SESION

LO PEOR DE 2011 (y otras hierbas)

2012-01-29T20:09:00.003Z

Con la celeridad que me caracteriza, agonizando ya enero, vamos con la segunda parte (y última) del resumen del año pasado. Ahora toca activar el modo caos. Aquí cabe desde una horda de pequeñas (y grandes) delicatessen que no se deben dejar pasar, hasta el grupúsculo de las que yo sí he dejado pasar, pasando por los truños más gordos del año, debidamente categorizados. Sin más dilación, entramos en el primer bloque, algunas de las cuales, sin problemas, podría ir dentro la lista de las 10 mejores a la vez que en las peores, seguramente. Cosas de SESIÓN GOLFA. Todas ellas, por supuesto, altamente recomendables, y algunas de ellas ya comentadas en el blog, pinchando en sus posters. Por supuesto, hubo otras destacables o recomendables, pero aquí tenéis mi lista, sin orden ni concierto:

8 DELICATESSEN

HOBO WITH A SHOTGUN

Cuando el cine grindhouse y las midnight movies parecían condenadas a la fugaz y efímera reivindicación de los Tarantinos/Rodriguez o a la caterva de heces serie Z sin fundamento, llega este HOBO y te encañona para poner las cosas en su sitio. Mucha mierda es lo que hay. Película cerda, enervada, de texturas alucinógenas, furiosa y demente, bastarda entre una de la Troma y las de justicieros callejeros: irresistible. Apta sólo para paladares exquisitos, con un nivelazo ético y estético que la eleva por encima de todas las de su liga, HOBO es y será, también, la jeta de un Rutger Hauer inmenso, bestial, su mejor papel desde que puso carne a aquel mítico Nexus 6.

STAKE LAND
Jim Mickle es un crack. No me canso de recomendar su MULBERRY ST, pero con STAKE LAND sube el listón. Road movie apocalíptica en un mundo infestado por vampiros rabiosos (muy cerca del zombie moderno y trotón), historia de iniciación y amargo canto a la esperanza, esta "tierra de la estaca" supera a las que juegan en su misma liga (miriadas de series B insustanciales con la invasión zombie como reclamo) por su tono y su aspecto indie. Porque STAKE LAND es una peli realmente muy triste, por momentos desoladora, en realidad un jodido drama existencial, jugarreta que, en el buen sentido, Mickle nos cuela con su apariencia de género estándar. Sólida como una roca, carismática, intensa. Hermosa.

RANGO
En el conservador mundillo de la animación a veces pasan cosas. Con Pixar bajando el pistón, Dreamworks a lo suyo y Blue Sky tirando a rebufo, mediocre año para los píxeles animados, llega este camaleón tan friki como parece en la peli familiar más marciana del año. Tampoco es que sea revolucionaria, pero la intención de Gore Verbinski y los suyos de alejarse de todos los citados es admirable, y a ratos brillante. Sólo así puede entenderse las constantes citas cinéfilas y contraculturales (desde el spaghetti-western hasta Hunter S. Thompson, oiga), el estrambótico diseño de personajes, la construcción delirante de algunos de sus gags y su cuidadísimo tratamiendo de la luz y las texturas. Una atrevida virguería.

CARNE DE NEÓN
O cuando la copia casi roza a sus referentes. Paco Cabezas, señor al que SESIÓN GOLFA le tiene especial cariño, guionista/director de nuestra generación, se desquitó a gusto en 2011 con CARNE DE NEÓN, puesta de largo (literal) de un corto previo. Guy Ritchie + Mr. Tarantino son sus únicas influencias (mas unas gotas Almodóvar), a las que magrea con furia y empuje en esta comedia negra de balas perdidas, redención, violencia y sarcasmo, ingobernable joyita que logra identidad propia más allá de las evidencias. Mención especial para una estratosférica Ángela Molina y Mario Casas, el único actor joven rescatable de esa panda de efebos televisivos de los que soy incapaz de distinguir unos de otros.

ATTACK THE BLOCK
Ni SUPER 8 ni PAUL, la ganadora retro-ochentera del año es esta modesta delicatessen inglesa que logra destilar por los cuatro costados ese estilo tan de moda ahora, antes despreciado. La falta de pretensiones y la sencillez son sus mejores bazas, una aventura adolescente que mira de reojo a los 80 pero que, por ese brillante retruécano del guión, resulta actual y, ¡aleluya!, con subtexto inquietante, sin perder su encantador aliento inglés y rindiendo pleitesía tanto a LOS GOONIES como al maestro John Carpenter. Hasta cuando los marcianos invaden la Tierra, los que pierden siempre son los mismos. Lo dicho, una delicia macarra que ya ha colocado a Joe Cornish (también coguionista de TINTÍN) en el mapa.

ANOTHER EARTH
Cambio de tercio para una muestra de eso que llaman hard sci-fi (jaaarl: ciencia ficción de concepto, sin efectos), que se confronta con todo aquel que piensa que es un género que sólo aspira a la evasión. Por lo tanto, aviso, el pistón narrativo baja hasta ritmos comatosos e intimistas, buscando la contemplación y la reflexión, en una película que no sé si es un drama con disfraz de género o todo lo contrario. De hermosísima factura visual y andares indies, su lento devenir hacia el corazón humano, multiversos mediante, se beneficia, además de por un polémico final (para mí impecable en su sencillez), por la sentida y sutil interpretación de Brit Marling, también coguionista del film. Una preciosa miniatura cinematográfica.

SECUESTRADOS
El cliché del asalto violento a un chalet de lujo ya es un subgénero dentro del thriller, a veces jugando con el terror, torture porn mediante. Sobre todo desde que Michael Hanneke lograse la beatificación crítica con sus dos FUNNY GAMES. Desde entonces, miriadas de films de idéntica estructura han campado a sus anchas, la mayoría puras explotations-basura, pero algunos, como LOS EXTRAÑOS o ésta, pequeñas joyas de orfebrería visual. Un tour de force de Miguel Ángel Vivas tan intenso, brutal y enervante que quita el aliento. Montado alrededor de seis o siete planos secuencias, sus alardes narrativos funcionan como una jodida espoleta hasta que todo estalla con ese final, sencillamente, atroz. Una obligación para los estómagos y corazones más curtidos.

SED DE VENGANZA
Con semejante título y el careto de Dwayne "cachocarne" Johnson en portada, lo lógico es salir huyendo en dirección opuesta. ¡Craso error! FASTER (su mucho mejor título original) es el reverso anabolizado de DRIVE amigos, ideal para zamparse en una sesión doble los dos mejores thrillers del año. Obviamente, ésta tira más por el desenfreno y la acción pura (y tan pura que la cosa se pone abstracta, hasta en el nombre de los personajes), lo que no impida que nos encontremos con una peli sólida y maciza como su protagonista, directa y al grano, cojonudamente rodada y de trepidante ritmo, y que ofrece hora y media de disfrute sin complejos. Hacedme caso.

Pasemos ahora a lo que muchos buscan con sano sadismo: lo peor del año. Como siempre, advierto: aquí no hay pelis malas per se. Paso de las comedias de Adam Sandler, el último horror de ardillas parlantes, las peripecias de pijas de shopping en Nueva York, gores de serie Z que ya se gestaron desde el vertedero, historias de sonrojantes vampiros pedorros aficionados a la castidad o chuscas comedietas patrias con policías grasientos. Que el infierno se las trague. Aquí van esas películas que, teniendo potencial o atractivo a priori, les ha salido el tiro por la culata. Debidamente premiadas.

LO PEOR DE 2011

Premio "Colesterol a paladas" para...
CONAN EL BÁRBARO

Normal si el encargo se lo hacen al inútil de Marcus Nispel, que nunca dice "no". El intento de "actualizar" algo tan potente como el Cimmerio naufraga en desastre total entre bostezos, cámara con Parkinson, guión de dos páginas y peleas a lo Street Fighter, con el obligatorio despiporre digital saltarín. La destrucción de la puesta en escena. Larga, reiterativa y aburrida, sonroja ver a un Conan enamoradizo (¿?) soltando gilipolleces a la luz de una hoguera (???). Si acaso, salvar entre tanto colesterol fílmico la siempre gratificante presencia de Ron Perlman. Muchachada, ¡que no os engañen estos mequetrefes repeinados de Hollywood!. Jovenzuelos nacidos en los 90, tirad de redes y haceos con la obra maestra de John Milius y Schwarzenegger. ¡A la voz de ya!

Premio "Truño con tentáculos" para...
LA SOMBRA PROHIBIDA

Si fuese una trilogía, fijo que la tercera ya tenía su puesto entre lo peor de 2012. Afortunadamente, mortales, la cosa se quedó en dos. Gracias. Es difícil describir con palabras la alta traición que Jose Luis Alemán ha perpetrado con el universo del maestro de Providence. Es difícil hacerse una idea de lo mal que está todo en esta película. Y lo que es peor: es difícil siquiera pensar en una distancia mayor entre pretensiones y resultados. Eso si que es terror abisal, angustioso y cósmico, no este folletín sectario de bolsilibro, de demencial guión, seriedad impostada, dirección de teatrillo de parvulario y unos diálogos... ¡qué diálogos! recitados por unos actores... ¡qué actuaciones amigos!. Terrorífica.

Premio "¿Pero en qué estabas pensando?" para...
THE WARD

Esta duele. Que la peor película de uno de tus directores-fetiche sea la última, y sobre todo después de siete años en el dique seco... duele. Ignoro si rodada por obligación o por devoción, pero aquí el maestro John Carpenter tan sólo roza el aprobado, seguramente la única mancha negra de una filmografía intachable y admirable. Carpenter se apunta a la moda de fantasmas en un manicomio y a los giros de guión imposibles y finales epatantes, pero le sale una cosa amorfa sin garra ni nervio, muy fofa en sus secuencias de suspense (incomprensible), pero que al menos regala algunos destellos de ese genio y elegancia como narrador que, esperemos, no haya perdido para siempre. La decepción más gorda del año.

Premio "¡Que vienen los comunistas!" para...
INVASIÓN A LA TIERRA

Este pedazo de mierda hollywoodiense es tan anacrónico, reaccionario, pro-bélico, estúpido en esencia e imperialista de facto que cuesta creerlo. Una especie de viaje mental sesenta años atrás, a plena guerra fría, tratando de mimetizar aquellas pequeñas delicias fílmicas patrioteras e inocentes que hacían creer a los espectadores texanos que sus USA eran el ombligo del universo, y todo lo demás un peligro para el sacrosanto "american way of life". El problema es que estamos en el s. XXI, amigos. Pues supongo que esos rednecks endogámicos han debido pasarlo teta con este panfleto sonrojante, carente de cualquier atisbo de ironía o inteligencia, a la vez que se masturbaban con el programa del Tea-Party en la otra mano.

Premio "Que nos la dan con queso" para...
SUPER 8

Paradigma de película con todos los ingredientes para ser grande, que ya es una obra maestra antes del estreno, y que después se desinfla como un gurruño. Que si J.J. Abrams es un visionario moderno, que si Spielberg le produce el juguete y le da su bendición, que si os enseño un trailer soberbio lleno de sugerencias... SUPER 8 es un perrillo mojado que te mira todo el rato con cara triste, suplicando tu cariño porque sabe que te recuerda a ese otro que tuviste en tu infancia. Una fotocopia escaneada que, si sólo hubiese aprovechado alguna de las ideas que maneja, hubiese sido puro gozo. Pero no. No basta con jugar sólo con los recuerdos del respetable. Además hay que hacer una buena película. Y SUPER 8 es el triunfo del mercado. Nada más. Si queréis recuperar ese cine que tanto reivindica Abrams, tenéis ATTACK THE BLOCK.

Y otro año sin una ración de LYNCH que llevarnos a la boca...

Finalizo ya la parrafada con un listado a botepronto de todo aquello que se me ha escapado en 2011, que tengo pendiente y que, espero, vosotros completéis debidamente con vuestra sabiduría y recomendaciones. EVA, la opera prima de Kike Maillo; NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS, de Enrique Urbizu; HUMAN CENTIPEDE 2, del puerco de Tim Six; EL TOPO, del sueco que nos regaló DÉJAME ENTRAR; VERBO, salto al largo de Chapero-Jackson; LIVIDE, de los responsables de aquella barbaridad llamada A L´INTÉRIEUR; THE GREEN HORNET, o Michael Gondry con una de superheroes... Y aquí termina mi repaso a lo más granado de 2011. Gracias por pasaros, malandrines.

AGES OF MADNESS en SCIFIWORLD

2012-01-22T13:45:00.000Z

Así es amigos. Los camaradas de SCIFIWORLD, recordemos, única revista especializada en el género fantástico que se publica en España (y una de las mejores del planeta) incluyen en su nº 46 (febrero) un reportaje de 5 páginas e ilustrado sobre AGES OF MADNESS, proyecto muy conocido por estos lares, inspirado en el universo literario de H. P. Lovecraft, que incluye entrevista a Darío Sánchez (productor ejecutivo), Helio Mira (guionista y director) y un servidor golfero. Con el orgullo y el subidón que me provoca que aparezca en portada al lado de un titán como Phillip K. Dick. Ya disponible en vuestros kioskos preferidos, ¡por los tentáculos de Cristo!

MEGAUPLOAD cerrado

2012-01-20T15:11:00.001Z

Las SS del FBI de los USA ha decidido dar matarile a Megaupload, el sistema de almacenamiento de archivos que, se estima, movía cerca del 4% de flujo de información en Internet. El gestor que todos hemos usado decenas de veces en nuestras actividades online, para muchos la base operativa del libre uso y desarrollo de sus blogs y webs. A la mierda con toda esa información, y con buena parte de los blogs asociados, imagino que pretenden. Cuidadito que ahora vamos en serio, mascullan. La vil excusa es la de siempre, tan chapucera y farisea que ni siquiera merece la pena recordarla, razonamientos bastardos que sus homólogos en todos los países no cesan de aplaudir, obedientes, babeantes. Lo interesante del asunto es por qué aquí y ahora se han dado tanta prisa en actuar bajo el amparo de la llamada ley SOPA (que me descojono oiga). Qué efectiva es la "justicia" cuando interesa en los grandes despachos. Nos venden la moto y la imagen, porque entra muy bien por los ojos y es tope correcta y pintoresca, de un gordito sonrosado yanqui haciendo ostentación de sus jets privados y botellas de Moet Chandon, el tal Kim Schmitz, el gerifalte de Megaupload, por supuesto, que se ha hecho de oro robando a pobres músicos y cineastas que ahora, los pobres, no tienen dónde caerse muertos. El cuentecito habitual para asustar a niños e incautos. Evidentemente, detrás de esto (y lo que está por llegar) sólo subyace una idea: control. Control sistémico desde el sistema, que no está bien que el personal, desde los cuatro puntos cardinales del planeta, se dedique a intercambiar vaya-usted-a-saber qué tipo de información, ideas, cultura y reflexión en las afueras del pensamiento único. Piensan que cercenar las conexiones de este libre entramado de inteligencia colectiva, como el que desconecta las terminaciones nerviosas para lobotomizar el cerebro del demente, será un gran paso. Que a los ciudadanos cuya única patria es una entelequia conceptual la ostia de peligrosa les va a entrar el tembleque y, temerosos de que sus subversivos huesos acaben entre rejas, agacharán la cabeza. Resumiendo: ni puta idea de qué va todo esto. Recordad Napster, amigos. Son tan estúpidos que ni siquiera entienden lo que pretenden censurar de raíz. O quizás ya son conocedores de su potencial, y esa es la razón del machetazo. Maniobra tan chapucera que sólo ha conseguido, a corto plazo, el inmenso cabreo de millones de cibernautas y blogueros, nada más. Desde SESIÓN GOLFA, mis ánimos para todos estos colegas agraviados, que somos todos, sabiendo que, desde ya, están maquinando nuevas formas de sacar adelante sus rincones virtuales. En todo el planeta. Nuestro siguiente paso ya se está gestando. Ahora mismo.

Para terminar, interesante recuperar MANIFIESTO CYBERPUNK publicado en 1997, cuando todo esto no era más que una idea dando sus primeros y balbuceantes pasos. Una idea. Qué peligro.

LO MEJOR DE 2011

2012-01-15T13:16:00.000Z

Ya era hora...

Diversos menesteres me han obligado a estar lejos de este cochambroso cubículo, con el retraso (mental) consiguiente, que todo el mundo ya ha publicado la suya. Que nos gustan las listas más que a Garci una ventana con lluvia y una mirada bobina, oiga. Que todos lo sabemos: que las listas rozan lo absurdo en su concepto, y cada vez se me hacen más cuesta arriba, pero que se agradecen como método-resumen para no dejar escapar sensaciones, placeres y escalofríos, vengan de donde vengan. También, en las últimas horas, he recuperado algunas de las que habían pasado de largo, que no eran pocas. 2011 se fue para no volver. Año raruno amigos, hasta en lo cinematográfico, con un primera mitad que fue un erial y una segunda en las que los títulos apetecibles y apetitosos se fueron amontonando sin piedad, hasta su mismita recta final, en una agonía de buen cine para recordar. Año, a diferencia de 2010, sin taquillazos de calidad (apenas hubo un blockbuster decente que llevarse a la boca en verano). Muchos de los grandes no han estrenado este año tampoco, así que nos hemos refugiado, para variar, en festivales, tierras lejanas y la bendición de la red de redes, que sigue facilitando el acceso a verdaderas gemas relucientes que tarde o nunca llegan por vías "oficiales" a estos lares, lo que nos impide disfrutar en pantalla grande de muchas que sí lo merecen, tal es la ya crónica enfermedad de los distribuidores españoles: la ceguera, la idiocia y la falta de riesgo. Resaltar también que la convulsa existencia sobre la Tierra ha hecho que muchos autores levanten su mirada hacia los cielos, literalmente. Muchas de ellas ya fueron comentadas, así que si queréis leer más, probad a pinchar en los posters. Y por último, malandrines, agradeceros a todos/as vuestro interés, participación y riqueza verbal con esta SESIÓN GOLFA, parte de eso que entre todos vamos construyendo y que por ahí llaman inteligencia colectiva. Porque si no, todo esto no sería más que un estéril acto de onanismo. Así pues, vamos al lío.

10. IMMORTALS

El pobre Tarsem no tiene suerte. Hasta en su carrera a cornadas hacia la taquilla se la pega con el muro de la incomprensión. Error. IMMORTALS es la peli mitológica más potente, estética y vibrante de los últimos tiempos, lejos de bodrios como TROYA o FURIA DE TITANES (remake), y un escalón por encima de 300, de la que bebe su esencia y destila todo su potencial. Tarsem es un visionario (de verdad), y nos regala algo comercial pero raruno, kitsch, supergay (el Olimpo es Chueca en junio), apabullante en su belleza cinética, gore al ralentí que es pieza de museo y secuencias minimal cuasi teatrales. No se merece el olvido entre las miasmas de las multisalas. Rescatadla.

09. MEDIANOCHE EN PARÍS

Fiel a su última costumbre de alternar bodrios con joyas, en 2011 tocaba delicatessen. Cuando acaricia el fantastique, Woody Allen rejuvenece treinta años. Manoseando sus más queridas referencias culturales, pero esta vez sin pedanterías por la cara, haciéndolas carne e insertándolas en una sitcom de época, MIDNIGHT IN PARIS es una comedia deliciosa: ligera, entretenida, moderadamente divertida y con ese encanto especial del amigo Allen cuando está inspirado. Owen Wilson rubrica la enésima representación de un Woody jovenzuelo con gracia y desparpajo, y la peli supura pura vida. Sólo le falta una ración extra de delirio y riesgo con una idea que lo merecía.

