SESION GOLFA

Segunda y última parte del resumen de 2012, ahora centrado en lo más chungo del año y, de propina, las habituales 8 DELICATESSEN que nadie debería dejar pasar, y las CUENTAS PENDIENTES, de las que espero vuestras recomendaciones y comentarios. Como curiosidad: más de uno me ha señalado (y yo me he percatado a posteriori) que en LO MEJOR DE 2012 toda las películas eran norteamericanas (y una canadiense y otra neocelandesa). Como bien sabéis, no discrimino por nacionalidades, y las procedencias me la soplan, no tienen valor añadido. En 2012 apenas he visto cine oriental que me haya impactado (habitual en este blog), y muy poco español, por poner sólo un par de ejemplos, pero insisto: es lo que hay, amigos. Sólo comentar que celebro los dos taquillazos nacionales del año: LO IMPOSIBLE y LAS AVENTURAS DE TADEO JONES, pero que de igual modo y en el caso de la primera, me enajena su estomagante bombardeo publicitario y su consiguiente invasión de la salas, que sé a ciencia cierta que ha impedido que otras películas españolas, muchos más modestas e independientes (y seguramente más interesantes), hayan podido encontrar su hueco, y en algún caso ni siquiera estrenarse. Pero me dejo de rollos. Muchas de ellas ya han pasado por el blog, así que sólo tenéis que pinchar sobre sus posters para leer su reseña original. Comenzamos con las DELICATESSEN de 2012, sin orden ni concierto...

8 DELICATESSEN

REC 3 - GÉNESIS

A muchos fans de la saga se les atravesó la tercera entrega, pero para un servidor es un soplo de aire fresco en una fórmula que ya mostraba síntomas de desgaste. Con un oportuno viraje a la comedia salvaje, un fun gore que prima la diversión sobre el terror puro, REC 3  es una de las gamberradas más gozosas del año, con nivelazo técnico y artístico de impresión, ritmo trepidante, mucho cachondeo y una Leticia Dolera motosierra en ristre para comérsela entera. Un opíparo festín, a la espera del horror salvaje que esperamos de Balageró para el cierre de la saga en 2013: APOCALIPSIS.



A FANTASTIC FEAR OF EVERYTHING
La comedia más delirante del año no merece el ninguneo al que se le ha sometido. Autentico one-man-show del siempre estupendo Simon Pegg, desde ya heredero espiritual del añorado Gene Wilder, A FANTASTIC FEAR OF EVERYTHING es una delicia netamente inglesa y honestamente freak, que bebe sin pudor desde de las clásicas comedias de la Ealing hasta del cine de terror psicológico y de psicópatas, pasando por agradecidos toques montypythonianos y la fabula moral con animalitos parlantes (¡!) y que, aunque provoque desconcierto, es una joyita para los espíritus más bizarros.



EL MUNDO ES NUESTRO
No hace falta ponerse trascendental, tremendista ni progre-buenrollista para rodar una película social contundente y efectiva, sobre todo si se hace desde la comedia pura. De ínfimo presupuesto y financiación alternativa, la ópera prima de Alfonso Sánchez, especie de TARDE DE PERROS versión sevillana, funciona con la aparente ligereza de un Berlanga pasado por la turmix de un Tarantino con acento andaluz, cuyos tics amateurs no hacen sino engrandecerla como una de las propuestas españolas imprescindibles del año. Queremos más como ésta.




LOVELLY MOLLY
Cine de género pequeño, barato y sugestivo, de personajes y atmosférico, esa fue la propuesta de Eduardo Sánchez con LOVELLY MOLLY, terror psicológico de muchos kilates cuyo efectivo desarrollo y creciente mal rollo se te impregna en la piel como un herpes satánico. Jugueteando todavía con las texturas de videocámara que tanto le gustan, pero mucho más contenido y elegante, Sánchez consigue su mejor peli hasta el momento, inquietante en grado sumo, con la total entrega de Gretchen Ledge a su papel, su protagonista absoluta, que en un mundo justo debería ganar un Oscar o dos.



EXTRATERRESTRE
Nacho Vigalondo es uno de esos tíos con universo y mirada propios, pero que, afortunadamente, también es un fan del cine de género. Si con la fabulosa LOS CRONOCRÍMENES hizo la peli de viajes en el tiempo más personal de la década, siempre a reivindicar, con ésta le da una vuelta de tuerca a la invasión alienígena (siempre en off) desde la perspectiva de la comedia romántica minimalista. Diminuta en su producción, hilarante en su desarrollo y algo frustrante en su conclusión (se mira demasiado el ombligo a ratos), diversión garantizada y raruna en formato casero con un divertido elenco dando lo mejor de sí.



