espectador con una pureza y una verdad que te desarma. El resto del elenco le secunda, contagiado de esa especie de infinito ánimo del Harvey Milk real, de su optimismo y de su fuerza ética y vital, y todos rubrican un coro de seres absolutamente vivo y creíble, a excepción del mexicano Diego Luna, que construye un personaje incomprensible con una interpretación nefasta. Una nota discordante y fuera de tono en una bella y sencilla sinfonía sobre el sacrificio (involuntario), la justicia y la esperanza.



Como decía antes, una jugada maestra y mayoritaria para una película notable y sincera, llena de energía, que quizás a alguno le pueda parecer trasnochada (lucha por los derechos civiles de los gays, a estas alturas) pero que, si uno se para un poquito a analizar los discursos (reales) de la ultraderecha católica yanqui de hace 30 años, quizás pueda encontrar ecos casi literales en algunos discursos que, aún hoy, la ultraderecha católica española sigue enarbolando sin rubor. ¿Una lucha trasnochada? Vean Mi Nombre Es Harvey Milk y piénsenlo otra vez, por favor.




- Lo mejor: la película en su conjunto
- Lo peor: la interpretación de Diego Luna


CABEZAS