08. LA PIEL QUE HABITO

Como Woody, Almodovar insiste: una de cal y otra de arena. Y esta es canela fina amigos. Inmersión algo temerosa en los terrenos del género con mad doctor incorporado (tremendo Banderas), su improbable trama de venganzas cruzadas y experimentos imposibles es tan delirante que acaba enganchando por su gélida mirada, cercana a un Cronenberg aséptico. Aunque con las salidas de tono marca de la casa, algo forzadas esta vez, me regocijo como un mono por el valor del manchego con una de las marcianadas más grandes de su filmografía (y del año) a la vez que le doy collejas por su cierta tibieza, por no haber echado el resto como merecía semejante delirio. Si te tiras a la piscina, hay que mojarse el culo. Del todo.

07. LAS AVENTURAS DE TINTÍN

En el año de "Spielberg hasta en la sopa", adorado y citado sin medida, resulta que la mejor es la suya. Retomando el estilo y el tono que nunca debió perder con el último INDIANA JONES, su visión (definitiva) de TINTÍN, maquinada a cuatro manos con Peter Jackson, es la peli de aventuras del año, género que es cine en esencia y cuyo secreto, pura alquimia, parece que ya nadie controla. Arriesgando con un personaje que en los USA no conoce ni el tato, el ya viejuno maestro se hace un lifting neuronal y recupera felizmente el disfrute por el disfrute, el sentido de la maravilla que pone erecto y algunas incorrecciones políticas que ya creíamos desterrados de su cine. Una gloria.

06. MIENTRAS DUERMES
Relativo cambio de registro en Jaume Balageró, película de suspense con todas las letras que abandona momentáneamente sus registros más oscuros y explícitos para abandonarse al elegante mal rollo, pero sin perder ni un poco de su sordidez, su sarcasmo soterrado y su mala leche. Obra "de cámara" en todas sus acepciones (por su minimalismo y por su exacta y estilizada puesta en escena, magistral), decir que es su peli más hitchcockiana es casi una redundancia. Ese ogro nihilista, omnipresente en la narración, que encarna con su habitual perfección Luis Tosar, será uno de los personajes que recordaremos en el 2011.

05. DRIVE
Para un servidor, el danés Nicolas Winding Refn es la sorpresa de 2011. Con una nutrida filmografía a descubrir (me pongo ya con VALHALLA RISING), DRIVE es el thriller del año. Una peli de persecuciones sin persecuciones, extraña, dura, estilizada, muy atmosférica, tan hiper-romántica en su esencia (magnética la pareja protagonista, ejemplo de eso que llaman "química") como descarnada en sus estallidos de violencia, ambas facetas en perfecta simbiosis en la escena del ascensor, para recordar. Película que mira de reojo a clásicos de los 70 y 80 (con ese trasunto de Steve McQueen que resulta ser Gosling) pero que logra levantarse con orgullo, talento y mirada propia.

04. EL ÁRBOL DE LA VIDA
Hacía años que no presenciaba la huida de espectadores en plena proyección. Atraídos por la jeta de Brad Pitt en el cartel, estos incautos, nerviosos y de risa floja, se rindieron del todo cuando Terrence Malick nos encasqueta esa pieza sinfónica, pura poesía, que visualiza el origen de la vida en el universo en medio de un melodrama familiar. Efecto lisérgico que desarma las defensas del respetable, sólo comparable al 2001 de Kubrick, todo y parte de una obra mayúscula, suicida, monumental, inabarcable en un primer visionado (pero también irregular y discutible en su fondo), que busca la trascendencia en medio del ruido existencial que nos tapona las neuronas, pasándose por el forro todas las convenciones.

03. MELANCHOLIA
El ser ladino y oligofrénico que responde al nombre de Lars Von Trier sigue en sus trece. Esta vez se aleja del esputo en la cara para volverse mucho más sofisticado, esteticista y, claro, melancólico. Crónica de un doble Armageddon, ese que va de lo íntimo a lo universal, el danés chiflado se revuelca cual chamán misántropo en el fin de todas las cosas, escarbando en las miserias (¿y grandezas? ¡oh cielos!) de un proceso depresivo capaz de tumbar a un elefante, divide la película en dos bloques diferenciados, casi antagónicos (tengo colegas que adoran uno y repudian el otro) y regala al querubín de Kirsten Dunst el papel de su vida. ¿Su mejor película? Probablemente.

02. CONFESSIONS
Nunca falta como mínimo una oriental en esta lista, año tras año. El nivel medio de esta gente es notable, pero es que de vez en cuando sobresalen maravillas dentro de una industria ya de por sí espectacular. CONFESSIONS es una película única, sin parangón posible. Obsesionados con el asunto de la venganza, Tetsuya Nakashima, cuya carrera siempre ha discurrido por ambientes teenagers, no abandona el contexto (un instituto) pero le da la vuelta a casi todo mediante los múltiples puntos de vista y voces en una historia compleja, fascinante e hipnótica, tocada por la mano de la genialidad absoluta en su magnética visualización, que trasciende el término audiovisual para llevarlo a las más altas cotas de poesía en movimiento. Imprescindible.

01. THE WOMAN
La mejor película de 2011 es una peli de género con momentos gore. Cima de su joven director, Lucky McKee, un tipo que nadie con un mínimo gusto debe perderse, THE WOMAN es una golosina envenenada con apacible formato indie, tan festivalero y cultureta, pero con la noble intención de tocar las pelotas a dos manos a todo el espectro ideológico, de lado a lado, a los inquisidores habituales y a la progresía mojigata, tratando un asunto espinoso con la furia de un titán. Primero con una mirada afásica y cadenciosa que inyecta poco a poco el mal rollo, sólo para arremeter después contra la civilización occidental como un pitbull rabioso, sin hacer prisioneros, mirando donde nadie quiere mirar y rubricando un final en las antípodas de la corrección. Cine que no busca la evasión, sino la confrontación. Cine de altura. Cine libre. Obra maestra.

Y esto no acaba aquí compañeros. Seguimos desgranando películas en las habituales DELICATESSEN y, por supuesto, las pestilentes PEORES DEL AÑO. Sigan atentos a sus pantallas.

ALAS NEGRAS y... 2012!

2011-12-31T18:25:00.003Z

Mientras ultimo la habitual lista de lo más mejor/peor del año cinéfilo que nos abandona (paciencia, pardiez), fumándome las últimas horas con fiebre y una leve contractura en el cuello (¡lárgate ya 2011!), tengo que hacer un paréntesis y comentaros acerca de ALAS NEGRAS. Proyecto autopublicado de un amigo y antiguo colega de curro, Jose Antonio Bravo (Toni para los amigos), excelso dibujante/ilustrador y especialista en storyboards y diseño de personajes, ALAS NEGRAS es su primer cómic finiquitado. Como la industria comiquera de este santo país tiene pocas luces y se dedican a comprar sagas y reeditar viejas glorias, mirando para otro lado a nuevos talentos indiscutibles, el amigo Toni, ni corto ni perezoso, se ha fundado editorial propia, NONÉMESIS, y se ha lanzado sin red al proceloso mundo de la autoedición. Bravo, Jose Antonio!

Desde SESIÓN GOLFA te aplaudimos y ya estoy disfrutando, en formato físico, de este estupendísimo cómic, espero que el primero de una larga y exitosa lista, porque ni calidad ni talento (ni proyectos) le faltan. No os voy a vender este cómic porque se vende por sí solo nada más echar un vistazo, al azar, a cualquiera de sus detallistas y hermosas páginas en un impactante blanco y negro de las que os pongo un ejemplo.

Estas suculentas 60 páginas ya a vuestra disposición por el increíble precio de 8€ (gastos de envío incluidos), o lo que viene a ser lo mismo, un jodido regalo amigos.

¿Dónde?

Pues ya podéis pinchar en el blog de NONÉMESIS para bichear, y pedir vuestro ejemplar de ALAS NEGRAS en su propio blog, AQUÍ MISMO. No hay excusas y...

... daos prisa porque, como sabéis, el puto mundo se acaba e 2012, así que comenzad a exprimirlo desde esta misma noche.

Nos vemos!

Últimos trailers del año

2011-12-23T22:43:00.001Z

Parece que las grandes distribuidoras se han puesto las pilas en estos últimos días y han sacado a la luz algunos de los trailers más esperados de cara a 2012. Aquí os dejo tres de ellos. Babeando especialmente con PROMETHEUS, amigos.

GREEN LANTERN de Martin Campbell

2011-12-18T14:40:00.002Z

GREEN LANTERN/2011/EEUU

Linterna Verde siempre ha sido un segundón en el universo superheroico yanqui, vertiente DC, aunque si se quiere escarbar goza de algunos elementos curiosos, en especial esa especie de cosmología kitsch que es la esencia misma de su existencia. Un rollete más cercano a las trotonas y ligeras space-operas de Flash Gordon que a las movidas psicopáticas de otros tipos con mallas. Lamentablemente, todo lo bueno del cómic original (que tampoco conozco en profundidad, confieso) se va al garete con esta mecánica, inane, tontísima y sólo ocasionalmente brillante adaptación, comandada por el todoterreno Martin Campbell, un tipo que goza de cierto prestigio que yo no acabo de comprender. Así pues, y porque la Warner sigue en sus trece de competir con la Marvel vía DC Comics, GREEN LANTERN se estrenó con todos los fastos que el "salvador del blockbuster", el 3D estereoscópico, fue capaz de ofrecerle. Película carísima de escaso interés, la cosa comienza con uno de esos prólogos llenos de "money shots" (esos planos en los que el estudio debe demostrar dónde se ha gastado tántos dólares) que nos ponen en situación por la vía rápida, pero que sorprende por su regulera acumulación de efectos CGI, algunos tremendamente cantosos y rudimentarios para un mamotreto veraniego como este. Hasta feos, diría yo. La cosa no mejora cuando entra en acción Hal Jordan, que se configura como un personaje realmente idiota, un supuesto tipo adulto con el encefalograma de un adolescente en celo, que pretende ser simpaticote pero que un guión nefasto le hace pronunciar algunos de los diálogos más sonrojantes del año. Ryan Reynolds, que se pasa la peli quitándose y poniéndose la camisa para exhibir pectorales, poco puede (o quiere) hacer con su desganada interpretación, por no hablar de un Tim Robbins (obligatorio secundario "de carácter") con perenne expresión de estar esperando el cheque. Los discursitos USA de patriotismo-autoayuda de bolsilibro de tercera se suceden sin compasión, rozando el "efecto TOP GUN" en el que el bueno se define como un "tipo de acción" mientras que el malo, científico, por supuesto, es el "tipo de ideas" (sic), y claro, ya se sabe que el pensar en algo más que en ir al gimnasio, salvar el mundo a ostias y tirarse a la titi macizorra puede llevar a la locura. Al menos, el supervillano de la función, bilocado aquí entre la entidad 3D Parallax y el susodicho científico que interpreta con acierto Peter Saasgard, tiene momentos chulos. Por un lado, Parallax tiene planos sorprendentemente lovecraftianos (o será mi obsesión con el tema...), como esa cosa que viaja por el espacio sembrando el caos a su paso, y por otro, el debilucho científico logra elevadas cotas de patetismo y repulsión, sin duda lo mejor de la función. En medio de todo, mucho ajetreo y confusión, diseño de producción horterilla y mucho brillo verde, todo ello envuelto con torpeza narrativa, memez y comicidad infantiloide. Película apresurada e inane que no ofrece nada más que lo que puedes ver en sus trailers. Lo peor con mallas del año.

- Lo mejor: Parallax y el científico infectado

- Lo peor: tonta, sosa, impersonal, torpe, prescindible

CABEZAS

APOLLO 18 de Gonzalo López-Gallego

2011-12-07T16:08:00.001Z

APOLLO 18 / EEUU / 2011

El temita de la primera misión tripulada que pisó la luna, y de las posteriores, ha traído cola. Muchas teorías conspiranoicas desde entonces, en especial estas dos que afirman que:

1. El hombre nunca pisó la Luna. Todo el tingladillo lo rodó Kubrick en unos estudios de la 20th Century Fox a cambio de que la NASA le pasase material reservado para la postproducción de 2001. Conociendo al señor Stanley, me parece una hipótesis más viable que:

2. El hombre sí que llegó a la Luna, y regresó de milagro, pero hasta allí no volvió ni el tato desde entonces porque les recibieron una horda de selenitas destroyers.

Tomando como premisa esta segunda opción, el español Gonzalo López-Gallego consiguió la financiación justa, por vía de los Weinsteins, nada menos, para levantar este falso documental que narra las vicisitudes de dos astronautas yanquis en la inexistente misión que da nombre a su peli. APOLLO 18 es una peliculita apañada, funcional y resultona en sus intenciones, que son parcas: crear tensión y, si se puede, un poco de miedo. Bien contada y sin alardes, aprovechando su ajustado presupuesto al máximo, toda la premisa y planteamiento mola, con algunas secuencias muy logradas (como el descubrimiento de la nave rusa...) pero el principal escollo de la peli es que crea unas espectativas demasiado altas para la resolución final, que se precipita hacia unos estándares demasiado comunes. Mucho más interesante hubiese sido un "enemigo" más inquietante, abstracto, original, unas cuantas dosis más de riesgo y, ya puestos, algo de gore y tripillas para alegrar la función, porque el material de partida lo pedía a gritos. Ayuda, no obstante, su también ajustado metraje a que la cosa no aburra en ningún momentos. Así pues, falso documental apañao para una de esas tardes tontorronas, amigos. No está mal.

- Lo mejor: su crescendo inicial hasta la nave de los soviéticos

- Lo peor: ¿arañas espaciales? ¡Bah!

CABEZAS

ANOTHER EARTH de Mike Cahill

2011-12-05T14:22:00.001Z

ANOTHER EARTH/EEUU/2011

Sitges 2011 todavía colea. Gracias a la inestimable ayuda del amigo alexcore y su imprescindible MELTING MAN, siempre al quite en estas labores (¡gracias man!) he podido hacerme con una prístina, perfecta copia de ANOTHER EARTH, premio a la mejor actriz para Brit Marling (también coguionista, por cierto), que ya venía respaldada por el Premio Especial del Jurado en Sundance. Con estos precedentes, vamos acotando el terreno. ANOTHER EARTH es una de esas pelis de combustión lenta, que sólo tangencialmente toca el género fantástico (ciencia-ficción en este caso), hundiendo su esencia en el drama psicológico intimista. Muy intimista. Cahill hace malabares y parte de dos premisas básicas a priori de difícil simbiosis: tragedia vital (culpa y redención) + teoría de multiversos (o algo así), todo ello resumido en la recurrente imagen que define la película, esa Tierra hermana (¿gemela?) dominando el azul celeste del cielo, paradoja existencial que quiere ofrecer a sus criaturas una segunda oportunidad... ¿o quizás no? ¿Los habitantes de Tierra 2 la llamarán así? ¿O nosotros somos Tierra 2, la imagen especular de la verdadera Tierra, que ahora se muestra en todo su esplendor sobre nuestras cabezas? Canela fina, amigos, cine de ideas sobre artificios (no hay un sólo efecto especial en la peli más allá de esa imagen y el brillo del cabello de la Marling al trasluz) que, insisto, acaricia un drama existencial hermoso y doliente, de detallista factura, sobrias imágenes y escasos diálogos, emocionante de verdad sólo cuando ha de serlo, bañado por un frío romanticismo existencial, cine de personajes y vida, en suma. Ese "otro cine fantástico" que, por poner referentes en este caso, estaría cerca de Julio Medem, Brad Anderson, de mi amado-odiado Wim Wenders o incluso de un Darren Aronofsky hasta el culo de valium. Brit Marling se la juega con una Rhoda que, si bien no destaca en un principio, poco a poco va ganando enteros con una interpretación sutil (algo catatónica), logrando que cada una de sus (contadas) sonrisas iluminen la pantalla. Amor, culpa y redención, autodestrucción, sentimientos telúricos que remueven y conmueven a una adolescente y que Cahill sabe desgranar y explicar sin exabruptos ni alardes por la cara, dando sentido y evolucionando en cada secuencia (atención al emocionante momento en el hospital con su compañero de trabajo). Sin embargo, ANOTHER EARTH no es una película redonda. Gravitan sobre su plácida hermosura algunos tiempos muertos que no aportan demasiado, cierta cosa chunga new-age a ratos (ese piano minimal tan trillado, esos violines dispuestos a hacer saltar la lágrima), además, por supuesto, del discutible y discutido plano final. Si bien en su momento me pareció una cagada, con el paso de las horas he cambiado de opinión: no sólo no es un final abierto, sino que lo veo perfectamente coherente y brillante en su sencillez. Algo que se puede extrapolar a toda la peli, una de esas que crecen y ganan enteros en nuestro interior tiempo después de su visonado. Curioso que EL ÁRBOL DE LA VIDA, MELANCHOLIA y ANOTHER EARTH, tres de las mejores películas de 2011, hayan dirigido su mirada hacia los cielos desde las lindes del fantástico, o lo que es lo mismo, de la imaginación humana. Por algo será...

PD: aunque lo he leído en decenas de webs, ANOTHER EARTH no es la ópera prima de Mike Cahill. Rescatad inmediatamente su anterior peli, EL REY DE CALIFORNIA, si quereis pasar un rato delicioso.

- Lo mejor: su contención, sencillez espartana y tremenda belleza

- Lo peor: por momentos puede parecer un corto algo estirado

  CABEZAS

AGES OF MADNESS: arranca el proyecto

2011-11-29T16:31:00.001Z

Amigos, hoy toca un poquito de autobombo, pero la ocasión bien lo merece. Ayer arrancó oficialmente el periplo mediático de AGES OF MADNESS, nuevo proyecto-contenedor de Lince Studios y Magic Gate Studios. Aquí os presentamos su primer teaser-poster...

Los habituales a esta casa les sonará HELEN (el corto). Bien, pues sin desvelar demasiado, sólo debo comentaros que HELEN (el corto) es el aperitivo, breve prólogo, parte integrante de AGES OF MADNESS (el largometraje), un ambicioso proyecto a todos los niveles con el que pretendemos hacer justicia (al fin) al universo del genio de Providence: H.P. Lovecraft. Además, por vez primera, en animación 3D estereoscópica. Advierto: AGES OF MADNESS no será una adaptación literal de ninguno de sus relatos, sino una inmersión en su corpus creativo y universo literario a través de los tiempos, tomando como eje central LOS MITOS DE CTHULHU, tan fiel al espíritu lovecraftiano como radical e innovadora en algunos aspectos. No será una película para todos los públicos, no lo pretendemos. Será una experiencia para un target adulto amante de Lovecraft y el cine de género. Aún en preproducción, estamos en una fase temprana de desarrollo visual y conceptual, pero algunos medios ya se han hecho eco del proyecto, como los fieras de SCIFIWORLD. Os animo pues a entrar en la página oficial de facebook, pinchar el LIKE y seguir al corriente de esta apasionante aventura, donde iremos colgando regularmente algunas perlas de concept art y otras hierbas.