THE GREY
Estrenada como INFIERNO BLANCO, desapercibida entre el maremagnum veraniego de mediocridades, THE GREY se merece el rescate mucho más que el atroz gobierno de Rajoy. Aparenta ser un survival más, con grupo de testosterona perdido en las nieves y acosado por lobos, pero desde el principio se intuye que hay algo más: una pátina íntima y existencial, que conduce la película hacia una abstracción poética de mucha potencia, conducida por un Liam Neeson que, aleluya, hace mucho más que poner la jeta y cobrar el cheque. Si no fuera por un acto central algo rutinario, estaría en LO MEJOR. Merece la pierna.



LOBOS DE ARGA
Aunque está lejos de ser una película redonda, a su guión le faltan unas cuantas vueltas, y da la sensación de que podría haber dado mucho más de sí, lo que supone LOBOS DE ARGA ya es suficientemente gozoso y digno de celebrar, películas pequeñas, honestas, comerciales y cafres como ésta es lo que necesitamos para crear industria, no tanto megataquillazos puntuales de presupuestos desmesurados. Comedia de terror que funciona en sus dos caras, sincero y sentido homenaje al cine de género patrio de los 70, LOBOS DE ARGA garantiza diversión y risas durante hora y media, y a  ratos muchas risas.



CARNAGE
Comenzando por lo obvio: Roman Polanski es un maestro. Sólo así se entiende que agarre por los belfos una exitosa obra de teatro, que mantiene con rigidez la unidad de tiempo y espacio, y consiga una pieza de orfebrería de puro cine. Cuatro intérpretes en estado de gracia (esto no es una actuación coral: son alardes) y un guión mordaz y trepidante son suficientes para que el viejo Polanski nos mantenga pegado a la silla sin pestañear, despelotando las miserias de un par de matrimonios de clase media con una mala baba y lucidez que asusta. Estrenada aquí como UN DIOS SALVAJE.



LO PEOR DE 2012: PIFIAS, DECEPCIONES y TRUÑOS

Premio "Empanada espacial de sepia y chapapote" para...
PROMETHEUS

Ya me explayé en su momento, y vista otra vez la cosa no mejora. El film más esperado de la temporada (y de los últimos tiempos) es una lucha esquizo entre la película de ciencia-ficción "adulta" que pretende ser y la costrosa y descerebrada serie B en la que se convierte, por obra y gracia de un guión que, sencillamente, es una chapuza de aprendiz que toma al espectador por memo y no tiene ni repajolera idea de qué hacer con el legado ALIEN. Sólo se sostiene, faltaría más, por la indiscutible mano de Ridley Scott para rodar imágenes memorables.



Premio "Vuelve a Manhattan, Woody" para...
TO ROME WITH LOVE

Fiel a su ritmo y a su manía de darnos una de cal y otra de arena, si la de 2011 fue una delicia, ésta, a pesar de contar con muchos elementos a su favor (Woody regresa como actor, comedia de episodios, Roberto Benigni, Ellen Page...) y una idea de partida ingeniosa, apenas es capaz de sacarnos un par de sonrisas durante su hora y media, y eso es muy poca cosa. Todo huele a refrito de sí mismo y la historia se vuelve, a ratos, incluso irritante, llena de estereotipos, con ritmo amorfo y maneras acartonadas, y con esos apuntes de delirio que no se atreve a desarrollar. La próxima ya toca.



Premio "¿Dónde te escondes, Fresnadillo?" para...
INTRUDERS

A ver, INTRUDERS no es una película pésima, pero Juan Carlos Fresnadillo tampoco es un director mediocre, y su tercer film lo es. El amago del canario por asentar su carrera internacional tras la vibrante 28 SEMANAS DESPUÉS y varios proyectos abortados (entre ellos BIOSHOCK y el remake de LOS INMORTALES), al final se queda en poca cosa, resultado, otra vez, de una historia que toca demasiados palos, que no se decide qué película quiere ser y con resolución demasiado forzada. Ni siquiera Clive Owen destaca en un trabajo demasiado tibio e impersonal, que se diluye entre la marea.



Premio "Battleshit" para...
BATTLESHIP

Tampoco esperaba mucho de BATTLESHIP, pero al menos estaba dirigida por Peter Berg, que en algún universo paralelo estrenó la muy macarra VERY BAD THINGS. Y los robots gigantes siempre molan, ¿que no?. Pues no. Con un ¿guión? que podría ser el más estúpido de la historia del cine sin mucho problema, un elenco que se limita a mirar al infinito como si estuviesen rodando un Shakespeare (lo de Liam Neeson es de juzgado de guardia) y una nada sutil soflama imperialista que asquea, resultado: arcada segura. Parafraseando a mi dealer: "Hey, no pierdas tiempo, yo siempre tengo mejor mierda".



Premio "En ocasiones veo muertos" para...
TWIXT
Y la buena mierda a la que refería mi dealer podría ser, por ejemplo, TWIXT, de esas que dependiendo del día podría estar también en las DELICATESSEN... Respeto que Coppola siga a su bola, bebiendo su vino y pasando de todo, así que TWIXT debió ser fruto de un delirium tremens imposible que trata de conciliar terror gótico con film arty literario, o yo qué sé, con un Val Kilmer con forma de cachalote emulando a un Stephen King de segunda, fantasmas lánguidos, psicópatas pedófilos, sectas vampíricas, el espectro de Allan Poe, imágenes poéticas de aspecto sintético y, vaya usted a saber por qué, algunas secuencias rodadas en 3D. Bizarro es poco.



Premio "Tomadura de pelo vintage" para...
V/H/S

Os lo juro: tengo escondidas en algún cajón polvoriento cintas VHS de fiestorros adolescentes con los amigotes más entretenidas que este bodrio patatero que sigue estirando el rollo found footage hasta la nausea. El baile de San Vito con la cámara y texturas granulosas no son suficientes para levantar una cosa amorfa, larga, soporífera y fea, un hype incomprensible que tiene tantos adeptos como falta de talento. Hay que esperar casi dos horas para que la cosa ofrezca un poco de interés con sus dos últimas historias, y justo entonces se acaba. Bah.




LAS CUENTAS PENDIENTES
Como todos los años, se me han escapado muchas. La primera de la lista, HOLY MOTORS, que me da pereza porque, como dijo mi compadre Emil, con COSMOPOLIS ya he tenido mi sobredosis de tíos en limusina. THE LORDS OF SALEM, del amigo Rob Zombie, que se ha pegado el batacazo allí donde la han proyectado. THE BAY, o el inofensivo Barry Levinson que se sube al carro del found footage con una de las más nastys del año (eso comentan). THE RAID-REDEMPTION, dicen que la peli de acción y artes marciales más tremenda de la década. SAVAGES, la última de Oliver Stone. WARRIOR, drama ambientado en el mundillo de la lucha.  Luego, pequeñeces apetecibles como INBRED, locura gore de Alex Chandom, SINISTER, BRANDED, CROCKNEYS VS ZOMBIES, THE DAY y un largo y nutrido etc de despojos varios... Y sí, en algún momento de mi existencia le echaré un ojo a LO IMPOSIBLE. Ahora os toca a vosotros... ¿pierdo el tiempo con estas? ¿qué más me he dejado en el tintero? ¿ein?

Vamos que nos vamos. Un año más, aquí llegan las deseadas, una más de la listas que por estas fechas inunda la red. Un año este un tanto regulero que nos ha dejado un buen puñado de películas interesantes pero muy pocas realmente grandes. Por ello, selección especialmente complicada, tanto más cuando soy consciente de que me dejo en la recámara bastantes que aún no he visto, algunas de las cuales, seguramente, podrían ir en esta lista.  La mayoría de ellas ya han sido comentadas por aquí, y podéis acceder pinchando en sus respectivos posters. Agradecer, por supuesto, a toda la gente con la que he compartido cine y vida este año, tanto cercanos como virtuales, siempre al tanto, siempre alerta. ¡Gracias! Comenzamos pues con las mejores, doce en vez de diez, homenaje a un año apocalíptico en muchos aspectos y que ya estoy deseando dejar atrás.

12. LOOPER

Los viajes en el tiempo molan. Rian Jonhson nos entregó una cosa rara, una película de ciencia-ficción con clara vocación palomitera y corazón indie, una de acción con poca acción y mucho cerebro, trágica, emocionante y tensa, que remenea los códigos genéricos para narrar la imposible lucha de un hombre contra sí mismo. Imperfecta y contradictoria en sí misma, con una resolución que es pura paradoja espacio-temporal, se beneficia, además, de un terceto de actores, (Gordon-Levitt, Willis y un felizmente recuperado Jeff Daniels) en estado de gracia, y de una cada vez más crujiente Emily Blunt. Johnson confirma que lo de BRICK no fue casualidad. 

11. EL CABALLERO OSCURO: LA LEYENDA RENACE

Aunque es demasiado larga, exageradamente grandilocuente y fundamentalmente repetitiva, el cierre de Christopher Nolan a su trilogía del murciélago vengador mantiene el tipo con autoridad y se distancia sin mucho problema de las infantiloides visiones superheroicas de sus competidoras, añadiendo un subtexto social relevante a las sombrías y esquizofrénicas andanzas de Bruce Wayne y su alter ego. Aun siendo la más floja de las tres, y con un guión más que discutible, la maestría con la que Nolan dilata el suspense y su magnífico climax final y conclusión consiguen que la película nunca caiga en la mediocridad, y que a ratos nos regale gran cine.