Un saludo y ya sabeis... que no está muerto lo que yace eternamente...

LAS AVENTURAS DE TINTÍN: EL SECRETO DEL UNICORNIO de Steven Spielberg

2011-11-15T12:40:00.001Z

 THE ADVENTURES OF TINTIN / EEUU / 2011

Dirección: Steven Spielberg

Guion: Steven Moffat, Edgar Wright y Joe Cornish; basado en los cómics de Hergé

Producción: Peter Jackson, Kathleen Kennedy y Steven Spielberg

Música: John Williams 

Montaje: Michael Kahn

Dirección artística: Andrew Jones y Jeff Wisniewski

Interpretación: Jamie Bell (Tintín), Andy Serkis (capitán Haddock), Daniel Craig (Sakharine), Simon Pegg (Hernández), Nick Frost (Fernández), Toby Jones (Silk), Mackenzie Crook (Tom), Daniel Mays (Allan), Gad Elmaleh (Ben Salaad), Joe Starr (Barnaby)

Tenía que pasar. Mandamás Spielberg cierra el círculo aventurero que comenzara en 1981 con EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA y lo culmina, por el momento, con estas renovadas AVENTURAS DE TINTÍN. Si muchos ya han señalado las evidentes similitudes en estilo, ritmo, ambientación y tono de las aventuras de Indy con las nuevas aventuras de este Tintín digital, aquí llego yo y corrijo: más bien es al contrario amigos. Tintín, cuyos mejores álbumes comiqueros datan de las décadas de los 40-50-60, fue una indiscutible y evidente influencia para las aventuras del arqueólogo, muy especialmente para INDIANA JONES Y LA ÚLTIMA CRUZADA, así de simple. Spielberg, nostálgico de profesión y vocación, decidió hace unos años que la mejor manera de rendir tributo a uno de sus más ilustres precedentes sería la adaptación definitiva de la creación de Hergé, quizás también dolido por la tibia acogida (que no recaudación) de INDIANA JONES Y EL REINO DE LA CALAVERA DE CRISTAL, un proyecto semifallido y algo ortopédico que no gustó a casi nadie pero que, no obstante, pienso que tenía algunos hallazgos muy interesantes. Aliado de tú a tú con Peter Jackson como productor creativo y, en especial, con su división de efectos especiales Weta Digital, Spielberg sabía que era un "ahora o nunca" respecto a Tintín, un proyecto ambicioso y algo kamikaze a la vez.

¿Adaptar Tintín admite riesgos? Si vives en y tu mercado son los EEUU, sí. Dicho de forma suave, Tintín no es muy célebre en norteamérica. Si tiramos de eufemismos, Tintín es un personaje "de culto" entre aficionados al cómic europeo y poco más. La cruda realidad es que allí a Tintín no lo conoce ni el tato, mientras que en Europa forma parte de la cultura popular desde hace medio siglo. Por otra parte, Tintín, el cómic, tiene más aristas de lo que parece a primera vista. Sus primeros álbumes son pura basura racista, clasista y colonialista, bañado con un aire de superioridad paternalista respecto a las culturas "no civilizadas". Además, aunque uno sea capaz de abstraerse de semejante contenido (echadle un vistazo a TINTÍN EN LA PAÍS DE LOS SOVIETS o TINTÍN EN EL CONGO, tela marinera), visualmente tampoco tienen nada especial: toscos, arrítmicos y con más bien poca gracia, son los primeros balbuceos en los que aún Tintín gozaba de protagonismo absoluto y carecía de casi todos los encantos posteriores. Valiente que el judío más poderoso de la industria yanqui haya elegido un héroe con un pasado tan filonazi. A partir del tercer número de la saga la cosa va mejorando exponencialmente, eliminando toda esa mierda ideológica, hasta llegar al primer clásico incontestable: EL SECRETO DEL UNICORNIO, seguido de EL TESORO DE RACKHAM EL ROJO, precisamente los dos volúmenes que el tandem Spielberg-Jackson han "adaptado" en esta primera parte de una supuesta trilogía. Segunda arista tintinesca: Haddock. El Capitán Haddock, a partir de entonces personaje imprescindible en las aventuras de Tintín, mucho más que un secundario, es un marino borrachín, un tipo entrañable pero, ¡coño!, alcohólico sin posiblidad de redención. Muy políticamente incorrecto pues que gran parte de la innata potencia del personaje sea por sus delirios bañados en ron, situaciones surrealistas de las que, además, Haddock es capaz de sacar su vena más divertida y transgresora, porque este tipo es un ciclón en movimiento. Algo más bien poco spielbergiano, a priori. Y última arista, esta jodida de verdad: lo menos interesante de los cómics de Tintín es Tintín, con diferencia.

Con todo esto sobre la mesa, Spielberg, tipo listo donde los haya, aglutina a su alrededor algunos de los mejores creativos del mundo, pero sin dejar de asumir riesgos: se trae a su proyecto a dos talentosos y (muy) jóvenes directores y guionistas ingleses, nada menos que a Edgar Wright (SHAUN OF THE DEAD, SCOTT PILGRIM) y Joe Cornish (ATTACK THE BLOCK) y les encarga la adaptación del guión de los dos tomos mencionados. Sangre nueva para viejos tebeos. Como ya comentaba, también lia a Peter Jackson en la aventura, y encarga a Weta Digital, los putos amos hoy por hoy en la creación de universos, la viabilidad visual del proyecto, o dicho de otro modo: para que LAS AVENTURAS DE TINTÍN puedan funcionar de verdad tienen que alejarse lo máximo posible del "efecto Zemeckis" (aka la interesante teoría del "Uncanny Valley"), el rechazo instintivo que cualquier ser humano tiene ante ese inquietante look sintético-hiperrealista, visto en cosas como POLAR EXPRESS, CUENTO DE NAVIDAD o BEOWULF mediante la técnica llamada "captura de movimiento". Así que Spielberg da la espalda a su viejo amigo y socio Robert Zemeckis y a sus películas de animación por motion capture (a priori ésa hubiese sido la opción más "segura") para abrazar a los genios de Weta Digital, que ya llevan años perfeccionando la captura de movimiento, pero por un sendero paralelo. Si ya con Gollum lograron una pequeña obra maestra, el progresivo nivel de King Kong, los avatars de Cameron y los simios de EL ORIGEN DE EL PLANETA DE LOS SIMIOS fueron la prueba definitiva de que sí, era posible hacer una película de animación por motion capture sin que la gente saliese asqueada de las salas y con los pelos como escarpias. Un test de 5 minutos fue suficiente para dar luz verde al proyecto. La primera película de animación dirigida por Steven Spielberg, señores. El Tintín definitivo en pantalla grande estaba en marcha.

Como ya sabreis, servidor trabaja en la industria de la animación, por lo que enfrentarme a una película como esta supone una especie de esquizofrenia: lo normal que me pase más de la mitad del metraje analizando sobre la marcha aspectos técnicos, lo que matiza bastante el disfrute intrínseco de la película en sí. En LAS AVENTURAS DE TINTÍN eso (apenas) me ocurrió, lo que dice mucho de la pericia narrativa de Spielberg. La película es un disfrute de principio a fin, un opíparo festín en el que la palabra "aventura", aleluya, recupera a paladas su más puro significado: emoción, diversión y ansias de descubrimiento (también personal), ese "sense of wonder" que dicen los ingleses tan difícil de encontrar en una película de género hoy. Spielberg, ladino él, sortea con pericia las movidas tintinescas antes apuntadas, deja a sus entusiastas guionistas airear el ligero olor a naftalina de los originales y apuntar algunos detalles malsanos (zoofilia incluída, je) y no suaviza al bueno de Haddock ni un gramo (atención a su personal método para arrancar un hidroavión sin combustible en plena tormenta), algo realmente inaudito en un tipo tan poco amigo de riesgos con sus personajes. Sí, Haddock funciona a toda pastilla y, como en los cómics, se apropia de la historia como un eructo malsonante, aunque quizás no tan explosivo y excesivo como en el original, pero, ¿y Tintín? Pues aunque sigue siendo el repelente niño Vicente (guapete, educado, ingenioso, inteligente, observador, leal, aseado, valiente y... totalmente asexual), todo eso que tanto asquito da pasa desapercibido y matizado por el vibrante devenir de los acontecimientos y, repito, por el magnífico plantel de secundarios que, como en toda obra de Hergé, se comen al protagonista por los pies. Por supuesto, ni rastro del pasado fachorra del personaje y especial atención para ese Milú que milagrosamente capta la personalidad del cómic y toma protagonismo pero SIN necesidad de hablar (sabia decisión, por otra parte, que hasta el escroto estamos ya de perros parlantes en el cine).

Y finalmente toca hablar, ya sí, de los aspectos puramente visuales de la película. ¿Han logrado tocar techo con el traspaso de un universo nativamente bidimensional a 3D? Pues no, pero se han acercado a la cúspide amigos. Tras los estupendos créditos en limpio y colorido 2D Spielberg nos sumerje en un nuevo universo, apuntalando la transición a través del cameo del mismísimo Hergé, que dibuja un retrato al Tintín 3D que resulta ser su imagen icónica de los cómics. Bonita manera de dar la bienvenida a una nueva revisión del mundo tintinesco, un trasvase visual que, seguramente, ya no tiene vuelta a atrás. Curioso que un estilo tan elegante y sencillo, esencial, como la "linea clara" de Hergé, en el que "menos es más" (todo un punto de partida para una horda de autores que llegaron después como Uderzo, Franquin y hasta Moebius) tenga en su hermano tridimensional algo tan sumamente detallista y lleno de vida, rebosante de bullicio y acciones en segundo plano, pero a la vez tremendamente fiel al espíritu original. Lo que cada lector de Tintín imaginaba en su (tridimensional) imaginación cuando leía uno de sus cómics, seguramente. Tan sólo algunos momentos en la animación y diseño de personajes pueden sacarte del disfrute (algunas cabezas gordas, tirando a cartoon, encima de cuerpos tan realistas, hum), detalles puntuales que ya son eso, puntuales y no la norma aberrante del motion capture hasta que llegó esta peli. El Uncanny Valley queda reducido al mínimo, aleluya. Estéticamente muy bonita, con un uso del color y, sobre todo, de la luz extraordinario (el director de fotografía es el habitual de Spielberg), LAS AVENTURAS DE TINTÍN acaba siendo una película 100% digital y tecnológica pero construída con un primor y un gusto por el detalle extraordinario, de espíritu artesanal, tanto que pide un segundo (y tercero, y cuarto) visionado para poder exprimir a tope todo su mundo, todas sus virtudes, todas sus sorpresas. Sin un solo bajón de ritmo, secuencia tras secuencia resulta una delicia, pero hay un par en especial que son verdaderos prodigios de planificación: atención al ALUCINANTE plano secuencia de la persecución del halcón en Marruecos, enorme, histórico, y al flashback en varios tramos del antepasado pirata de Haddock, uf!. Modélica como adaptación de ambos cómics, sobra decir, aunque los más fans tintinófilos no estén de acuerdo (claro, se quedaron cosas por el camino y se añadieron otras nuevas). Y por si todo esto fuera poco, además de devolver la dignidad al género aventurero por la puerta grande, logra que ese peligroso "para todos los públicos" sea tratado, también, con gran respeto, disfrutable para los más pequeños y un tesoro para el resto, quizás sólo como los magos de Pixar saben hacer. Puro gozo, amigos, disfrute general que, seguramente, tendrá su continuación una vez que Peter Jackson termine con THE HOBBIT y asuma la dirección de la segunda parte.

PD: tras una mitad de año bastante tibia y algo gris en cuanto a pelis memorables, este tramo final me está deparando un buen montón de sorpresas, tanto que creo que es la primera vez en Sesión Golfa que empalmo cuatro pelis de 8. Y con unas cuantas en el tintero aún...

- Lo mejor: ¡AVENTURA!, el mejor Spielberg en años, película redonda

- Lo peor: sigue habiendo un pequeño porcentaje de aberración visual en los personajes, mínimo y puntual, pero haberlo haylo

  CABEZAS

MELANCHOLIA de Lars Von Trier

2011-11-10T14:01:00.003Z

MELANCHOLIA / Dinamarca-Suecia-Francia / 2011

Dirección y guion: Lars von Trier

Producción: Louise Vesth y Meta Louise Foldager

Fotografía: Manuel Alberto Claro

Montaje: Molly M. Stensgaard

Diseño de producción: Jette Lehmann

Vestuario: Manon Rasmussen

Interpretación: Kirsten Dunst (Justine), Charlotte Gainsbourg (Claire), Kiefer Sutherland (John), Charlotte Rampling (Gaby), John Hurt (Dexter), Alexander Skarsgård  (Michael), Udo Kier (organizador de la boda), Stellan Skarsgård (Jack) 

Lars, ego y figura...

A veces detesto a Lars Von Trier. Sus ínfulas de genio loco, su ególatra manera de exhibir lo bueno que es, sus salidas de tono gratis por la cara, sus ojillos que te escrutan por encima del hombro, sus manías esquizoides, su media sonrisa insidiosa, sus rarezas, su obsesión íntima por las armas de fuego y su absurdo pánico a volar. A veces me ponen muy nervioso sus películas, que parecen terapias psicoanalíticas, su personal manera de afrontar los géneros, todos los géneros, desde el thriller a la comedia fina y la soez, el melodrama desatado, el musical descarrilado y ultimamente su acercamiento al fantastique en su más amplia concepción, primero vía terror gótico con fantasmas para la tele en KINGDOM, luego terror mitológico-gore, con ese inmisericorde esputo a la cara que fue ANTICHRIST, y ahora la ciencia-ficción apocalíptica con MELANCHOLIA. Siguiendo con su manía de arrojar al respetable lo que sería carne de diván, la última del danés se situa en un lugar incómodo (cómo no), quizás en el reverso otoñal y sí, melancólico, de la brutal ANTICHRIST. Y entonces me enfrento a esta desbordante melancolía con unas décimas de fiebre y un poquito de hierba. Ominosa y luminosa a un tiempo, dividida en dos partes bien diferenciadas pero manteniendo la unidad de espacio de forma rigurosa, esta crónica de un doble Armageddon, íntimo y global, personal y planetario, supone también la crónica de una mutación personal y del enfrentamiento abisal a un pozo negro. Ahora... no sigas leyendo si aún no has visto la peli, amigo.

JUSTINE, el primer bloque, la primera hermana, es el cadencioso descenso a los ¿infiernos? de la depresión, entendida como una pulsión interior que poco a poco obliga a una niña bien a mirar al abismo en su noche de bodas. Comienza el pequeño Hitler danés lanzándonos el gancho de CELEBRATION, aquel dogma que fue lo único salvable del Dogma. Sólo diez minutos son necesarios para percibir que el querubín de Kirsten Dunst ha recibido el regalo de su vida, el papel soñado, respondiendo con un trabajo soberbio, magistral en su contención con un personaje al que cualquier otra sólo hubiese otorgado muecas. Juega durante un buen rato a perturbar la comodidad, con una vibrante danza de personajes, familia y allegados del bodorrio. Jugosos los secundarios pululando por ahí. Ojillos chipeantes para un jovial John Hurt, templanza para ese vozarrón que responde a Kiefer Sutherland, cada vez más simbiotizado por su ilustre padre, Udo Kier haciendo el ganso y un jugoso etcétera. Disfruta de nuevo Trier arrancando las máscaras de las convenciones de cuajo. Algo estupefacta, nuestra princesita de bucles rubios se deja llevar arrastrada por algo que la descontextualiza por completo, la desnuda y la encara con su lado más animal, telúrico y primitivo, ejemplificado por un gesto repetido a lo largo de toda la peli: mirar al cielo. Mirar al cielo, sí, y también orinar al aire libre, fornicar a cuatro patas o mandar al carajo a su jefe, que la acaba de ascender. Mientras el cielo nocturno, el cosmos, ilumina su camino con un leve titilar, un símbolo que, postreramente, será vida y muerte en simbiosis. Ella debería ser feliz en su "noche mágica", en ese palacete de cuento, en esa celebración soñada, pero no lo es en absoluto. Todo el ruído a su alrededor le aturde mientras su impulso, siempre, es salir fuera. Todo a su alrededor deja de tener sentido cuando ella se siente arrastrada hacia el vacío, hacia el cosmos, mientras esa pequeña estrella es el punto de fuga de su cielo. El microcosmos social se resquebraja mientras las ratas humanas abandonan el barco. Justine sufre, pero sólo quiere mirar al cielo.

CLAIRE, el segundo bloque, la otra hermana, ya arranca con ambiente plomizo, nublado, gris, peligroso. Cambio de tercio. Claire se esfuerza por comprender a su hermana, abandonada y ya sumida en un estado semicatatónico: su depresión amenaza con acabar con ella, física y mentalmente. Pero Claire, aunque a veces la odia, es pragmática, fuerte y bondadosa. La cuida, vela por ella en una incómoda posición dentro de su, otra vez, contexto social algo asfixiante. La familia. La presencia de esa cosa en el firmamento se hace material: Melancolia, un planeta mucho más gordo y más bonito que la Tierra, baila la danza de la muerte cósmica alrededor del nuestro, amenaza con su destrucción directa. Esa presencia crece hasta copar la narración, en forma y fondo. Justine se despelota y se ofrece, muy pagana, al planeta asesino, para disfrute de fetichistas y onanistas. Ahora sí, todos miran (miramos) al cielo, incrédulos. La fuerza natural que arrastra a Justine finalmente la transforma en un ser distinto, una atea-chamán ni viva ni muerta que, en un último gesto de generosidad, será la guía espiritual de sus seres queridos y construirá el escenario último e íntimo antes del fin de todas las cosas. Bloque ominoso y progresivamente aterrador, a un tiempo racional y mágico, real e irreal, hermoso y terrible, con un último plano para el recuerdo. Fin (del mundo).

Creo que el amigo Lars ha echado el resto con esta película, sinceramente. Afortunadamente, en mi opinión, la descarnada crudeza conceptual y visual de ANTICHRIST está muy matizada, pero hay un hilo conductor entre ambas películas. Mucho menos ruda en sus imágenes, menos bruta, menos atroz, deliberadamente preciosista por momentos, con imágenes de un romanticismo pictórico bien entendido, épica en su minimalismo y punteada constantemente por la magna TRISTAN E ISOLDA de Wagner (apoteósico, de verdad), MELANCHOLIA me dejó patidifuso, hinchado de belleza y de sensaciones contrapuestas. No importa que sea como TITANIC y conozcamos el final, porque lo bueno no es el qué, sino el cómo. No acabo de alcanzar del todo a Justine en su viaje, pero empatizo con ella. Claire me conmueve. Sigo sin saber dónde quiere llegar el danés chiflado, pero me impresiona el recorrido, mucho. Así que ignoro sus chorrosandeces personales, esos comentarios que bien podría introducirse por su polémico orto, y me dejo llevar. MELANCHOLIA es una película hermosa, hipnótica, llena de cine, y por descontado una de las grandes del 2011. La proxima, NIMPHOMANIAC, una porno. A veces admiro a Lars Von Trier.

- Lo mejor: transmitir tanta cosa a través del lenguaje audiovisual... puro cine

- Lo peor: ese esteticista prólogo que en realidad es un auto-spoiler, ¿era necesario?

CABEZAS

Debate electoral

2011-11-08T09:28:00.000Z

MIENTRAS DUERMES de Jaume Balagueró

2011-11-02T12:54:00.001Z

MIENTRAS DUERMES/España/2011

Algún día se hará justicia y Jaume Balagueró ocupará el lugar que merece desde hace años: el reconocimiento de uno de los cineastas más personales, coherentes y brillantes de las última década, sin fronteras de género ni espacio. El catalán es uno de los directores en activo más interesantes y lúcidos del globo terráqueo, sin más, un tipo que además atesora en su ya extensa filmografía, además de su siete largometrajes, cuatro cortos y un mediometraje, todos ellos, en mayor o menor medida, rebosantes de inventiva e interés y con un discurso y una mirada a la vez única y heredada de los grandes maestros. Si en vez de circunscribirse al género terrórífico (en sus muchas vertientes, dicho sea de paso) se dedicase al drama social o la comedia moderna, otro gallo cantaría. Pero así están las cosas, amigos. MIENTRAS DUERMES podría suponer su entrada por la puerta grande a un público más amplio, y me alegro. Es su peli más accesible (con matices), se ha publicitado bien (¡aleluya!) y cuenta con la magnética presencia y el tirón mediático de Luis Tosar en uno de esos papeles, una vez más, para los anales. Accesible porque Balagueró despoja a esta durísima historia de cualquier truculencia y desfase, dejando a la imaginación del espectador los momentos más brutales (mediante decenas de elipsis), construyendo con un mimo obsesivo, repetitivo, atonal, la personalidad de César, con una atención a los detalles deslumbrante y un ritmo cadencioso que sabe crisparse cuando es necesario, que bajo una apariencia de normalidad rozando lo naturalista esconde una capacidad innata para inquietar e ir minando los nervios del respetable, poco a poco, sin excesos. Y doble triunfo porque además, el muy ladino de Balagueró logra que nosotros, los espectadores, nos pongamos sin querer del lado del ogro misántropo que interpreta Tosar, magistralmente, ¿hacía falta decirlo?. La conjunción del punto de vista omnipresente de César y el colosal trabajo del gallego, contenido y sutil, como la propia película, hace que nos veamos en la tesitura de sentirnos acorralados cuando César lo está, y de suspirar aliviados cuando logra superar los obstáculos, una posición nada cómoda para el respetable, que de pronto se ve compartiendo objetivos con un personaje que es puro odio, a la vez que estamos espantados con sus logros, mucho más allá del tópico de "los malos son atractivos". Ayuda y mucho la luminosa interpretación de Marta Etura, esa muchacha algo pánfila a la que César quiere borrar la sonrisa para siempre. Es posible, no obstante, que algún fan pureta de Balagueró se sienta algo estafado con la propuesta, y lo entiendo, pero es que desde su génesis, MIENTRAS DUERMES no pretende alcanzar el terror ni el impacto por la vía rápida, sino que se define por una sola palabra: suspense. Un puro ejercicio de suspense que se apropia de los logros de dos grandes maestros del género: el Hitchcock más minimalista por un lado, y el Polanski más asfixiante por otro, logrando la cuadratura del círculo con uno de esos finales que hacen más grande aún a esta película "pequeña". Seguramente sea un impás creativo de (falsa) calma, un paréntesis necesario carente de estruendo, antes de embarcarse en su [REC-APOCALIPSIS] y en ese misterioso proyecto titulado LA DAMA NÚMERO TRECE. Como no tengo medias cabezas a mano, MIENTRAS DUERMES se lleva un merecido notable alto, ¡qué diablos!.

- Lo mejor: la empatía y complicidad con el monstruo a través de la sutileza

- Lo peor: quizás muchos piensen que le falta potencia visual o momentos más impactantes

  CABEZAS

THE WOMAN de Lucky McKee

2011-10-31T15:06:00.000Z

 THE WOMAN / EEUU / 2011

Dirección: Lucky McKee

Guión: Lucky McKee y Jack Ketchum

Música: Sean Spillane

Fotografía: Alex Vendler

Edición: Zach Passero 

FX Maquillaje: Robert Kurtzman

Intérpretes: Pollyana McIntosh, Sean Bridgers, Angela Bettis, Lauren Ashley Carter, Frank Olsen, Marcia Bennett

Sigo con este repaso informal a lo más granado de Sitges 2011, tras RED STATE (muy discutible premio a Mejor Película, no así al Mejor Actor a Michel Parks, merecidísimo) y ATTACK DE BLOCK (Banda Sonora y cantado Premio del Público). Turno pues para THE WOMAN, la última gema del indie-destroyer Lucky McKee, que finalmente se ha alzado con un muy discutido Mejor Guión, quizás la única decisión de verdad valiente del jurado de festival de festivales este año, que parece se ha cuidado muy mucho de programar cierto tipo de películas previsiblemente polémicas, reduciendo el "factor riesgo" a cotas bastante manejables para el respetable menos hardcore, los medios fofos más generalistas y demás mentes bienpensantes. Bien, pues a falta de haber visto un tercio de la sección oficial, advierto, me atrevo a decir que THE WOMAN ha sido la apuesta más pasional y visceral del festival este año. Película que no ha salido de la nada, sino que ha sufrido una gestación y nacimiento más bien inusual y tormentoso, y que ha suscitado algunas reacciones curiosas allí donde se ha proyectado. Dejadme que os cuente...

McKee, la mujer y la profesora, en Sitges

Para desentrañar THE WOMAN hay que remitirse a dos nombres propios. Jack Ketchum, co-guionista, es uno de los escritores de género con más seguidores (y enemigos) de los últimos años, uno de esos tipos a los que las alabanzas (vía Stephen King, mayormente) y los vituperios le llueven a paladas con cada nueva novela que publica. Gustoso de construir sus obras alrededor de ese epígrafe tan chungo como es "basado en hechos reales", su tendencia al exceso violento le confiere cierta aura de malditismo que tan bien le viene a la hora de amasar buenas cifras de ventas. Parte de su obra se ha adaptado a la gran pantalla: GIRL NEXT DOOR, OFFSPRING o RED (codirigida, por cierto, por McKee) son muestras dispares de su corpus creativo, siempre alejado de terrores sobrenaturales y siempre atento al lado más sórdido de la existencia humana. Lucky McKee, director y co-guionista, es una de esas rara-avis dentro del cine de género, un sonrosado californiano de aspecto sanote y alma retorcida cuyo (muy) personal universo ha logrado trascender las barreras del cine de terror para interesar a un nutrido grupo de indies, alternativos gafapastas e intelectualillos festivaleros. Aunque siempre está orbitando en las pantanosas fronteras del género, su espacio natural suelen ser entornos como Sundance o Tribeca, donde es capaz de aglutinar públicos a su favor. De errática carrera, pegó el aldabonazo en 2002 con MAY, una delicia indie protagonizada por una deslumbrante Ángela Bettis (desde entonces su musa) que trastocaba con ingenio, brillantez, sensualidad y grandes dosis de mala baba la comedia romántica, tomando elementos del giallo para construir una especie de revisión amarga y adolescente de la figura de Frankenstein al ritmo de una banda sonora rockera. Obligatoria. El mundo fandom le miraba, la crítica no sabía dónde ubicarlo, entonces llegó su participación en la primera temporada de la ya legendaria serie MASTERS OF HORROR (codeándose, amigos, de igual a igual con la creme de la creme), con el episodio SICK GIRL (aka METAMORFOSIS, sic), una retorcida historia de amor (otra vez) con una entomóloga, un misterioso gusano y liberación sexual a lo bestia, tan desconcertante como bizarra y poética, de nuevo con la Bettis a toda máquina. Después llegó THE WOODS (aka EL BOSQUE MALDITO, sic), primer encargo y guión ajeno, esta vez una historia de época que discurría en un internado para señoritas durante los años 60, y en el misterioso bosque circundante, virando hacia lo gótico pero sin perder la torridez inherente a su estilo. Lo más flojo de su breve trayectoria, a falta de ver RED, como comentaba antes, su primera colaboración con Ketchum.

Bettis, McKee, Ketchum, respectivamente

Hace un par de años y sin proyecto a la vista, aunque ya colega del novelista, el afortunado Lucky (disculpad la gilipollez) recibe la propuesta de escribir y dirigir una secuela de (aún) más bajo presupuesto de la mencionada OFFSPRING, adaptación previa de una de las novelas de Ketchum, una medianía fílmica aunque con algún detalle interesante, demasiado lastrada por una deficiente realización y hedor telefilmero, que contaba sin mucho nervio las desventuras de los supervivientes de un clan de caníbales cerca de la frontera de Canadá. Con un precedente como éste, sin mucho donde rascar, McKee tiró por la tangente y le propuso a Ketchum una serie de ideas que estaba barruntando para esta secuela. Ketchum, totalmente receptivo y entusiasmado con lo que estaba oyendo, reaccionó proponiendo a su vez a McKee no sólo co-escribir la película sino también una novela, todo a cuatro manos. Dicho y hecho. El proyecto pasó de OFFSPRING 2: THE WOMAN a su título actual, dado que el guión resultante muy poco tenía que ver ya con su precedente, apenas algún apunte argumental y nada más. Así pues, THE WOMAN es una película radicalmente distinta e independiente de su "supuesta" primera parte y, sobra decirlo, cien mil veces más interesante. Presentada este año en Sundance antes de su paso por Sitges, provocó variopintas reacciones, tan extremas como la de este airado y ofendido fulano que aboga por quemar la película y, si se pone a tiro, también al bueno de McKee...

Como ya os podreis imaginar, THE WOMAN no es una película de cómodo visionado y ofrece muy pocas concesiones al espectador a varios niveles. Tampoco debe contarse demasiado sobre ella si queremos que la experiencia sea plena, así que, una vez más, toca hacer malabares con las palabras. Trataré de ser cuidadoso. Durante más de la mitad del metraje, THE WOMAN plantea una situación dantesca envuelta en una (falsa) apariencia de normalidad, casi de calma chicha. El padre de una familia "modelo" norteamericana, aficionado a la caza, captura a una joven que vive en el bosque como un animal y se la lleva al sótano de su casa con la intención de "civilizarla". En este proceso implica a toda la familia (esposa, hija mayor, hijo mediano e hijita pequeña), distribuyendo tareas que van desde limpiarla hasta alimentarla y tratar de socializarla mediante el lenguaje (la mujer ni siquiera sabe hablar). Durante todo este proceso, McKee va desarrollando la personalidad de cada uno de los integrantes de la familia con escaso diálogo y mucho silencio, punteando actitudes, reacciones y miradas con una enigmática atmósfera que poco a poco va impregnando la narración hasta ir asfixiando al espectador, envolviendo la historia con una especie de burbuja que, como debe ser, estalla en sus últimos minutos, y rompiendo la tónica en determinados momentos mediante su ya reconocible tratamiendo de las canciones con esa (aparente) ligereza pop-rock que funciona como contrapunto a lo visual, algo que lleva puliendo y perfeccionando desde los tiempos de MAY. THE WOMAN es inquietante desde el minuto cero amigos, desde ese hermosísimo prólogo que glosa la vida de la mujer en el bosque. Si no has visto la película, quizás no quieras leer el siguiente párrafo.

THE WOMAN es una película con capacidad para herir, que no toma prisioneros, capaz de simultanear lo que ves con lo que estás sintiendo aunque sea una lucha de contrarios, que toma las riendas del desconcierto inicial para alcanzar cotas de una intensidad brutal en el fondo y en la forma. THE WOMAN funciona como un mecanismo de relojería, como un artefacto diseñado milimétricamente para, en su último acto, estallar y recomponerse en algo a la vez brutal y mágico, violento y casi mitológico. THE WOMAN magrea las neuronas del respetable y su capacidad de encajar los golpes con mano maestra, pero sin amilanarse ante nada. Dos temas confluyen aquí sobre todos los demás: el concepto de civilización y, más que el machismo, la atroz misoginia que impera dentro de esta idea, en ciertos círculos, en determinadas personas. La familia como institución inviolable, célula constructora de la civilización, se pone en solfa desde una perspectiva tan valiente como arriesgada. No, McKee no nos arroja dentro de la típica familia de la américa profunda poblada por rednecks descerebrados y babeantes, sino en un plácido y luminoso entorno rural de clase media en el que todo transcurre con "normalidad", entre la rutina diaria, el instituto, las galletas caseras y los besos de "buenas noches". Un microuniverso tan aparentemente local que es extrapolable a cualquier lugar, en cualquier momento, donde la inmundicia ética campa a sus anchas debajo de un sol radiante, una sonrisa al atardecer y una vida sencilla y sin muchas preocupaciones. McKee y Ketchum atacan primero con sutileza y luego con furia desatada determinados comportamientos hipócritas y deleznables, firmemente enquistados en algunos parámetros del tejido social de cualquier pais "civilizado" actual, movidos por un dictatorial patriarcado que no sólo anula, sino desprecia la figura femenina bajo una apariencia cotidiana. Misoginia atroz además perpetuada generación tras generación, y, lo que aún es más cruel, permitida y asumida por las propias víctimas de la infamia. Aunque toda su parte final es tremendamente gore, los momentos previos de esa violencia cotidiana sostenida duelen mucho, tratados sin aspavientos estilísticos, con una sequedad que hiela la sangre (sobre todo ese aterrador momento en el que la madre encara a su esposo, y la reacción que éste tiene). Esta valiente película comienza por ir eliminando capas-disfraces con cadencioso ritmo, sin urgencia, hurgando con delicadeza en la gran bola de mierda de esta familia-tipo hasta sacar a la luz el gran horror, y con ello el conflicto físico. Así ella, "la mujer", presentada como personaje individual pero transformada en arquetipo, resultará a la vez la receptora y la catalizadora de la brutal, violenta y purificadora lucha final entre contrarios, restaurando cierto equilibrio poético en el que, para más inri, no pelea por una "civilización sana" sino que le da la espalda, salvando la vida de la hija pequeña y restaurando un matriarcado primitivo que roza lo mitológico (su imagen regresando al bosque de mano de la cría y acompañada de la mujer-perro es antológica).

Sí, THE WOMAN me ha parecido una película muy potente, muy valiente, muy brutal. Una obra que se balancea siempre por el filo de la navaja, pero en especial en su último acto, de una violencia sin medida, atávica, desgarrada, y supongo que por ello polémica. Lucky McKee ha regresado con algo absolutamente personal, su cumbre hasta el momento, diseñada con inteligencia pero rodada de forma visceral y que incluso en su resolución resulta incómoda y nada condescendiente. Necesitamos películas como THE WOMAN, que transgreden y traspasan su propio género para ir más allá. Como dijo aquel, el arte será convulso o no será. Y THE WOMAN está muy cerca de la maestría. Desde ya en el podium a lo mejor del año, por descontado. Peliculón.

PD: que nadie se pierda la hermosa coda tras los títulos de crédito, el punto final poético y onírico a una película tan grande como esta.

- Lo mejor: su perfecta construcción, su valentía, su subversivo discurso y su kamikaze conclusión

- Lo peor: cierta sorpresa poco razonable hacia el final que tiene que ver con los perros, aunque encaja con todo lo demás

  CABEZAS

ATTACK THE BLOCK de Joe Cornish

2011-10-21T11:23:00.001+01:00

ATTACK THE BLOCK / Inglaterra / 2011

Más revival ochentero ciencia-ficcionero para las masas amigos, aunque en esta ocasión ni tan sangrante como SUPER 8 (peli que cada vez se desinfla más en mi memoria, por cierto) ni tan ligerita y coyuntural como PAUL, aunque comparte con ella esos aromas british tan inconfundibles, aquí elevado a mil. ATTACK THE BLOCK, ópera prima de Joe Cornish, es una peli pequeña pero matona que sabe exprimir sus limitaciones (conscientes en todo momento) en aras de un espectáculo modesto pero muy disfrutable. Una absurda y muy localizada invasión alienígena en un suburbio londinense es el desencadenante de la divertida lucha por la supervivencia de un grupo de chavales marginales y multirraciales, pequeños delicuentes en potencia, hiphoperos de pro y orgullosamente fumetas. Aunque al principio no hacen demasiado caso a la invasión, más bien se la toman a chufla en cuanto se cepillan al primer alien (y pretenden sacar pasta con él), en seguida sus compañeros del espacio exterior, de simple pero efectivo diseño, corren a tratar de recuperar el cadaver llevándose a cualquier terrícola por delante. Hay que destacar que aunque el humor británico tirando a negruzco está omnipresente, la peli no es una parodia, sino una sentida relectura macarra de ciertas invasiones de bichos peludos orgullosas de su condición de serie B (sí, tengo a los CRITTERS en la cabeza). Se suma al cachondeo y la diversión general una sólida construcción narrativa y un milimétrico in-crescendo del asedio de los bichos peludos al "bloque", todo ello impregnado de una sutil pero relevante lectura social acerca de los suburbios londinenses, y, cómo no, la presencia de un Nick Frost en uno de esos secundarios que elevan la película con cada una de sus apariciones. Ecos carpenterianos vertiente cafre en plan 1997, RESCATE EN NUEVA YORK se unen a la fiesta. Así pues, no hay razón alguna para no dejarse llevar por esta peliculita deliciosa, urgente, puro entretenimiento sin pretensiones que tiene en su modestia, su equilibrado guión, su enérgica realización y en su ligero tono nostálgico sus mejores bazas. Atención a la secuencia del humo en el pasillo y todo su último tramo. Y para rematar la función con buen criterio, verdades como puños: resulta que da igual que sea una guerra, un desastre natural, una crisis económica o una... invasión alienígena, al final el pato siempre lo pagan los mismos. Por algo la gran industria yanqui ya corteja a Joe Cornish, empezando por el omnipresente Spielberg, que le fichó como coguionista para la inminente TINTÍN junto al también británico Edgar Wright. Oiremos hablar mucho de este tipo, amigos.

- Lo mejor: es un ejemplo notable de esa serie B sin prejuicios, con ideas y cimientos sólidos, un tipo de película de género que hoy ya parece extinta

- Lo peor: que muchos la están inflando a elogios desaforados, y ese excesivo entusiasmo finalmente torne en decepción una vez vista. ATTACK THE BLOCK  es lo que es, y no pretende ser más, sencillamente

  CABEZAS

HELEN: teaser poster

2011-10-13T15:07:00.000+01:00

Hoy es un gran día amigos. Aquí teneis el teaser poster del cortometraje HELEN, proyecto de animación 3D estereoscópica producido por Lince Studios y Magic Gate Studios, que presentaremos en Segovia este fin de semana, en el Mercado 3D Wire de animación y videojuegos. El cortometraje, dedicado al género de terror y para adultos, pretende cubrir el hueco existente en obras de calidad sobre el universo de H. P. Lovecraft y los mitos de Cthulhu, pero de una forma absolutamente personal y novedosa. Aún en fase de preproducción, poco a poco os iré comentando los avances de este, tengo que decirlo, apasionante y apasionado proyecto. ¡Seguiremos informando!