10. THE TALL MAN

Tan sorpresiva a primera vista como coherente en un segundo visionado, Pascal Laugier coge el toro por los cuernos a la hora de afrontar su aventura americana tras la tremenda MARTYRS, obra el milagro de convertir a la maciza Jessica Biel en un guiñapo humano (y en estupenda actriz) y nos ofrece una película absorbente de principio a fin, de una factura elegante, fría y hermosa, algunos dirán que tramposa (yo no), y que aunque en apariencia es mucho menos radical que su precedente, sirve la polémica en bandeja desde ese giro a mitad de metraje y un plano final de traca. Y, pese a poster, marketing y trailers falsarios, no es de terror.

09. PARANORMAN

Ha sido un año este también regulero en animación, sin obras maestras a la vista, pero vibrante en una de sus técnicas más viejas: el stop-motion. Tras la maravilla de LOS MUNDOS DE CORALINE, PARANORMAN asienta al estudio Laika en el panorama mundial, quizás un escalón por debajo de su predecesora, lo que no impide que sea una absoluta delicia para todos los públicos, en especial para los niños que les (nos) gustan los monstruos, en una película encantadora, primorosa en sus detalles y más subversiva de lo que parece en superficie, de una belleza formal exquisita, capaz de hacer saltar a los más pequeños de emoción y a los padres más carcas de puro desconcierto.

08. EL HOBBIT

Aunque algunos están deseando el fracaso artístico de Peter Jackson (y ya lo proclaman a los cuatro vientos), EL HOBBIT esta lejos de resultar un batacazo. Es cierto que peca de reiterativa en sus apabullantes secuencias de acción (en las que Jackson pone sin rubor el piloto automático), que no asume riesgos y que, por tanto, no hay sorpresas, pero a cambio Jackson nos regala secuencias memorables, curiosamente, en los momentos más íntimos y menos aparatosos de la función, y mantiene intacto su sentido de la aventura y su belleza plástica. Mucho menos potente que EL SEÑOR DE LOS ANILLOS, de momento, pero la novela que adapta también lo era.

07. FRANKENWEENIE

Tim Burton ha tenido que viajar mentalmente casi treinta años atrás, mirarse al espejo y reconciliarse con su viejo amor, la animación stop-motion, para recuperar parte del empuje creativo perdido. Sentido y sincero homenaje a todo aquello que fue el motor de su talento, las películas de monstruos, Burton recupera su mirada más fresca, triste y melancólica, y también su veta más inquietante, para regalarnos una obra pequeñita, de aromas añejos y deliciosa factura, sin alardes innecesarios y con una galería de personajes fabulosa, que, ahora sí, nos recuerda por qué amamos tanto al tipo que creó a BITELCHUS, EDUARDO MANOSTIJERAS o ED WOOD. 

06. COSMOPOLIS

Justo cuando David Cronenberg ya ha salido del zulo genérico, se ha ganado a la crítica mainstream (conservadora por definición), y sus films cada vez nos dicen menos a sus viejos seguidores, entrega su película más radical y turbadora en años. Ni siquiera ha tenido que regresar al terror para dejar patidifuso al personal, adaptando una de esas inadaptables mediante un desconcertante puñetazo de autor en la mesa. Película muy difícil, peligrosamente discursiva, pero también hipnótica, que te mantiene pegado al asiento mientras su nihilista trasfondo crece bajo la piel como un tumor, y logra que Robert Pattinson parezca un gran actor. Gore intelectual para el s.XXI.

05. THE CABIN IN THE WOODS

Este año todo el mundo aplaude a Joss Whedon por LOS VENGADORES, pero yo le prefiero en sus tareas de coguionista y productor del divertimento más absoluto y gozoso del año. Cuando uno ya está curado de espanto (y aburrido) de tanta serie B funcional sin fundamento, Whedon y su compinche Goddard logran la carambola perfecta con una deconstrucción genérica para los anales, que en vez de seria y sesuda es ligera y divertida, multirreferencial pero autónoma por sí misma, y tremendamente inteligente y entretenida. Una montaña rusa desenfrenada que no engaña a nadie y que te mantiene en tensión porque nunca sabes cuándo va a llegar el loop. Genial.

03. CHAINED

Le ha costado lo suyo, pero Jennifer Lynch, la hijísima, por fin se ha graduado cum laude como autora, y no me rechisten, porque CHAINED es un peliculón. Si el cine de psicópatas "realistas" ya estaba más que agotado, mrs. Lynch nos reta a una vuelta de tuerca que ahonda en el  novedoso punto de vista de la historia, convirtiendo lo que parecía predecible en una malsana crónica familiar sobre la emancipación  adolescente. Elegante y cadenciosa como ella sola, minimalista sin caer en lo teatral, muy dura cuando ha de serlo, CHAINED consagra a su directora, y las magras carnes de Vicent D`Onofrio nos regalan la segunda mejor interpretación de año.