RED STATE de Kevin Smith

2011-10-07T20:07:00.002+01:00

RED STATE / EEUU / 2011

Lo de Kevin Smith es digno de estudio psicológico. Diluido en la marea peliculera yanqui como un azucarillo en un café aguado, es bueno recordar que hace poco más de una década cada uno de sus estrenos era esperado por sesudos críticos y enajenados fans como un acontecimiento mundial. Hoy, casi que hay que perseguirle para poder ver sus películas. Servidor nunca ha sido especialmente fanático de este hombre, un tipo interesante cuyas comedias indies y megareferenciales me hacían más o menos gracia, pero al que nunca le he visto un estilo definido ni una mirada propia más allá de algunos punzantes y reconocibles diálogos. Y es que los últimos tiempos del barbudo han sido tremebundos: tuvo que regresar a su universo más célebre con la descafeinada CLERKS 2, pegó la oreja a los nuevos mesías de la comedia norteamericana vía Seth Rogen en la simpática-y-poco-más ¿HACEMOS UNA PORNO? y finalmente, tocó suelo con COP OUT, una buddy movie de acción con ¡Bruce Willis! que hacía aguas por todas partes, y que aquí fue directa a DVD, si no recuerdo mal. Buf. Llegados a este punto, Kevin da un giro radical (y cuando digo radical quiero decir... brutal) a su carrera y hace justo lo que nadie podía esperar: una película muy difícil de encuadrar en un sólo género, pero que desde luego NO es una comedia. Jugando al despiste desde antes de su estreno, anunciada como una "de terror" (no lo es en absoluto), RED STATE se divide en cuatro grandes bloques narrativos: una introducción de personajes que nos remite a algo parecido a un survival horror con gota de slasher; una segunda parte que es, básicamente, un larguísimo sermón que parece que va a desembocar en un torture porn, pero no; una tercera (y larga) secuencia que viene a ser un tiroteo (con un final, digamos, delirante), y finalmente un epílogo que a más de uno dejará patidifuso. Como núcleo central, la figura de un predicador baptista embrutecido y sus dementes acólitos, dispuestos a escabechar a todo gay que se cruce en su camino en su divina misión, basado en ese hijo de puta integrista, más chalado que un cencerro, que responde al nombre de Fred Helps. Así pues, la película es un poco sutil retrato de esta panda de enfermos que, como setas resecas, brotan en distintas partes de los EEUU. Smith, cristiano reconocido, deja de lado casi cualquier atisbo de ironía (aunque algunos destellos hay, en especial la última frase del último plano, jeje) para elucubrar no sólo sobre la génesis y éxito de estos monstruos humanos en su tierra, sino sobre el papel que su gobierno tiene en su erradicación, personificado en el magnético rostro del gran, gran John Goodman, enfrentado al mefistofélico reverendo Cooper, un Michael Parks en estado de gracia. Sobre el papel, la idea de arrejuntar cine de género con esta lúcida denuncia mola. El resultado, no obstante, es del todo discutible. Sin saber muy bien qué hacer con su criatura, Kevin Smith va dando requiebros bestiales, frustrando las expectativas una vez tras otra, llegando a un punto (¡las trompetas!) en el que uno, bastante desorientado, ya no sabe si, en el fondo, esto es sólo un caprichito cinéfilo y nos están tomando el pelo a dos manos. Lo de que en el fondo RED STATE sea una chufla con ínfulas pretenciosas, dirigida a la linea de flotación del espectador, que no sabe muy bien a qué atenerse durante buena parte del metraje, y que encima su resolución sea un anti-climax tan radical, tiene su lógica. Yo confieso que RED STATE me mantuvo pegado al sillón de principio a fin, aunque a posteriori no sé muy bien qué pensar de esta película, sinceramente. No me parece la bazofia que se dice por ahí, ni mucho menos, pero no tengo claro dónde narices quería llegar su director y guionista con ella. No obstante, y con miedo a recomendarla (ya me diréis...), me parece lo más interesante y lo más personal que ha parido Kevin Smith en la última década, aunque sólo sea por su riesgo y desconcierto. Os dejo con su impactante trailer.

- Lo mejor: el duelo interpretativo entre Michael Parks y John Goodman, de muchos quilates

- Lo peor: la cabrona y absurda estructura de la película, y lo amorfo del discurso en general

CABEZAS

DON´T BE AFRAID OF THE DARK de Troy Nixey

2011-10-05T12:53:00.003+01:00

DON´T BE AFRAID OF THE DARK /

EEUU-Australia / 2010

DON´T BE AFRAID OF THE DARK, remake de un telefilm de culto de los 70, es un viejo proyecto acariciado desde hace años por el omnipresente Guillermo del Toro. Frustrado por sus consecutivos fracasos a la hora de dirigir THE HOBBIT (que abandonó) y AT THE MOUNTAINS OF MADNESS (cuyo rodaje ha quedado otra vez suspendido) y dedicado cada vez más a labores de producción, finalmente decidió ceder la dirección de este proyecto (que no las riendas) al desconocido Troy Nixey. Así pues, esta pequeña película de terror está totalmente impregnada del corpus creativo, estético y conceptual del mexicano. Troy Nixey, vigilado muy de cerca por el amigo Guillermo (con brevísimo cameo), es capaz de mimetizar su reconocible puesta en escena por la vía de la elegancia y el clasicismo, desgranando de nuevo esa clase de cuento de hadas malsano y oscuro al que el orondo tex-mex nos tiene acostumbrado. Otra vez la infancia enfrentada ante un universo sobrenatural, a ratos fascinante, a ratos terrorífico, supone el pivote de un relato fantástico, una aventura iniciática cuyas raíces se encuentran en la literatura gótica de principio del s.XX. Y sí, de nuevo hay que recurrir al maestro Lovecraft para desentrañar esos horrores más viejos que el tiempo, pero lo más interesante es que DON´T BE AFRAID OF THE DARK da un paso atrás hasta citar de manera explícita a algunos escritores que, a su vez, fueron inspiración del maestro de Providence: Algernon Blackwood (autor de "La casa vacía", cuyo apellido toma uno de los personajes) y el gran Arthur Machen, citado por el bibliotecario, maestro de maestros cuyas novelas "El Gran Dios Pan", y en especial "El Pueblo Blanco", son una influencia notable tanto aquí como en la obra de Del Toro, que cuenta el progresivo descubrimiento de una niña de un mundo de magia y horror preternatural lleno de simbolismo y un poderoso subtexto (sólo hay que revisar EL ESPINAZO DEL DIABLO y, sobre todo, EL LABERINTO DEL FAUNO, para hallar su huella). Toda la primera parte de la peli es una lección de suspense y contención, guiada por la excepcional interpretación de la niña Bailee Madison, otro de esos prodigios infantiles, bañada por una paleta cromática de ocres y colores pálidos, preciosa en su sugerencia y tensión, que sabe sacar jugo una vez más de la "casa encantada" como espacio físico y mental. Sin embargo, mediado el segundo acto, cuando esos bichillos blancos cabrones comienzan a campar a sus anchas (¿recordais las hadas de EL LABERINTO DEL FAUNO y HELLBOY 2?) es cuando la cosa baja ligeramente el nivel y lo explícito se hace con la función, permitiendo, eso sí, momentos incluso distendidos (la cena con los invitados). Afortunadamente, la cosa cambia de rumbo hacia el final, hacia la oscuridad total (y no por nada en esta parte hay ecos del DARKNESS de Jaume Balagueró), rubricando con horror y tristeza una resolución más bien amarga. Es posible que a DON´T BE AFRAID OF THE DARK le falte una ración de riesgo y empuje (en el fondo nos movemos siempre por territorios conocidos), pero es en los pequeños detalles, en la atmósfera y en la solidez del conjunto donde la ópera prima de Troy Nixey tiene sus mejores bazas, un cuento de miedo clásico y cuidado en el que, insisto, la sombra de Guillermo del Toro es muy alargada.

- Lo mejor: las exquisitas referencias literarias que maneja, la buena factura general y su decidida apuesta por el clasicismo gótico

- Lo peor: Guy Pierce, en estado de permanente somnolencia, y que no ofrece sorpresas para el iniciado

CABEZAS

TINIEBLAS GONZÁLEZ: rueda de prensa

2011-09-26T15:06:00.000+01:00

Esto no es nada habitual en Sesion Golfa, pero la ocasión bien lo merece. Tinieblas González, cineasta vasco, preparó esta rueda de prensa durante el pasado Festival de Donostia, explicando el devenir de su último proyecto y como éste se fue al carajo, cuatro años de curro, de vida, que otros tiraron por el sumidero. Conocí a Tinieblas hace años en Donostia, cuando presentó su primer corto POR UN INFANTE DIFUNTO, que tuvo una cálida recepción. Es un tipo inteligente e íntegro, eso os lo garantizo, y aquí expone una serie argumentos y hechos bastante incontestables, poniendo a ciertos organismos, productoras y modos de actuar bien en su sitio. Debajo os dejo el trailer (montado por él) de su película vilmente robada y abandonada. No tiene desperdicio para entender según qué cosas en la industria del cine en este país.

Trailer: EL ÁRBOL DE LA VIDA

2011-09-21T14:20:00.000+01:00

Llego con el trailer de la última obra de Terrence Malick con la película ya estrenada, y causante de una imprevista hazaña: la semana pasada fue nº 1 en taquilla en España, la película en la historia de este país que con menos copias ha logrado tal conquista, lo que supone un llenazo en salas pase tras pase. La segunda en taquilla, la última de Almodovar, duplica el número de copias en exhibición a la de Malick. Algo que parece bastante inaudito en una peli de autor, de casi tres horas de duración y, según cuentan, de complicada digestión. ¿Habrá sido Brad Pitt el causante de tan tremenda anomalía? Este fin de semana, si los astros se conjuran, iré a verla, más que nada para terminar de chapotear en las babas que me ha provocado tan hermoso trailer.

Trailer: EXTRATERRESTRE

2011-09-15T09:33:00.002+01:00

Al fin se ha publicado el teaser de EXTRATERRESTRE, lo nuevo de Nacho Vigalondo, peli de bajísimo presupuesto que rodó en completo secreto este año y que, como debe ser, deja con la miel en los labios. Esperemos que tenga mejor fortuna comercial que con su magnífica ópera prima, la muy alabada (fuera de España) LOS CRONOCRÍMENES, de la que el mismísimo David Cronenberg se interesó en su momento por remakear. Vigalondo es un crack, amigos.

SUCKER PUNCH de Zack Snyder

2011-09-14T12:56:00.004+01:00

SUCKER PUNCH/EEUU/2011

Dice el amigo Snyder que SUCKER PUNCH es su peli más personal, y no lo dudo, aunque sea sólo porque es la única de su filmografía que no se basa en material ajeno, sino en una historia original suya y coguionizada por él. Y se nota. Lejos de las magnas referencias que había manejado hasta el momento, a saber: los zombis plusmarquistas en AMANECER DE LOS MUERTOS, los cómics de Miller (300) y Moore (WATCHMEN), y ahora también metido en harina con SUPERMAN: MAN OF STEEL..., el bueno de Snyder, porque a pesar de sus delirios es un tipo que me cae bien, condensa en un ¿guión? todo lo que le mola, lo aliña con sus más reconocibles tics visuales, y lo sirve con una pequeña carga de reflexión. O, dicho de otra manera, el chungo viaje hacia la autoría a base de la abrumadora acumulación de referencias audiovisuales digitales, la creación de un espasmódico Frankenstein fílmico hecho de retales saltarines que, curiosamente, acaba conformando una especie de engendro original que avanza a trompicones, tropezando con sus propias costuras, pero que suplica cariño al respetable y que, aunque sólo sea porque en el fondo es una verdadera marcianada, logra sus objetivos. Epatar al público a través del estruendo cada vez es más jodido, y sobra decir que SUCKER PUNCH toma la vía rápida con esa intención: cualquier verosimilitud de la propuesta se fulmina tras los primeros 10 minutos (en realidad, un videoclip de 10 minutos como figura narrativa), así que eso es lo que hay: o te abandonas a los sentidos primarios y disfrutas o te provocas una úlcera. SUCKER PUNCH es el puto infierno del gafapasta, amigos. Simboliza y sintetiza todo aquello que cualquier cinéfilo intimista festivalero abomina, reune en casi dos horas un nutrido catálogo de ese tipo de audiovisual que, todavía hoy, mucha gente considera popular, intrascendente o, directamente, despreciable. Me la suda. Cierto es que si uno echa un vistazo aleatorio a cualquier momento de la cinta puede encontrarse sin problemas con un videoclip de Lady Gaga, con la fase final de cualquier videojuego de lucha, con zombies nazis, con una batalla de EL SEÑOR DE LOS ANILLOS (Orcos mediante) o con sendas adolescentes en corsé meneando caderas mientras acribillan a los malos al ritmo del bullet-time ese (cámara hiper-lenta para los amigos), todo ello incrustado en una especie de magma steampunk calentorro dentro de una narración con, al menos, tres niveles de "realidad": la del manicomio, la del prostíbulo y la de los delirium-tremens de la prota cada que vez que baila, una manceba que uno no sabe si va hasta las cejas de setas o tiene superpoderes por su cara bonita. Si jugueteando con el metalenguaje y las realidades alternativas Scorsese se quedó bien a gusto con SHUTTER ISLAND y Nolan hizo lo propio con ORIGEN, el sonrosado y sanote Snyder nos ha regalado su personalísima SUCKER PUNCH, con todo lo que puede ofrecer una peli cuya protagonista se llama BabyDoll y una de sus coleguitas SweetPie, donde aparece Scott Glenn como reencarnación del malogrado David Carradine, donde suenan versiones criminales de los Pixies y Queen y donde, finalmente, todo es tan abrumadoramente cool, frenético, inocente y adolescente que uno sólo puede abandonarse y disfrutar del invento. Y con la postrera sensación de que, seguramente, el amigo Snyder ya tocó su techo creativo con sus WATCHMEN.

- Lo mejor: pese a todo el cacao, horterada y desparramo, la peli deja extraño poso y curioso regusto

- Lo peor: el alambicado ensamblaje de la historia parece una mera excusa para fliparlo en colores

  CABEZAS

INSIDIOUS de James Wang

2011-08-31T09:05:00.007+01:00

INSIDIOUS / EEUU / 2010

Ya lo decía Philip K. Dick: "los marcianos llegan en oleadas". Y lo que dice el maestro va a misa, amigos. Como los grandes gerifaltes de esto del cine en general carecen de imaginación, una vez expoliada la década de los 70, toca arrasar los 80. Y no, no hablo sólo de remakes, sino de tonos, estilos y tempos narrativos. Aunque INSIDIOUS no es un producto de gran estudio, ni James Wang estrictamente un mercenario (aunque su nombre siempre estará asociado a la saga SAW, lo que es algo injusto), una vez más los referentes se anclan en un momento muy puntual del género (sí, los 80) y, aún más, en una sola película con la que comparte tono, estructura y, prácticamente, toda la idea central del relato: POLTERGEIST. Curiosamente, parece que la figura de ese Spielberg en su momento de gloria está siendo reivindicada con fervor en los últimos tiempos (como comentábamos hace un rato con SUPER 8), y no solo su filmografía per se, sino también en su faceta de productor. INSIDIOUS comienza como un relato de fantasmas/casa encantada tradicional, con una primera media hora muy, muy inquietante y que logra tensar los nervios a un nivel muy respetable, como en los viejos tiempos, jugando con la sugerencia más que con el efectismo, manejando los resortes más elegantes antes que la explosión de fuegos artificiales. En este tramo, Wang, que sabe muy bien lo que se hace, incluye dos pequeñas novedades en una historia por otra parte de manual: los padres, después de los primeros síntomas chungo-ectoplásmicos, con un sentido común inaudito en el género, se mudan de casa (¡aleluya!) y después el niño, pivote central hasta el momento de la historia, cae en coma. Mola, ¿no? Estos dos detalles son suficientes para mantener el interés en una película que demasiado pronto muestra sus cartas, incluyendo la visita de una medium bajita y los dos científicos frikis de rigor (¿os suena?), que por sorpresa incluye un soterrado homenaje a SANDMAN, por cierto. A partir de este momento, por si no había quedado claro, los guiños a POLTERGEIST se suceden uno detrás de otro, convirtiendo a INSIDIOUS en una especie de trasunto actual de la película de Hooper/Spielberg, añadiendo algunos apuntes novedosos aquí y allá, y que al fin nos permite ver lo que aquella nos ocultó: el viaje iniciático de ese padre en busca de su hijo perdido en el más allá, un limbo espacio-temporal que por su minimalismo hasta resulta interesante. Por el camino quedan cosas bastante chuscas (el demonio rojo ese haciendo el ganso...), momentos puntuales de una comicidad un tanto forzada y la sensación general de que no hemos visto nada nuevo, pero que contiene los suficientes elementos y detalles novedosos (ojo, sólo detalles) como para no sentirnos estafados, e incluso disfrutar mucho con la función. INSIDIOUS ni siquiera es la mejor película de James Wang (recuperad DEAD SILENCE a la voz de ya), pero le confirma como un cineasta estimable: inteligente, efectivo y que sabe contar una historia de género con elegancia y pulso firme, sin alardes de autor innecesarios ni moderneces videocliperas para crepusculitos. Que ya es mucho.

- Lo mejor: los elementos originales (y hasta sorprendentes) dentro de una trama de manual

- Lo peor: que la referencia principal de la película sea tan clara y explícita

  CABEZAS

SUPER 8 de J. J. Abrams

2011-08-26T11:30:00.007+01:00

SUPER 8 / EEUU / 2011 

Dirección y guion: J.J. Abrams 

Producción: J.J. Abrams, Steven Spielberg y Bryan Burk

Música: Michael Giacchino 

Fotografía: Larry Fong

Montaje: Maryann Brandon y Mary Jo Markey

Diseño de producción: Martin Whist

Vestuario: Ha Nguyen.

Interpretación: Joel Courtney (Joe Lamb), Kyle Chandler (Jack), Amanda Michalka (Jen), Elle Fanning (Alice), Gabriel Basso (Martin), Ron Eldard (Louis), Noah Emmerich (Nelec), Riley Griffiths (Charles), Zach Mills (Preston), Ryan Lee (Cary)

SUPER 8 se ha ganado el título de "película del verano 2011" amigos. Al menos en lo que se refiere a la expectación creada, a los abultados resultados de taquilla y la cálida recepción crítica que está disfrutando. Sin embargo, en la nueva peli de ese pope audiovisual multiplataforma que responde al nombre de J. J. Abrams hay bastante donde rascar. Para empezar, repito lo que ya se ha dicho y escrito hasta la saciedad: sí, SUPER 8 es un homenaje explícito al cine juvenil de los 80. Y sí, SUPER 8 es una declaración de amor al cine de Spielberg pero, ¿esto basta para que sea una película memorable? Pues va a ser que no. Vamos por partes.

SUPER 8 tiene cosas muy buenas, algunos aciertos maravillosos, pero también una serie de elementos más bien reguleros, netamente derivativos y mal construídos. Todo ello, hallazgos y cagadas, se mueven en una sola dirección: provocar en el respetable ese difuso sentimiento, dificil de definir, al que llamamos nostalgia. Abrams construye toda su película con la certeza de que su target objetivo, más que infantil/juvenil, son (somos) los treintañeros que crecimos viendo todas esas películas en tiempo real. Ya sabeis de lo que hablo: LOS GOONIES, GREMLINS, REGRESO AL FUTURO, EXPLORADORES, NUESTROS MARAVILLOSOS ALIADOS, JÓVENES OCULTOS, EL SECRETO DE LA PIRÁMIDE, NOCHE DE MIEDO etc... Aventuras y fantasía en estado puro. A la vez, y dado que el Spielberg productor aparece al mismo tamaño que el director, desempolvando de paso el logo de su añorada Amblin, Abrams se siente respaldado para fusilar, directamente, algunas secuencias de su referente, extraídas a machete de E.T., ENCUENTROS EN LA TERCERA FASE y PARQUE JURÁSICO, mayormente. Pero la dependencia del cineasta Spielberg no termina aquí, no. Todo SUPER 8 es un esfuerzo desesperado por mimetizar su estilo, su mirada: esos bonitos reflejos anamórficos en las lentes, las extensas urbanizaciones de clase media, los paseos en bici de la chavalería, los elegantes movimientos de grúa, la música de Giacchino imitando al gran John Williams, el retrato de las familias (en especial la del director de peli amateur, spielbergiana 100%)... y podríamos seguir un rato largo.

Toda esta referencialidad que raya en la obsesión no es el mayor problema de SUPER 8. El principal escollo es un guión que no sabe cohesionar todos estos elementos, la masilla parece agrietarse y amenaza con derribar el edificio fílmico. El guión del propio Abrams dispara en demasiadas direcciones, tratando de abarcarlo todo y abarcarlo ya, sin ser capaz de focalizar la acción y la emoción, siquiera el género de la película, dando una serie de bandazos peligrosos durante la mayor parte del metraje. Es ésta una peli sin nudo, sin segundo acto, donde todo el cacao, que no es poco, se resuelve con urgencia y cierta desidia en las ideas. En medio, un caos que trata de pivotar sobre dos conceptos sencillos: la pérdida y la empatía (los mismos que vertebraban E.T., por cierto). Hubiese sido mucho más jugosa la jugada si en vez de intentar colar tropocientas ideas, subtramas y giros de guión Abrams se hubiese centrado en esto, pues aunque de una manera un tanto simplista prólogo y conclusión encajan con coherencia (el medallón), el resto va danzando con sensación de descontrol. Hasta uno de los hallazgos más molones de la peli, esa suerte de cine dentro del cine (¡con zombies!), se acaba por diluir entre tanto bombardeo de ideas que no acaban de cuajar. De hecho, está tan desaprovechado que la proyección de la película de los chavales durante los créditos (que no hay que perderse) parece lo único personal que Abrams ha puesto en su película, alejándose un poco de la alargada sombra de su mentor. Incluso en su climax final, repito, precipitado, el diseño del alien es más bien poco atractivo, de "piloto automático", hasta tal punto que se podría decir, también, que SUPER 8 es un "MONSTRUOSO para niños".

Pero tampoco sería justo ignorar que, pese a todo, SUPER 8 tiene momentos de gran cine, secuencias, instantes, planos que logran recuperar al 90% esa magia, ese "sense of wonder" tan añorado. Y lo más curioso es que todos esos oasis de belleza Abrams los gestiona en las distancias cortas: su control del prodigioso casting infantil en los momentos más delicados es magnífico, y logra sacar emoción sincera, como el prólogo o el sensual acercamiento entre la pareja protagonista mientras ella interpreta a un zombie (¡precioso!), o algunos momentos en los que los secundarios toman las riendas (ese pirómano en miniatura, el pretendiente fumeta...). Esos momentos de recuperación de la infancia funcionan, transmiten verdad y sensibilidad, muy lejos del estruendo y la confusión de sus alrededores. Aunque indudablemente entretenida y moderadamente divertida, es una pena que finalmente SUPER 8 resulta tan irregular, tenga tantos altibajos y sólo sea capaz de cumplir sus objetivos a ratos. Como no conozco en profundidad las obras del amigo J.J. en la tele, y sólo he visto sus incursiones en celuloide (MISIÓN IMPOSIBLE 3: del montón; MONSTRUOSO, como productor: interesante; STAR TREK: magnífica), ignoro si hay algo de impronta personal en esta película (yo desde luego no la capto). Más bien SUPER 8 es un ejercicio de escaneo en alta definición de los referentes comentados, adaptándolos a la tecnología del s.XXI, proceso en el que han perdido gran parte de su alma. Falta aquí la claridad de ideas y el sentido de la aventura de LOS GOONIES o la mala leche de GREMLINS o JOVENES OCULTOS. Quizás Abrams no haya sabido entender que la nostalgia es un espacio para la memoria, no para instalarse en ella cual okupa. O quizás es que ni estos sean los 80 ni nosotros somos ya niños. O quizás es mejor que reviseis un par de joyas recientes: EL GIGANTE DE HIERRO y mi recomendación especial, esa delicia halloweenesca que sólo se estrenó (incomprensiblemente) en DVD, TRUCO O TRATO, ambas para comprobar en vuestras carnes qué es lo que le falta y le sobra exactamente a SUPER 8. Dicho queda.

- Lo mejor: el extraordinario casting de niños, suya es la película

- Lo peor: la falta de personalidad y efectividad del conjunto entre tanta referencia, ruido y confusión

CABEZAS

SECUESTRADOS de Miguel Ángel Vivás

2011-08-23T13:44:00.000+01:00

SECUESTRADOS/España/2010

Otra vez ha ocurrido. SECUESTRADOS ha tenido mucha más repercusión fuera que en la taquilla patria, sobre todo a raíz de los comentarios surgidos tras su proyección en el último festval de Sitges. Parece que seguimos teniendo en esta santa tierra los prejuicios bien armados respecto a lo que nuestros cineastas cocinan en casa, desterrando o ignorando muchas veces películas muy potentes que no han sabido o podido competir con tanta medianía que nos llega de todas partes. Y no, no es un ataque de patriotismo absurdo, es la constatación de que aquí se hace tan buen y mal cine como en cualquier parte del globo. Porque el segundo largo de Miguel Ángel Vivás no tiene nada que envidiar a cualquier producto foráneo de similar concepto, y los hay a patadas. La aproximación al horror del proyecto y de su director es frontal, sin paños calientes, huyendo de cualquier manierismo forzado pero, a su vez, construyendo la narración con un alarde de puesta en escena que, milagrosamente, nunca entorpece el ritmo ni la brutal intensidad de la historia. Apenas seis o siete largos planos-secuencia bastan y sobran para ocupar todo el metraje, coronando el ejercicio de estilo fílmico con un par de escenas a pantalla partida que, por una vez, están justificadas y ayudan al jodido impacto que esta película es capaz de provocar. Un alarde de planificación, interpretación y sapiencia cinematográfica muy difícil de redondear con brillantez que el director acaba manejando como un Scorsese en sus tiempos mozos. Vivás puede estar orgulloso. Aunque SECUESTRADOS está muy cerca de otras propuestas cercanas al género del terror, digamos, sin elementos sobrenaturales (en la misma liga de los dos FUNNY GAMES de Hanneke, por ejemplo), o incluso bordeando eso que llamaron "torture porn", con la diferencia, amigos, de que esto no es divertido. Su director prescinde del dilema ético o la "moraleja" y de cualquier intento de hacer respirar la película o aliviar la tensión, para mostrar el horror humano de frente y con muy pocos asideros para el espectador. Tanto, que sus últimos cinco minutos pueden ser muy difíciles de soportar para una gran mayoría del respetable, pues asistimos a una coda de pura crueldad que rubrica una historia de la que pudimos haber vislumbrado la luz por unos instantes. Agobiante, tensa, brutal, claustrofóbica, violenta, desgarradora para finalmente abandonarse al nihilismo absoluto, se podría tachar al propio Vivás de, en el fondo, jugar con la pornografía de los sentimientos, de no ser más que un agitador sensacionalista. Puede ser, pero yo prefiero considerarle un valiente sin complejos, un tipo al que hay que seguir la pista pero ya. SECUESTRADOS podría ser la hermana de sangre de aquella joyita ya olvidada del horror abstracto llamada LOS EXTRAÑOS, que teorizaba acerca del mal como inercia. Recomendada para el que se atreva.

- Lo mejor: el valiente planteamiento de la película y la coherencia y firmeza con la que se lleva a cabo, y la absoluta entrega de Manuela Vellés a su papel

- Lo peor: los roles "bueno-malo" entre los secuestradores y algún que otro detalle chirriante

  CABEZAS

Trailers algo otoñales

2011-08-22T09:33:00.000+01:00

Demasiado tiempo hacía que no recopilaba algunos de los trailers de los proyectos más esperados por estos lares, y que deberían estrenarse antes de fin de año. Pues aquí van unos cuantos, firmados por gente tan ilustre como Fracis Ford Coppola o el demente de Lars Von Trier... Ale, háganse la boca cataratas con TWIXT, MELANCHOLIA y otras hierbas menos distinguidas...

Interludio papal

2011-08-19T08:31:00.000+01:00

Disculpad, pero mi ciudad está invadida por las tropas de Saruman emitiendo sobrenaturales tonadas a todas horas, por tierra, mar y aire, en metro y en superficie, a la sombra y al sol, acechando tras las esquinas, sonrosados y sonrientes, agitando banderas y proclamas demenciales. Rezan de rodillas por mi alma inmortal, dicen, pero yo no les oigo. Afortunadamente el demiurgo también inventó el iPod y los auriculares de DJ. Y a los Ghost.

CÓDIGO FUENTE de Duncan Jones

2011-08-08T11:35:00.001+01:00

SOURCE CODE / EEUU / 2011

Dar la campanada con una ópera prima siempre es un problema. Ya sabeis, el listón demasiado alto, las expectativas se disparan y todo el mundo espera esa segunda obra con las garras afiladas, la que se supone ha de decidir si el éxito precedente ha sido un milagro puntual fruto de la casualidad o el sujeto en cuestión tiene talento y ganas de perdurar. Duncan Jones pegó un considerable pelotazo con MOON a raíz de su triunfo en Sitges 2009, una notable muestra de ciencia-ficción pura (sci-fi hard, como dicen algunos imitando a Chiquito) en el que el gran espectáculo era de ideas y no de fuegos artificiales. Bonita papeleta para Duncan, que en vez de encerrarse en un sótano oscuro durante cinco años para elucubrar una presumible obra maestra (la que muchos esperaban como segunda película) se deja seducir por Hollywood y tira por la tangente con estrella de por medio (un muy solvente y carismático Jake Gyllenhaal), urgencia narrativa (la peli no llega a 90 minutos, créditos incluidos) y un tono general mucho más ligero y trotón que su obra precedente. SOURCE CODE hinca los dientes de nuevo en la ciencia-ficción como fondo contextual, aunque la esencia de peli se mueve por los terrenos del thriller, claramente. Se podría decir que este pretexto genérico es el que permite a Jones, a través de un ingenioso, conciso y funcional guión, expandir y jugar con los mecanismos del thriller tecnificado, logrando una sugestiva mezcla de conceptos que se apoyan en su milimétrica gramática audiovisual. Una misma secuencia temporal de ocho minutos que transcurre en un mismo escenario (tan cinéfilo como un tren), una situación repetida a la que el protagonista es lanzado una y otra vez para desentrañar el misterio y, una vez más, salvar muchas vidas. Sí, entramos en los terrenos de la física cuántica, los viajes en el tiempo y el multiverso, pero que nadie salga corriendo: toda esa parafernalia científica sólo es un envoltorio molón para que el sólido engranaje de SOURCE CODE avance sin freno hacia el final, como ese tren abocado a la tragedia, logrando un thriller de pura cepa, puro nervio, poco pretencioso y muy juguetón, suficientemente ingenioso (pero no sorprendente) cuya único punto flojo es un forzado happy end que más bien parece impuesto por factores externos. Recordad cuando el reloj se para y el tiempo se detiene: ése es el verdadero final de la peli, lo que viene después es un postre fuera de menú y mal cocinado. No obstante, este tropezón final romanticoide-metafísico-yeyé no logra oscurecer para nada esta inusual aunque coherente segunda película de Duncan Jones, coherente porque se mantiene fiel al género y sigue lidiando con cuestiones acerca de la identidad humana, con un muy justo uso de los efectos especiales, e inusual porque seguramente nadie se esperaba algo así, tan ligero y adrenalínico. Muchos ya se llevan las manos a la cabeza por el bandazo de Jones al "cine comercial". A mí no me preocupa en absoluto. Por mi parte, se mantiene el interés en este director, aunque, sobra decirlo, SOURCE CODE no tiene ni la ambición, ni el riesgo ni la altura de miras de esa joya titulada MOON. Seguiremos vigilando, Duncan.

- Lo mejor: poder encasquetarle eso de "espectáculo inteligente" sin rubor, y la fidelidad de Duncan Jones con la ciencia-ficción

- Lo peor: doble final meloso y forzado al canto. No traiciona la película, pero sobra

  CABEZAS

INVASIÓN A LA TIERRA de Jonathan Liebesman

2011-07-30T12:17:00.008+01:00

BATTLE: L.A. / EEUU / 2011

INVASIÓN A LA TIERRA (aka BATTLE: L.A.) tiene un solo objetivo: ponérsela morcillona al adolescente norteamericano. Previo pago de los 12 dólares de rigor de la entrada, las palomitas king-size, los nachos con salsa barbacoa y el litro de Coke. Cuando comienzan los créditos finales y Johnny ya está convencido de que ser cualquier otra cosa que no sea un marine es una puta mierda, corre a rellenar su solicitud en la oficina de reclutamiento más próxima. Porque ser un marine es lo más, amigos: esa recia mandíbula en perspectiva a contraluz, ese mirar al infinito con ligero bizqueo, ese sentido del honor, cuadrado ante la bandera con expresión de estar sufriendo un trombo cerebral, esa sana camaradería rebosante de testosterona ("¡eso ha sido digno de John Wayne!" le espetan al sargento sin un atisbo de ironía, oiga), esa imposibilidad de decir una frase que no tenga una exclamación, esa síntesis de concepto fruto del análisis profundo ("sólo me interesa saber cómo se les mata"), esa pedagógica ternura (al niño de diez años que acaba de perder a su padre acribillado, se le espeta "eres mi pequeño marine" para luego saludarle como si fuese capitán general, y a otra cosa) y la firme convicción de que si en el planeta no existiese el ejército de los EEUU, todo sería un caos de la ostia. Le podríamos poner un turbante a las sepias biomecánicas de este panfleto y tanto daría, porque para eso tenemos a los marines, que sólo ellos saben lo que hay que hacer y cómo hacerlo. El mediocre de Jonathan Liebesman agarra lo peor de INDEPENDENCE DAY, BLACK HAWK DERRIBADO y LA GUERRA DE LOS MUNDOS para confeccionar este risible espectáculo pirotécnico de encefalograma plano sin una sola idea original y sin sentido del humor, que comienza bien pero que pronto se abandona al sonrojo panfletario (esos largos discursos marciales, ese final de vergüenza ajena, ver para creer) y al exceso a todos los niveles, cuyo único discurso articulado es el que discurre entre el ruido, la furia y los casquillos de munición rebotando en el suelo. Un vergonzante ejemplo de cine político en su más pura expresión, rastrero y camuflado, un insulto al género de la ciencia-ficción, puro colesterol cinematográfico, una suerte de "Patrañas Bélicas" que hace buena a la mucho más modesta SKYLINE (que ya es decir), que seguro ha hecho aplaudir con las orejas al Tea Party y que, efectivamente, provocaría un alarido multiorgásmico al mismísimo John Wayne. ¡Join The Army, motherfucker!

- Lo mejor: dejando el cerebro en la nevera, alguna secuencia bélica está bien resuelta

- Lo peor: que ofrece sólidos argumentos para los muchos detractores del cine comercial en general y la ciencia-ficción en particular

  CABEZAS

FRANKLYN de Gerald McMorrow

2011-07-28T09:31:00.005+01:00

FRANKLYN/Inglaterra/2008

...

¿Franklyn?...

...

Más o menos este fue mi único pensamiento tras fundir a negro el último plano de FRANKLYN, ópera prima de un tal Gerald McMorrow, que viene a ser como una película que tiene los cordones desatados y se tropieza a sí misma durante todo el metraje, tanto que, a uno que ya le patinan las neuronas a fuerza de deglutir audiovisuales, sufrí ese curioso pensamiento que bascula entre "creo que no me he enterado de casi nada" y "pero qué rica está Eva Green". Decir que FRANKLYN es una película farragosa es ser un pedante con pintas. Decir que es de honda complejidad es para que le arrojen por la ladera emplumado en brea. FRANKLYN es un puto lío que tira por la borda tanto la coherencia como, y esto es mucho más peligroso, la posible inteligibilidad del discurso. Efectivamente, FRANKLYN es una película bastante incomprensible, uno de esos casos en el que el todo resulta mucho menos gratificante que la suma de sus partes. Sí, ya sé que el propio comentario me está saliendo un tanto obtuso, pero... ¿por dónde comienzo a desgranar la madeja? Pues, para empezar, durante muchos, muchos minutos, se nos cuentan cuatro historias que avanzan en paralelo sin ninguna conexión aparente entre ellas: la de la muchacha autodestructiva con ínfulas de videoartista, la del chaval plantado en el altar que se reencuentra con una "amiga imaginaria" de la infancia, la del padre en búsqueda de su hijo desaparecido... Lo jodido es que la esencia individual de cada una, además, discurre por el cripticismo más total: no sabemos qué está pasando en realidad en ninguna de ellas, mucho menos su relación con las demás, y aún menos con otra que... ¡ocurre en una especie de universo paralelo neogótico stampunk!. Pozi Amparo, la cosa es como una marabunta de enigmas solapados, medio guiados por un personaje enmascarado (trasunto del Rorschach de WATCHMEN) que no para de hacer discursos en off tocando temas todos ellos trascendentes: la fe, el concepto de realidad, el totalitarismo, la soledad, la alienación y la ausencia de padre, madre y perrito que le ladre, todo ello paseando por un universo híbrido entre el BRAZIL de Terry Gilliam y el DARK CITY de Alex Proyas, con un notable trabajo de diseño y escenografía, eso sí. No digo yo que la premisa no tenga su punto, ni mucho menos. Hay destellos interesantes aquí y allá, los ingredientes a veces son sabrosos, pero el potaje resultante es harto indigesto: por exceso de seriedad, exceso de confusión y un tosco trabajo de masilla unificadora, mayormente. Ni siquiera su tramo final, quizás el más fino y enhebrado de toda la peli, el más potente (pero hay que llegar a él, ojo) consigue pulir lo suficiente lo arisco del conjunto, pues la presumible conexión entre todo resulta muy arbitraria. Ni siquiera una muy potente Eva Green, puro carisma, logra definir uno de esos personajes que es dificir asirlos, empatizarlos. Ni siquiera el deslumbrante diseño de producción logra acaparar la atención por lo fragmentario de la narración. Y es una pena, porque estoy seguro de que el tal McMorrow tiene ojo para esto del cine, simplemente ha tratado de abarcar demasiado con pretensiones muy elevadas. Podeis probarla amigos. Quizás podais sacarle más jugo que yo a esta errática marcianada.

- Lo mejor: los aislados destellos de buen cine

- Lo peor: mayormente incomprensible... y ¿quién coño es Franklyn?

  CABEZAS

SED DE VENGANZA de George Tillman Jr.