02. LAST DAYS HERE

Si tuviese que elegir la película que más me ha emocionado, de verdad, éste año, sería LAST DAYS HERE. Demostrando de nuevo lo lejos que puede llegar un documental cuando hay talento e ideas claras detrás, esta crónica sobre la reciente etapa vital de Bobby Liebling, cantante de los Pentagram, cala muy hondo y remueve la patata. No hace falta ser un hard rockero de pro para disfrutar de esta joya total, que tiene la inteligencia de tratar esta increíble historia como una ficción en su estructura, manteniendo la tensión y el suspense hasta el final. Emocionante, vital, sincera, dura, tierna, amor y muerte resonando a la vez en la pantalla. Indispensable.

01. MOONRISE KINGDOM

Y finalizamos la lista más ecléctica de la historia de este blog con, sin duda, la cosa más hermosa del año. Si en 2011 el puesto alto del podium fue para esa obra maestra bárbara y brutal titulada THE WOMAN, 2012  se despide con una película luminosa y transparente, una fábula infantil que es pura vida y puro cine, que habla de asuntos esenciales de la existencia con la ligereza de una pluma revoloteando en la brisa del atardecer. Si Wes Anderson ya era uno de los cineastas más interesantes del panorama, MOONRISE KINGDOM supone para un servidor su película más redonda hasta la fecha, un relato coral de una calidez y una sensibilidad propias de un tipo que, ahora sí, ha logrado imprimir su mirada en cada fotograma sin necesidad de subrayados ni excesos, con una plástica visual única, una sabiduría vital digna de los grandes y una perpetua sonrisa en los labios. Gracias.


PD: ya sabéis que esto no es todo, amigos. En breve, las habituales DELICATESSEN y, por supuesto, los grandes chascos del año. Sigan atentos a sus pantallas...

FRANKENWEENIE/EEUU/2012

Nos damos un respiro del sr. Argento para encarar la última película de Tim Burton, que recordemos este año ha estrenado también DARK SHADOWS, dos pelis, algo insólito. Añorado regreso al que fue su segundo cortometraje homónimo, todavía acurrucado entre los senos de Disney, Burton parece consciente de la preocupante pitopausia creativa que atesora desde hace ya unos años y vuelve la vista atrás, quizás hasta llegar a aquel muchacho de pelambrera imposible cuyo talento incontrolable le salía por todos los poros. Transmutando la imagen real por animación stop motion pero manteniendo un primoroso blanco y negro, Burton consigue lo que ya parecía imposible: recuperar el brío y las ganas de hacer cine yendo a lo más básico, a lo que, seguramente, le alimentó desde la más tierna infancia: las películas de monstruos. Porque amigos, FRANKENWEENIE es una película-declaración de amor, rubricada por un cuarentón que, esta vez sí, filma a corazón abierto, dando la espalda a vistosos espectáculos vacíos y artificiosos como su inerte ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS. Ese regreso a los orígenes de la pulsión creativa se siente en cada fotograma de esta hermosa, emocionante y triste película, una especie de altar funerario levantado para rendir pleitesía a todos los monstruos (Vincent Price incluido, ¡cómo no!) dentro de una película pequeña, muy alejada de los alardes  técnicos del cine animado de hoy día, que incluso se atreve a apostar por una animación tosca e imperfecta, pero que engarza con hilo de oro con la calidez y humanidad, con el pálpito sincero que Burton estaba buscando desesperadamente. FRANKENWEENIE está llena de detalles geniales y un diseño de personajes fabuloso, del protagonista al último secundario, tan inquietantes como deben ser, tan desconcertantes como esa especie de niña zombie y su gato mesmerizado, que predice el futuro con sus cacas, tan único como alguna vez fue este genio del cine moderno que aquí abraza un cine añejo y de sombras cadavéricas, pero preñado de humildad y, repito, de pasión reencontrada. Los que ya estaban cavando la tumba de Burton pueden guardar picos y palas. Sin estar a la altura de sus obras maestras, FRANKENWEENIE es la mejor película de Tim Burton en años, y sólo eso ya es motivo de júbilo. Gracias.