2011-07-27T14:20:00.008+01:00

FASTER / EEUU / 2010

Con tan sugestivo título en español y la mole de Dwayne Johnson en portada, FASTER (su mucho mejor título original) podría haber sido una de esas de las que suelo huir como la peste, de las que rara vez se cuelan en SESIÓN GOLFA. Pero, ¡albricias!, resulta que tras leer varios comentarios (incluído el de alexcore en su siempre interesante MELTING MAN), me picó la curiosidad. A los quince minutos ya estaba sudando adrenalina, amigos. SED DE VENGANZA es un mamotreto de mucho cuidado, un thriller de acción de notable pureza, que va al grano, que no se anda con gilipolleces y que no desaprovecha ni un sólo minuto de su ajustado metraje. Tanta es su devoción por el género que el chungo George Tillman Jr. logra plasmar a sangre y fuego una curiosa aura de estilizada abstracción, con una trama mínima pero bien armada, en la que ni los tres protagonistas tienen nombre propio, sino que se definen por su función en la historia (ellos son Driver, Cop y Killer, simple y llanamente), y cuyas tres secuencias de presentación son modélicas por su eficacia y potencia. Juega Tillman también a despojar la frenética función de cualquier elemento innecesario, incluso en los diálogos (el mostrenco Johnson debe pronunciar seis frases en toda la peli), lanzando guiños tanto al glorioso thriller de los 70 (ésta podría ser una historia firmada por Don Siegel o Walter Hill, por ejemplo) como al cine de acción hipertrofiado de los 80 (ese Schwarzenegger pre-botox, pero también al vengador con patillas Charles Bronson), pero sin pirotecnia innecesaria, cogiendo lo mejor de cada década y envolviéndolo con un ritmo, claro está, de pleno s.XXI. Así pues, a pesar de que la cosa chirría por improbable en algunos momentos y de que cierto retruécano final no hay dios que se lo trague (o quizás es que entramos en los terrenos del fantastique...), SED DE VENGANZA es una peli 100% disfrutable de principio a fin, muy lejos de la morralla pestilente que este género suele ofrecernos desde que comenzó el nuevo siglo con justicieros y vengadores de medio pelo. Aquí hay nervio y estilo, violencia seca y dolorosa como una patada en el escroto, sin llegar nunca a la hipérbole, dosificadas y tremendas secuencias de acción y persecuciones (¡brutal la del flashback del robo!), personajes de granito pero que funcionan como piezas en un efectivo engranaje de venganza sin florituras, en las antípodas de los enrevesados estudios sobre la materia de los asiáticos, por ejemplo. Sumadle también la presencia de Billy Bob Thorton, sabedor de que su rol deviene en el verdadero protagonista de la función, y la banda sonora de Clint Mansell, tan cojonuda como siempre aquí con un delicioso aroma vintage. Así pues, una pequeña gema entre la deprimente oferta de las multisalas, a la que no le cuesta nada destacar de otras semejantes, o como dicen los yanquis, la guilty pleasure ideal para invertir una hora y media en una de estas calurosas tardes de verano. Muy molona.

- Lo mejor: que un hipotético producto para el lucimiento de Dwayne Johnson sea también un thriller de acción tan sólido, sincero y trepidante

- Lo peor: que el personaje de Carla Gugino sea una comparsa, y algunos momentos del fashion-killer, al borde mismo del ridículo

  CABEZAS

PAUL de Greg Mottola

2011-07-14T13:37:00.002+01:00

PAUL/EEUU-Inglaterra/2011

Que Simon Pegg y Nick Frost son un par de frikis de cuidado no es ningún secreto. La mitad de su curro se ha basado en parodiar algunos géneros clásicos, como intérpretes y como guionistas. Tras el aldabonazo de ese milagro llamado SHAUN OF THE DEAD, que dejó el listón demasiado alto, se atrevieron con la acción policial y las buddy movies en ARMA FATAL (HOT FUZZ), con resultados más irregulares aunque muy descacharrantes. Tras diversas peripecias cada uno por separado, de nuevo han cruzado sus caminos con PAUL. Esta vez la jugada sirve para jugar con el cine ufológico, con un pie en E.T. y otros clásicos de la ciencia-ficción (atención al cameo de Spielberg, genial), y otro en la "nueva comedia americana". No en balde, Greg Mottola es uno de sus estandartes (ya estais tardando en ver SUPERSALIDOS y ADVENTURELAND, dos de las mejores comedias de los últimos tiempos) y la voz del propio Paul corre a cargo de Seth Rogen, seguramente el icono por excelencia de esta generación cómica. Algo bastante cercano a la modesta FANBOYS, por cierto. Con estos mimbres, esta unión de talentos, la cosa prometía ser histórica amigos, pero el potaje no ha quedado del todo sabroso. PAUL es una peli muy graciosa, rápida, referencial y entetenida, sin duda, pero durante todo el metraje da la sensación de que no llega a alcanzar la genialidad, que su potencial (que es mucho) debería haber parido una comedia para los anales. Quizás la simbiosis entre el cínico humor inglés y unas formas netamente americanas no acaba de cuajar, quizás el potencial mordiente de su mala leche está demasiado matizado, buscando un tono amable y para todos los públicos (aunque tiene sus momentos destroyer, los tiene). Técnicamente irreprochable (la integración 3D de Paul es magnífica), sin embargo el propio Paul, alien gamberro, escatológico, fumador y exhibicionista, pivote de la trama, queda un poco desdibujado dentro de la propia película, que en vez de apostar por el riesgo explotando a tope todos sus jugosos ingredientes, se queda en unos terrenos peligrosamente tibios (ese fofo final...), algo que se ve matizado por un par de secundarios brillantes, en especial el proceso de liberación personal de la beata que pierde la fe, un buen puñado de diálogos chispeantes y un refrescante cachondeo general. Aunque me resultó algo decepcionante, PAUL es perfecta para pasar una de estas calurosas tardes cerveza en ristre, y tiene otro cameo de campanillas allá por su tramo final que no hay que desvelar. A por ella sin complejos.

- Lo mejor: los tronchantes y variados puyazos al integrismo evangélico

- Lo peor: es la más floja de las tres del dueto Frost-Pegg

  CABEZAS

LA SOMBRA PROHIBIDA de Jose Luis Alemán

2011-07-13T15:49:00.005+01:00

LA SOMBRA PROHIBIDA / España / 2011

Me da cosica enfrentarme a un comentario de LA SOMBRA PROHIBIDA: LA HERENCIA VALDEMAR II. Entendedme: es muy fácil destrozar sin misericordia esta película, ser cruel, aquello de "seré sincero, y por lo tanto hiriente", porque LA SOMBRA PROHIBIDA, segunda parte (que no secuela) de LA HERENCIA VALDEMAR, es un fracaso absoluto y completo desde cualquier punto de vista. Vaya por delante que aprecio el amor por el género que Jose Luis Alemán ha demostrado con su díptico pseudo-lovecraftiano, y el esfuerzo de producción que ha tenido que suponer levantar este proyecto en este país, pero aquí se acaban los halagos. Esta película es un horror cinematográfico, por momentos realmente irritable, difícil de creer. Si la primera era mala, aunque a ratos se podía soportar con cierto cariño, su continuación directa se hunde en el fango del ridículo cuando precisamente tenía que remontar el vuelo y ofrecer un climax a todo el tinglado ocultista más o menos funcional, porque al menos había un buen trabajo técnico sobre el que soportarlo. Pues ni eso. LA SOMBRA PROHIBIDA tiene las mismas carencias y defectos que su predecesora pero mutiplicados por diez: un guión torpe, arbitrario y mal construido, coronado por los diálogos más pueriles y estúpidos que he escuchado en años (poned la cinta en cualquier punto al azar y escuchad, escuchad...), Alemán, ¿por qué no delegaste este trabajo en un profesional?; ausencia total de suspense, intriga o progresión dramática que justifiquen un poco lo que estamos sufriendo como espectador, y por tanto de ritmo secuencial (esas eternas discusiones entre los protagonistas, uf, esa interminable y absurda escena final, bla, bla, bla...); nula dirección de actores, más perdidos que un pulpo en un garaje, que nos obsequian con una galería de interpretaciones inenarrables, y esta vez sin excepciones, pues hasta la habitualmente solvente Silvia Abascal está sobreactuadísima, por no hablar del ridículo espantoso de Eusebio Poncela con ese pelucón blanco de sectario de bolsilibro de segunda, o a Oscar Jaenada empeñado en invocar al Primordial al grito de "Chuntú" (recordemos que este tío tiene un Goya). ¿Terror cósmico, misterios insondables, atmósferas ominosas, viajes sin retorno a la locura? Sobra decir que cualquier conexión con el universo creativo de Lovecraft es puramente epidérmica, superficial, a pesar de que el propio genio de Providence aparezca como personaje en una lamentable secuencia que provoca más vergüenza que risa (ese doblaje con acento... ¿espacial?). Y entonces llega, señores, el cacareado climax final del ritual y la anunciadísima aparición de Cthulhu en pantalla (que vendieron como la primera, aunque eso es incorrecto): pues bien, entre que los sectarios de turno parecen oligofrénicos lobotomizados en un guateque vintage que no saben diferenciar una muñeca de Famosa de un bebé real, que la deidad tentacular ha encogido y viene directa de hacer pesas en R´lyeh y que las secuencias de acción parece que las ha rodado Ozores, la cosa se queda en un coitus interruptus mortal de necesidad. En fin, un tristísimo colofón para esta mini-saga que nació de una idea atractiva y valiente pero que no ha conseguido, ni de lejos, siquiera rozar lo que pretendía. Qué bajón.

- Lo mejor: los matte paintings y algunos efectos

- Lo peor: ¿qué ha hecho Lovecraft para merecer esto?

  CABEZAS

CONCURSANTE de Rodrigo Cortés

2011-07-11T16:15:00.003+01:00

CONCURSANTE/España/2007

Hay veces que las películas tienen vida propia. Hace cuatro años nadie hizo ni puñetero caso a CONCURSANTE, ópera prima de Rodrigo Cortés, hoy aclamado en medio mundo por BURIED. Los meses pasaron sin pena ni gloria para una peli que parecía abocada al olvido total, pero los caminos del señor son inexcrutables, amigos. Con la obscena crisis financiera mundial en plena expansión, sus causantes directos disfrutando de pingües dividendos y parte de la masa social ciudadana comenzando a desperezarse y esputar verdades como puños, CONCURSANTE parece haber resucitado por motu propio, transformando su esencia de película minoritaria y escondida (seguramente a pesar de los deseos de su director) en un privilegiado status de culto, citada y recomendada en cientos de foros y redes sociales a la luz de los acontecimientos generados por el 15 M. La relevancia de CONCURSANTE es hoy notable, y si se hubiese estrenado ayer, parecería incluso una película oportunista, tal es su actualidad. Cortés, tipo listo, supo posicionarse con un pie en la lucidez, otro en el cinismo y el cerebro esputando mil imágenes y conceptos por segundo. Porque CONCURSANTE es una película netamente postmoderna, espídica, abasalladora, fragmentada, satírica, videoclipera, martinscorsesiana por momentos, davidfincheriana en otros, enérgica siempre y multimedia en su concepto. La mera anécdota argumental, sobre un tipo que gana tropecientos millones en un concurso, lo que supone el inicio de su destrucción como ser humano, se convierte en toda una tesis analítico-cocainómana sobre el funcionamiento financiero mundial, cómo se mantiene y las causas que hacen que el ciudadano asuma sus grilletes sin articular queja alguna. O sea, el mismo meollo de la economía especulativa, también llamado capitalismo a secas. Tan ilustrativa en sus pretensiones como extenuante en su exposición, sus apenas 90 minutos sobran para lanzar a la palestra el mensaje, como un adoquín envuelto con un periódico que emerge en medio del gas en una carga policial. Pedagógica a le vez que frenética (algunos momentos parecen manufacturados por un Michael Moore hasta el culo de speed), todo el caos que transmite la película, en ocasiones excesivo y algo gratuíto, se sostiene sin embargo por la tremenda y paradójica sencillez de su trasfondo, sencillez en la que lo obvio son verdades como puños, y lo que se deduce de ello... como poco interesante. Uno de esos casos en los que el argumento está a servicio de una tesis (y no al revés), con la feliz anormalidad de que el lenguaje (audiovisual) que se utiliza está muy lejos del academicismo al uso. Si uno es capaz de pasar por alto los habituales desequilibrios de una primera película (querer contarlo todo y querer contarlo ya), y un argumento por momentos algo inverosimil, lo que nos queda es una rara avis dentro del panorama nacional, bastante única en realidad, que ya es de culto pero que se merece mucho más. Recomendada para cualquiera con ojos conectados al cerebro. Bravo.

- Lo mejor: tenerlo tan claro y contarlo así

- Lo peor: esa larga secuencia final... hum...

  CABEZAS

COSMO TRIP: Episodio 10!!

2011-06-15T12:57:00.002+01:00

Como nos estamos volviendo mucho más serios y regulares, ya teneis aquí la décima extinción de vuestro marciano predilecto, el esperadísimo Episodio 10 de COSMO TRIP, ya sabeis, ese demencial proyecto de animación 3D online en el que colaboro, esta vez también con la participación de vuestro guionista favorito. Algo distinto, algo subido de tono, estamos sopesando cambiar el nombre a PORNO TRIP.

Os recuerdo que también podeis bichear en su facebook y en el canal de Youtube de LINCE STUDIOS, además de en su propia web, donde podeis repasar todos los episodios anteriores.

Y ya sabeis... ¡difundid la buena nueva!

CARNE DE NEÓN de Paco Cabezas

2011-06-13T10:57:00.005+01:00

CARNE DE NEÓN / España / 2010

Paco Cabezas es un tipo bien curioso, y hasta cierto punto, una rara avis dentro de la cinematografía peninsular. Sus personales zarpas ya se han hecho notar en proyectos tan personales como APARECIDOS (su estimable estreno en el largo) o la demencial y muy divertida SEXYKILLER, aquí como guionista. CARNE DE NEON nace de un previo cortometraje homónimo y, al igual que sus otros proyectos, hinca la cabeza en géneros, digamos, marginales. Si APARECIDOS escarba en el cine de fantasmas con subtexto político-social y SEXYKILLER en el puro desparramo paródico y gore, CARNE DE NEÓN se encara con el thriller de acción trotón y cínico, con dos referentes nítidos y evidentes como estandartes que guían la función: las películas más gamberras de Guy Ritchie y la notable influencia de un primerizo Quentin Tarantino. Sin ser una operación de copia descarada, es evidente que Cabezas tiene la filmografía de ambos entre ceja y ceja: el ritmo sincopado de la narración, la presentación de personajes y cierta frescura general en las formas por el lado Ritchie; la caracterización de personajes, violencia desatada, cierta sordidez y esos diálogos y situaciones (algunos realmente "referenciales") por el lado Tarantino. Pero de nada serviría esta traslación de referentes foráneos a la industria nacional si la cosa chirría o se queda en un mero calco sin alma, y aquí llega la buena noticia: CARNE DE NEÓN funciona a casi todos los niveles. La película se defiende por sí misma con garra y energía, configurando un universo propio que logra, con algunos peros, sacar la cabeza por encima de su propia referencialidad y reivindicarse orgullosa. En vez de "españolizar" sus referentes, logra crear un tiempo y espacio indefinido, mezcla de muchas cosas, en la que sus criaturas se mueven con soltura cínica en ocasiones, y con tragedia sangrienta en otras. Cabezas no se amilana, caminando por la cuerda floja en no pocas ocasiones (bravo por él, molestando a los defensores del "buen gusto") y logra hacer que, en un reparto tan coral como éste, todos y todas estén estupendos, con mención especial para las chicas (Macarena Gómez, tan bien como siempre, Ángela Molina, estratosférica en su inolvidable papel) y que además logra obrar el milagro de que su prota, el imberbe e ídolo de quinceañeras Mario Casas, resulte el contrapunto ideal para tanto hijoputismo reinante en la película. Aunque tiene algunos problemas de tono y leves incoherencias (sobre todo entre su primera mitad y su último acto, que abandona casi por completo el sarcasmo en pos de la tragedia), aunque algunos de sus puntales tiran por la vía rápida y están muy poco currados (el personaje del Chino y el del policía, puro artificio y tópico), el conjunto resulta vibrante, cañero, entretenido y, curiosamente, deja cierto poso de humanidad y un cálido recuerdo más allá de la sobredosis de esputos, disparos, insultos, palizas y tremendismos varios. Muy recomendable. Siete cabezas para Cabezas, amigos.

- Lo mejor: lo bien que funciona en su conjunto, el buen trazo de personajes en general y la excelente labor de sus intérpretes

- Lo peor: los desequilibrios de tono hacia el final y la poca entidad propia de sus villanos

  CABEZAS

THE WARD de John Carpenter

2011-06-06T15:22:00.004+01:00

THE WARD / EEUU / 2010

Casi diez años ha tardado John Carpenter en volver a la gran pantalla tras la ya lejana FANTASMAS DE MARTE. Diez años. En este largo paréntesis, el maestro se ha refugiado en la televisión, regalándonos dos muestras de su talento en la serie MASTERS OF HORROR, con sendos episodios: el extraordinario CIGARETTE BURNS, y el curioso y polémico PRO-LIFE. Así pues, encarar con un mínimo de ecuanimidad THE WARD no me resulta tarea fácil. Carpenter es una de las razones por las que amo el cine, así de sencillo. Autor y artesano por igual, y a mucha honra, su maestría narrativa, su destilado clasicismo formal y su ácida visión contemporánea conforman una filmografía extensa y coherente que nos ha regalado, como mínimo, media docena de grandes obras y, probablemente, otros tantos clásicos sin fecha de caducidad. Francotirador del género en su forma más pura, heredero de maestros y a su vez inspiración para las nuevas generaciones, Carpenter nunca puso en peligro su integridad como cineasta, siempre ha sido un outsider en la industria, literalmente, un orgulloso puntal de una serie B orgullosa de sí misma. Uno de últimos clásicos aún en activo, en la misma liga que Clint Eastwood, Scorsese o cualquier otro que os venga a la mente. Por ello, es complicado defender con algo de entusiasmo THE WARD, seguramente, una de sus películas más flojas, si no la que más. THE WARD huele a película alimenticia, a encargo, a kilómetros de distancia (una prueba: su única implicación en el proyecto ha sido en sus labores de dirección, algo inusual para él). THE WARD hace gala de una notable apatía, justamente, en los momentos en los que se presupone que Carpenter sabe dar el do de pecho: en las secuencias de suspense. En la gran mayoría de las set-pieces de terror puro, el viejo John pone el piloto automático y sigue a pies juntillas la teoría del pre-susto y el ¡tachán!, abusando de los golpes de efecto gratuítos, cuando nunca ha sido un director "tachanero" (y segunda prueba de que esta película es una paga-facturas en toda regla). Por último, ese guión... en fin, no voy ha hacer sangre, sólo comentar que es una de esas historias de fantasmas en un psiquiátrico con giro final, pero no sólo muy mal armada (a la hora de reconstruirlo, faltan piezas en el puzzle), sino que sigue paso por paso la estructura y concepto de una pequeña delicia hitchcockiana de hace unos años (y ATENCIÓN: SPOILER) titulada IDENTIDAD, ¿recordais? ¿Qué nos queda pues? Pues que Carpenter lleva mucho cine a sus espaldas, y que cuando le apetece saca su genio y nos deslumbra con hermosas imágenes, curiosamente aquí en los momentos menos oscuros de la función, haciendo gala de una exquisita composición en scope (la hermosa secuencia del baile improvisado, por ejemplo) y una precisa dirección de actrices en los momentos en los que todas ellas interactuan en el encuadre. Y que, áun a medio gas, enarbola el primer mandamiento de Billy Wilder con sabiduría: "sobre todo y ante todo, nunca aburrir". Si Hitchcock, Ford o Howard Hawks tuvieron también que aceptar proyectos para poder comer, no veo razón ninguna para lanzar al maestro Carpenter a los leones, como muchos ya están haciendo, advirtiendo, eso sí, que THE WARD no debería ser nunca la puerta de entrada a su maravillosa filmografía.