- Lo mejor: el particular tono de la película, tan personal e intransferible, esa mirada tan única que no percibíamos, seguramente, desde ED WOOD

- Lo peor: un guión de John August que, mediada la película, pone el piloto automático y no está a la altura de todo lo demás

  CABEZAS

Roberto-Argento, dando palos de ciego

CUATRO MOSCAS SOBRE TERCIOPELO GRIS es una de las más olvidadas de Dario Argento, y, según él, una de las más personales, a varios niveles. El final de la célebre Trilogía de los Animales es, desde luego, la más abstracta, oscura, irregular y osada de las tres y, con diferencia, la de más difícil digestión al primer mordisco. Quizás algo confuso por el resultado final de EL GATO DE NUEVE COLAS, demasiado americanoide a sus ojos, demasiado lastrada por los recursos del relato policíaco al uso (aunque esto es bastante relativo), presto como siempre a la hora de sorprender y experimentar, el cineasta romano se quedó pero bien a  gusto.

¡Sonría al asesino!

En realidad crónica de una tormentosa relación de pareja, retorcida e incluso perversa, Roberto, el protagonista de CUATRO MOSCAS... no es más que un alter ego, hasta en lo físico por las pintas, del propio Argento de entonces, y la chica, crucial en la trama, una traslación de su compañera sentimental, una relación que durante el rodaje ya era tormentosa y que terminó nada más estrenar el film, cosa bastante lógica una vez vista la peli... Pero dejemos a un lado la crónica rosa, amigos. Argento abandona la importancia de la trama per se y se abandona a la experimentación y a la búsqueda de la abstracción formal, tratando de darle a su película una pátina onírica, una especie de juego de muñecas rusas del subconsciente. Buen intento que, lamentablemente, sólo funciona a ratos, sobre todo por la desconcertante (aunque muy divertida) inserción de sus habituales secundarios cómicos, rozando aquí el surrealismo. Sólo así se puede entender a un personaje que se llama Dios (la primera vez que aparece suenan dos "¡Aleluyas!") y que interpreta... ¡Bud Spencer!, o la de su compinche El Profesor, su freak ayudante, por no hablar del cartero (infumable) o Gianni (estupendo Jean-Pierre Marielle), el atípico, inteligente y encantador detective privado gay, a años luz del prototipo macho-man alcoholizado de gatillo fácil, que supongo fue la respuesta de Argento a las ridículas acusaciones de homofobia que algunos progres cegatos  no cesaban de lanzarle a costa de determinado personaje de su anterior obra.

Bud es Dios, Argento su profeta

La otra parte de tan esquizofrénica película, como decía, quiere destilar los elementos del thriller policíaco hasta dejarlos en su mínima expresión, una especie de giallo envasado al vacío en el que, por vez primera, su protagonista es la víctima potencial del asesino desde el minuto uno y todo gira en torno a él. Aunque resulta raruna la pasividad inicial de Roberto ante un peligro inminente tan chungo (el tipo pasa buena parte del metraje como alelado), en cuanto se pone en movimiento la cosa gana enteros, sin abandonar nunca la sensación de claustrofobia y de somnolencia, como una pesadilla a cámara lenta. Por supuesto, la película está punteada por unas cuantas set-pieces en las que su cámara psicológica y el abrupto montaje brillan: la brillante secuencia de introducción, montaje paralelo en un ensayo (Roberto es músico de un grupo de rock progresivo, anunciando ya la sonoridad de unos Goblin que estaban a punto de aparecer), que utiliza el flash-foward y anticipa incluso la obertura de ROJO OSCURO (con telones rojos y teatro en ruinas); la muerte de la sirvienta de Roberto en el parque, con una angustioso tratamiento del espacio (hasta emparedar casi literalemente al personaje); ese movimiento de cámara imposible que une víctima y asesino mediante el hilo telefónico: eso no son formas, son alardes. Para rematar, Argento, tras una epatante "explicación" (discutible), congela el tiempo en la última muerte de la función, con una violencia al ralentí de una plasticidad casi líquida. Fallida aunque interesante, CUATRO MOSCAS SOBRE TERCIOPELO GRIS, muy asimétrica pero con momentos deslumbrantes, Dario Argento seguía con su pertinaz carrera hacia sí mismo, y cuya primera meta, su primer triunfo sin paliativos, ya estaba llamado a la puerta...


- Lo mejor: la osadía de la propuesta y las ganas de búsqueda y experimentación

- Lo peor: las dos películas tan distintas que contiene, que se dan de hostias entre sí

  CABEZAS

Muy animado tras el lógico pelotazo de EL PÁJARO DE LAS PLUMAS DE CRISTAL, Argento no tardó ni un año en escribir y rodar su siguiente proyecto, siguiendo de cerca el modelo (su modelo) que tan bien había funcionado en su ópera prima. Así pues, seguimos en los mismos parámetros de ese "refundado" género, el giallo, una fórmula ganadora a la que se añadieron nuevos elementos. Rodeado ya de cierto prestigio y decidido a no dejar pasar la mínima oportunidad, el bueno de Dario consiguió para su segundo film a la primera estrella norteamericana de su filmografía: Karl Malden, uno de los grandes aciertos de la peli junto con la sugestiva y enervante música de Ennio Morricone, que repite. Aunque en un primer vistazo EL GATO DE NUEVE COLAS pueda parecer algo plana en comparación con la anterior, bajo la superficie esconde unas cuantas excentricidades. Tirando del hallazgo de la pareja de investigadores (rollo paterno-filial) que tan bien funcionaba en EL PÁJARO..., la cosa aquí se convierte en algo más bizarro: un viejo periodista ciego amante de los enigmas y los crucigramas, junto con su pequeña  ahijada huérfana, se asocia con un joven periodista con apariencia de surfero californiano (el adonis setentero James Franciscus) para desentrañar una enrevesada trama de espionaje industrial, crueles asesinatos e imposibles teorías genéticas.

La extraña pareja

Tan entretenida como todas, punteada por los ya imprescindibles momentos cómicos otorgados por los secundarios, aquí en la figura del barbero, en una curiosa secuencia que bascula entre la tensión y la parodia, y sobre todo en la figura del amiguete cerrajero de imposible bigotazo y pelazo setenteros, EL GATO... hace referencia a las nueve pistas que los intrépidos protagonistas han de aclarar, paso por paso, acosados por un asesino que, por vez primera, será doble. Pasándose por el forro la coherencia narrativa en más de una ocasión, la sucesión de escenas de impacto, ya sea por la vía bruta (hay un par de asesinatos que ya, poco a poco, van elevando el listón de violencia), por la vía tensa (el crimen interruptus del vaso de leche, que bien podría haber firmado Brian De Palma), por la vía romántica (el forzado affaire entre el adonis y la moza liberal), por la vía cómica ya mentada, por la vía trepidante (la improbable persecución callejera, uno de los escasos tiroteos de su filmografía) o, directamente, por la vía desconcertante, como en la larguísima escena en el cementerio, guiada por un prescindible McGuffin puramente hitchcockiano que resulta ser la primera sequenza lounga de su carrera: un secuencia que podría haber durado dos minutos pero que Argento tensa y estira hasta el límite, una especie de entidad independiente dentro de la propia peli con su propia presentación, nudo y desenlace (impactante esa mirada enloquecida de Malden transformado en espadachín) y que ya será una constante en su cine. Así es imposible aburrirse amigos.

Franciscus, profanando

Por supuesto, un análisis más riguroso de la película deja al descubierto su endeble construcción argumental: algunas cosas suceden porque sí, otros elementos están colocados sólo para impactar (la niña, en realidad, sólo está para ser secuestrada) y su tercio final parece metido con calzador, demasiado apresurado. Pero no nos importa demasiado. EL GATO DE NUEVE COLAS es un peldaño más hacia la búsqueda de una perfección formal que cada vez estaba más cerca, y el giallo ya era una apuesta segura dentro de la industria italiana del momento. Pero los grandes logros de Argento aún estaban por llegar. Tras el el pájaro y el gato, nos esperaban las moscas...

Resolviendo enigmas en braille

- Lo mejor: la intacta capacidad de Argento para entretener e impactar, como buen trilero, aún sacrificando la coherencia o la verosimilitud, y Karl Malden, claro

- Lo peor: apañada y divertida, pero no genial, quizás sea la más rutinaria y atonal de su Trilogía de los Animales

  CABEZAS

En estas entrañables fechas pre-apocalípticas, en las que uno ya no sabe si es peor que se acabe el mundo o que siga igual, me ha invadido la pulsión de darle un buen repaso a Dario Argento. El maestro de la puesta en escena, el esteta de la muerte, el tipo con los títulos más bellos de la historia del cine. Desde el principio y una por una. Cronológicamente. A ver si soy capaz. Comenzamos, claro, por su ópera prima: 1970 y EL PÁJARO DE LAS PLUMAS DE CRISTAL, arranque de muchas cosas, no sólo de su filmografía, obvio, sino de la llamada "Trilogía de los Animales" y, por ende, de la globalización de aquello que dieron en llamar giallo. Siendo estrictos, sesudos y fumando en pipa, EL PÁJARO DE LAS PLUMAS DE CRISTAL no invento el giallo cinematográfico, mérito que seguramente sea del maestro del maestro, el gran Mario Bava con LA MUCHACHA QUE SABÍA DEMASIADO, de 1963. Definir el giallo es una tarea algo frustrante: por mis partes, me conformo con apuntar que sería una especie de hijo bastardo entre el thriller policiaco de investigación y el terror vertiente psycho-killer (aún sin máscara), cuyo apelativo proviene del color amarillo de las portadas de los bolsilibros de segunda que se publicaban en Italia desde la década de los treinta. O algo así como el equivalente italiano al pulp norteamericano. Pero el giallo, también, se construye con tramas rocambolescas, fondo psicoanalítico (delirante a veces) y una pasión desbocada por la puesta en escena de su centro neurálgico, su razón de ser: el asesinato como inquietante método de acercarse al arte. Hasta seis giallos se estrenaron el mismo año que la de Argento, pero por algo EL PÁJARO DE LAS PLUMAS DE CRISTAL fue, de largo, la película que dio la campanada en su género. Sólo hacen falta sus diez primeros minutos para sentir que hay algo de fundacional en esta película, una especie de génesis formal, de construcción de un universo personal e intransferible, puramente argentiniano, que funcionó como espoleta para que, en lo sucesivo, todos los giallos asumieran esos hallazgos visuales y rítmicos como propios. Y el giallo nunca volvió a ser el mismo, amigos.

Argento, mostrando sus armas

Puede ser que para los más puristas del relato policíaco, ésta película, todas las de Argento, y en general cualquier giallo, sufran el "pecado" de la incoherencia o, como decía Hitchcock (uno de los más grandes maestros de Argento junto con Mario Bava), son "películas de refrigerador": las que se disfrutan enormemente en el momento pero que, un par de horas después, cuando vas a la nevera a doblarte una birra, comienzan a asaltar las dudas y agujeros en el guión. A mí eso me la sopla. Me gusta Argento como un auténtico prestidigitador de imágenes, me pierdo en sus deslumbrantes juegos de manos y no quiero saber el truco que yace detrás de sus paranoias y estilo único. 

La galería de arte: fundacional contacto de Argento con la muerte

Todas las obsesiones de Dario Argento ya están en EL PÁJARO DE LAS PLUMAS DE CRISTAL en estado embrionario. Sam (un simpaticote Tony Musante) es un guapetón novelista norteamericano venido a menos que se gana la vida escribiendo sobre ornitología en Roma. Casualmente (y la casualidad, mucho más que la causalidad, es una de las constates de la obra de Argento), al pasar frente a la cristalera de una galería de arte (el cristal y el arte, de nuevo presentes en cada película del italiano) presencia lo que parece una tentativa de asesinato: una misteriosa figura de negro trata de apuñalar a una joven. De pronto encerrado entre la puerta y la sala, en una especie de pecera en la que se convierte en mero espectador, consigue salvar la vida de la chica a cambio de que la suya abandone su burguesa comodidad, su perezosa relación de pareja y se sienta empujada, sencillamente, por la  atracción de la muerte misma. Esta secuencia primeriza, casi el arranque de la película y de su filmografía, es un prodigio total. Su manera de encuadrar, de estirar el tempo narrativo, su tremenda virulencia a través del extraño ensamblaje de planos, su exasperante tendencia a alargar imágenes que cualquier otro habría cortado sin pensarlo, toda la potencia expresiva de Argento ya está puesta sobre la mesa. Desconcertados como Sam, ya estamos inmersos en una entretenidísima investigación en la que los cadáveres (mayormente mujeres) se van acumulando, todavía lejos de la violencia explícita que llegará con ROJO OSCURO, pero donde el asesinato con arma blanca (importante: Dario, como buen cavalier, desprecia las armas de fuego) ya se aproxima a una especie de ritual sacrosanto, igualando la mirada del espectador con la del asesino, con esa cámara subjetiva (que Dario llama "cámara psicológica") que nadie como él sería capaz de articular a lo largo de toda su trayectoria. A Sam le ayuda el inspector Morosini (uno de los personajes-guía que serán frecuentes más adelante, en relaciones paterno-filiales con los siempre jóvenes protagonistas) y los peculiares secundarios que se convertirán en habituales, pequeños delincuentes/outsiders que aportan excentricidad y raruno sentido del humor al cotarro: aquí Alpinista, el entrañable recluso tartamudo, y el estrambótico pintor. 

Sam y el devorador de gatos (¡!)

Apasionante juego del gato y ratón con el asesino, en los que los sospechosos van cayendo brutalmente y el protagonista esconde una pista crucial en su subconsciente (otra constante que pone en solfa la percepción objetiva de personajes y espectadores, treta sublimada más tarde en ROJO OSCURO), EL PÁJARO DE LAS PLUMAS DE CRISTAL es una película, insisto,  fundacional, y que ya se divierte muy mucho al tensar la cuerda entre las expectativas del respetable y las vueltas de tuerca de la historia. Y ojo, con música de Morricone y fotografía de Storaro, casi nada. Un pequeño clásico que sólo sería el primer paso, amigos...


- Lo mejor: toda la obra de Argento ya está en gestación en esta gran película de misterio y muerte, enigmática y fascinante

- Lo peor: su torpe epílogo explicativo-psicoanalítico, imitación del mítico de PSICOSIS, pero que aquí sobra por completo

  CABEZAS

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