- Lo mejor: en manos de cualquier otro la película sería infumable

- Lo peor: la duda razonable sobre el futuro creativo de Carpenter

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CONFESSIONS de Tetsuya Nakashima

2011-06-01T15:48:00.004+01:00

KOKUHAKU / Japón / 2010

Muchas veces, y yo el primero, usamos con excesiva alegría el término "obra maestra", diluyendo su verdadero significado con películas que realmente no lo merecen. Sólo el tiempo y repetidos visionados pueden dotarla de tan gradilocuente etiqueta, cuando el pasmo se reproduce una vez más, cuando el estremecimiento se perpetúa, cuando los vellos se erizan otra vez. Eso y la capacidad de crear escuela a base de susurros o machetazos, tanto da, desbrozar lo obvio hasta vislumbrar nuevos portales, abrir caminos en suma, o al menos, dar la sensación de que se buscan y encuentran nuevos modos de expresión en eso tan viejo (y tan joven) que llamamos cine. Bien, pues con un sólo visionado a altas horas, y con sus efectos aún cabalgando desbocados por mis neuronas, CONFESSIONS, sexta película del nipón Tetsuya Nakashima, aquí y ahora, me arriesgo y afirmo que me ha parecido una maldita obra maestra. Como las creaciones hechas para perdurar, CONFESSIONS combina con maestría cerebro y entrañas, frialdad y pasión, para elaborar una absorbente tela de araña que, en parte, bebe de la tradición muy nipona de contar un hecho trágico desde una multiplicidad de puntos de vista (recordemos RASHOMON, del maestro Kurosawa), lo que añade matices, recovecos y claroscuros que, en una primera impresión, ni siquiera podíamos sospechar. Esta especial gramática audiovisual, fascinante pero nada innovadora, es el sólido puntal sobre el que, seguramente, descansa el gran, enorme milagro sobre el que CONFESSIONS se contruye: su hermosa puesta en escena, su hipnótico sentido del ritmo, su abrumadora poética audiovisual. Y digo AUDIOvisual porque aquí la música y las cadencias sonoras son tan o más importantes que el mero apartado visual, ya de por sí fascinante. Sí, casi siempre el sonido es el hermano pequeño del gran dictador, la imagen, y no hay muchas ocasiones en que la música, y aún más, las canciones extradiegéticas, funcionen como un todo perfecto con lo que vemos, configurando así ese magma creativo que llamamos cine, y que en ocasiones también llamamos arte. He leído por ahí que CONFESSIONS es un videoclip de dos horas con imagen al ralentí, una opinión que ni comparto ni acabo de entender, aunque supongo que como definición podría funcionar. Pocas veces he visto en una peli dos canciones, dos leitmotiv, interactuar como pura esencia y contraposición, marcando tempos y puliendo sensaciones: aquí las delicadas notas de los RADIOHEAD más melancólicos, tristes, chocan de bruces con la distorsión ruidista de unos desbocados BORIS. Pura magia que diluye los límites de la secuencialidad tradicional contruyendo... otra cosa, algo que hay que ver. Sobran más comentarios. Buscad y disfrutad de esta película tan hermosa, tan terrible, tan especial, tan única.

- Lo mejor: sin referentes, me desconcierta, me estremece, me fascina hasta el tuétano

- Lo peor: que la experiencia se acabe

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Madrid, mayo de 2011

2011-05-22T00:11:00.005+01:00

Disculpad la intrusión, pero estaba recordando por qué amo tanto esta ciudad...

COSMO TRIP: Episodio 09!!

2011-05-15T13:02:00.001+01:00

Efectivamente malandrines, se ha hecho esperar pero ha merecido la pena: ya se ha estrenado el Episodio 09 de COSMO TRIP, la serie de animación 3D online en la que colaboro.

Y si quereis acceder al resto de episodios y contenidos especiales de la web, sólo teneis que pinchar la imagen del "Petit Cabrón" acosado por las Sillyconitas.

Y os recuerdo que también podeis bichear en su facebook y en el canal de Youtube de LINCE STUDIOS.

LA MEUTE de Franck Richard

2011-05-11T17:08:00.005+01:00

LA MEUTE / Francia / 2010

A los franceses se les está yendo la pinza, el brío y la dignidad. Si hace muy pocas lunas cada entrega de estos nuevos bárbaros era recibida con taquicardias por el aficionado, de un tiempo a esta parte, aunque el goteo sigue más o menos al mismo ritmo, la calidad media de los esputos visuales que lanzan al mundo comienza a ser preocupante. Era de esperar, pero no por ello deja de ser algo decepcionante. Desde LA HORDE no siento esa descarga eléctrica con acento galo por las vértebras. Porque amigos, LA MEUTE es un truño en las narices: completo, amorfo y sin sustancia. Ya sabemos que perderse por la campiña francesa es una cosa muy chunga considerando que la densidad de dementes por kilómetro cuadrado parece ser preocupante (recordad FRONTIERE(S), HUMAINS o CALVAIRE amigos), pero sin embargo la cosa no empieza mal, incluso ilusiona, con este look tan duro en la imagen y un arranque con misterio, al menos hasta que el maromo inquietante "desaparece". A partir de ahí la película se convierte en una especie de teatrillo amateur que trata de tocar todos los palos a la última moda sin ahondar en ninguno, con una habilidad tirando a lo lamentable y una especie de ansiedad por imitar la iconografía redneck yanqui que resulta ridícula. Cambios de tercio cada quince minutos que anuncian cosas que nunca llegan, situaciones absurdas sin ser graciosas (aunque lo pretendan, y ni siquiera estoy seguro de eso), personajes lamentables sin excepción (esos moteros... ¿son una parodia? ¿son simplemente memos?, ¿qué me decís del policía?), monstruos haciendo posturitas a cámara y uno de esos finales... buf. Dificil destacar algo en semejante despropósito, y menos recomendarlo con las cosas realmente potentes que hay por ahí pululando. También conocida como THE PACK, por si alguien se equivoca. Quizás el boom de esta Nouvelle Horreur Vague haya sido cosa de unas cuantas mentes brillantes y no un estallido generacional. No sé. Estoy confuso. La silla con los alambiques mola...

- Lo mejor: no llega a los 80 minutos

- Lo peor: que esta y otras anuncien el canto de cisne de esta brillante oleada de cine de género francés

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PRIMAL de Josh Reed

2011-05-08T20:21:00.005+01:00

PRIMAL / Australia / 2010

El masoquismo compulsivo es una de las señas de identidad del aficionado al terror, amigos. Podría haber pinchado EL LAZO BLANCO, PA NEGRE o THE FIGHTER, pero no. La llamada de la selva. Sabes que lo que estás a punto de poner ya lo has visto cien mil veces sólo mirando fugazmente el poster, pero ahí nos aposentamos, salivando frente a la tele cigarrillo de liar en ristre y con un "No molesten" colgando del gaznate. Y aunque las sorpresas existen (aleluya) la mayoría de las veces el acto masoquista culmina con éxito. Una pura desviación audiovisual de desconocido origen patológico. PRIMAL es una de esas al 100%. No hay una sola razón por la que recomendar al no aficionado esta película. Canónica de principio a fin y fiel al survival como la que más, se demuestra que la industria australiana se está poniendo las pilas, sobre todo cuando ya empieza a generar su propias copias, como la que nos ocupa. Greg McLean dio el pistoletazo de salida con torpedos del calibre de WOLF CREEK o ROGUE, a la que siguieron brillantes gemas como RED HILL o la extraordinara THE HORSEMAN. La ópera prima de Josh Reed se situa en una segunda división que no aporta nada, pero hará disfrutar de hora y media de horrores saltarines. Sacando máximo partido a los abrumadores entornos naturales de su tierra natal y sus atávicos misterios (punto en común de todas las muestras de género salidas de Australia, por cierto), si uno se resiste a apagar el reproductor a los 10 minutos disfrutará de una peliculita de horror bastante apañada con buen ritmo, absurdo argumento en el que se intenta meter con calzador todos los tópicos habidos y por haber (a saber: jovenzuelos de camping, monstruos prehistóricos, virus letales, agua contaminada, posesiones chungas, advertencias ancestrales y "¡¿donde guardaste el machete?!"...) pero dotado de cierto brio y empaque en la puesta en escena (un par de peleas guapas), sorpresa final demente y gore (que hará sonreir a los fanáticos de Lovecraft y sus bichitos tentaculares con ganas de fornicio) y un metraje ajustado y al grano, lo que le impide aburrir ni un solo minuto. Una peli que se deglute y excreta con cariño, con la única originalidad de que aquí el poseso de turno destripa a un canguro en vez de a un ciervo. Recomendable sólo para masoquistas y románticos, pero sólo si ya has visto todas las mencionadas arriba.

- Lo mejor: las hay mucho, mucho peores

- Lo peor: las hay mucho, mucho mejores

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SCOTT PILGRIM CONTRA EL MUNDO de Edgar Wright

2011-05-06T15:52:00.001+01:00

SCOTT PILGRIM VS THE WORLD / EEUU / 2010

¡Al fin, pardiez! Ya estaba tardando en meterme entre pecho y espalda la adaptación de los famosos cómics de Brian O´Malley que tan variada (y polarizada) ristra de comentarios ha provocado. Los originales sólo los conozco de pasada, con ese estilo tan manga-naif, asunto que en breve solucionaré con una hábil incursión en la biblioteca de mi hermana. Dicho esto, no hay problema para los no iniciados como yo: la película habla por sí misma. Y más que hablar, atruena con una explosión de color y decibelios descontrolados. SCOTT PILGRIM VS THE WORLD es una de esas que sólo exigen una cosa del espectador: entrar en el juego. Si a los 5 minutos no estás pasándolo muy bien, mejor busca otra cosa que echarte a las retinas. Porque la última película de Edgar Wright (tipo que lleva trayectoria marciana y de culto, ya) es completamente sincera en su planteamiento y resultados, una vibrante muestra de nuestros tiempos audiovisuales que no se corta ni un pelo a la hora de aunar estilos, influencias y hasta plataformas y medios. Comedia romántica juvenil + videoclip + cómic + videojuegos, pero tomando de cada uno lo que enriquece y complementa a los restantes, que no es poca cosa, sin rechinar y creando un todo cohesionado, coherente y, lo más importante, entrañable y disfrutable al 100% por (casi) cualquier tipo de público ávido de dejarse deslumbrar con un entretenimiento de primer nivel y moderada cantidad de frikismo en sangre. Pero la palabra clave es CARISMA. SCOTT PILGRIM mola mucho, amiguetes. Es una peli que derrocha carisma por los cuatro costados, tan referencial como, ¡oh milagro!, novedosa por sí misma. Un torrente narrativo de ritmo impecable (pero nunca confuso), que hace diabluras con los resortes del montaje (atención a la superposición de secuencias mediantes elipsis a machete) y maneja cual prestidigitador todo lo que cualquier chaval crecido en los 80 con unas mínimas inquietudes culturales ha mamado en su adolescencia, y a mucha honra. Reivindicación autoconsciente de lo indie-pop con cierto ramalazo punki, mucha energía desatada y buen rollo sin ñoñerías, con su punto justo de cinismo postmoderno y mucha, mucha diversión, cuyo único punto débil quizás sea la desopilante acumulación de peleas a lo "Mortal Combat" en su recta final, en el fondo un pequeño pasote perdonable porque, para mi sorpresa, la película de Edgar Wright me ha dejado poso y permanece en mis neuronas vivamente mucho después de su enajenante visionado. Dentro de su muy delirante argumento (que no hay que desvelar a los neófitos), los personajes funcionan y quedan en la memoria (lo de Michael Cera es... puro carisma), fruto del trabajo bien hecho a todos los niveles y de una tremenda capacidad para empatizar con ellos y ellas. Mucho más de lo que podría esperar. Genial. Y mi hermana, que se ha devorado todos los cómics, está encantada. Segunda parte ya.

- Lo mejor: no hay otra igual (por el momento)

- Lo peor: ¿por qué la han ninguneado así?

  CABEZAS

TUCKER & DALE vs EVIL de Eli Craig

2011-04-05T17:16:00.000+01:00

TUCKER & DALE VS EVIL / Canadá / 2010

Cada cierto tiempo ocurre, y mola. En alguna parte del mundo alguien agarra por los belfos los dogmas del género, les da la vuelta con inteligencia y ganas de cachondeo y demuestra la infinita elasticidad del cine de terror. Si el penúltimo, genial ejemplo, fue SHAUN OF THE DEAD (ZOMBIES PARTY), tirando de las variadas apocalipsis zombies que el celuloide nos ha dado, pero con ambiente proletario a lo Ken Loach y alma de comedia romántica; o THE COTTAGE, tronchante bastardización entre un thriller a los "hermanos Coen" y cualquier slasher de pacotilla de ambiente rural, a reivindicar pero ya, ahora llega el turno de TUCKER & DALE VS EVIL, deliciosa vuelta de tuerca al hermético subgénero del survival con gotas de slasher. Y una puntualización: como los ejemplos anteriores, ésta no es una parodia, sino una comedia con todas las letras. Mejor no leais más esta parrafada, simplemente, birra en ristre y en buena compañía, sentaos a verla y disfrutad. Hacedme caso. Porque tenemos la típica pandilla de adolescentes pijos y chavalas turgentes pasando un finde rural. Tenemos un par de lugareños feos y con pocas luces. Y una cabaña en lo más profundo del bosque con una macabra maldición. Todos los ingredientes en un survival de manual. La maniobra, pues, es tan sencilla como brillante: darle la vuelta al punto de vista. Porque los "montañeses" son dos almas cándidas e inocentes, dos seres encantadores, y los jovenzuelos una panda de memos llenos de prejuicios que les toman por peligrosos psicópatas sedientos de sangre. El juego con los topicos es un descojone (el primer encuentro en la gasolinera, la motosierra, la decoración de la casa, el policía...) y uno tras otro, los teenagers van muriendo por accidente de las maneras más absurdas, mientras los pobres rednecks Tucker y Dale, asustados por la escabechina que sucede a su alrededor, piensan que se trata de una panda de tarados dispuestos a culminar un retorcido suicidio colectivo, jejeje. Lo bueno es que la pareja protagonista funciona muy bien, aunque es imposible no acordarse de ZOMBIES PARTY, una vez más, y es que los ingleses suelen ser bastante insuperables en esto del humor, amigos. Es una pena que la película no aguante el fuelle durante todo su metraje, y en especial por el respetable desinfle que sufre en su último tercio, con ese típico retruécano innecesario que le hace perder enteros y parte de su encanto inicial, una modearada cuesta abajo rubricada por un epílogo que rechina por los lados. Lo dicho, aunque juega en la misma liga que las delicatessen mencionadas, TUCKER & DALE VS EVIL no llega a ese nivelazo, aunque no por ello deja de ser disfrutable para cualquiera en general y una obligación para los amantes del género.

- Lo mejor: Tucker & Dale!

- Lo peor: no llegar tal lejos como prometía, le falta algo de inventiva visual

PD: misterios de la distribución y las redes, la copia que disfruté era un workprint de excelente imagen pero a falta de los f/x digitales y muchos de sonido, perfectamente visible y disfrutable, aunque si alguno caza la versión completa, mi agradecimiento será eterno, chicos y chicas. Así que, como no tengo 6 cabezas y media y tiro de imaginación, TUCKER & DALE VS EVIL se lleva un merecido...

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AGNOSIA de Eugenio Mira

2011-03-31T17:12:00.001+01:00

AGNOSIA / España / 2010

Y si ayer hablaba de cacaos mentales patrios, al loro con AGNOSIA, cosa fílmica bastante insólita en la producción nacional del pasado año. Ambientación decimonónica, atmósfera de thriller, historia de amor romántico-febril basada en una idea delirante, momentos de terror psicológico, ramalazos casi steampunk, misterios insondables de la mente y... una chica que necesita gafas. Paso de explicaros la trama, no sé muy bien por qué, aun compartiendo pifias con LOS OJOS DE JULIA, la peli de Eugenio Mira la he disfrutado mucho más. Será porque se arroja a ratos a los brazos de lo improbable, o porque camina sin complejos por el filo de la navaja del ridículo, o porque hay muchas películas en una, o porque esa noche servidor estaba blandito, pero este compendio de ideas brillantes, trama imposible y resultado raro raro me acabó seduciendo, aún con sus flojeras y desinfles, que no son pocos. Si la de Guillem Morales trataba de impresionar al público a toda costa y de forma un tanto artificial (y patética), AGNOSIA hace gala de su orgullo de serie B lujosa y marcianada neogótica, pintando una Barcelona que puede recordarnos al Londres de THE PRESTIGE, por ejemplo, buceando también en esa literatura pulp que roza el melodrama desatado (quizás su vertiente más discutible, que por momentos la hace derivar hacia cosas cercanas a una miniserie de esas de "epoca" de TVE) pero, ya digo, con ideas alucinantes (esa habitación negra y su iluminación "de estrellas") y una notable falta de vergüenza y mesura. Lamentablemente, las piezas no encajan todo lo bien que debieran y la cosa da unos bandazos que hundirían al Titanic otra vez, Felix Gómez anda justito con su papel de vértice del triángulo amoroso, mientras que Eduardo Noriega se esfuerza por dar lecciones de interpretación con su habitual entrecejo fruncido, mirada diarreica y dicción de pitufo maquinero (no entiendo el prestigio de este hombre, por la gloria de Al Pacino). Pero, oh gracias señor por tu infinita misericordia, ahí está una hermosa y emocionante Bárbara Goenaga, para comérsela como Joanna, origen y destino de toda la rocambolesca trama, personaje al límite con el que muchas habrían sucumbido al escarnio y el cachondeo, pero que ella defiende con una integridad y una riqueza de matices de ovación y vuelta al ruedo.

- Lo mejor: su rareza intrínseca y falta de prejuicios, y la Goenaga

- Lo peor: desbarres por doquier, Noriega frunce el ceño again

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LOS OJOS DE JULIA de Guillem Morales

2011-03-30T16:49:00.002+01:00

LOS OJOS DE JULIA / España / 2010

Sigo rescatando cosas del 2010, en especial las producciones patrias que se me escaparon. Turno para LOS OJOS DE JULIA, la entrega anual de miedo con absoluto protagonismo de Belén Rueda, producida otra vez por el ubicuo Guillermo del Toro, y segunda peli de Guillem Morales tras su prestigiosa EL HABITANTE INCIERTO, que aún no he visto. Y sí, cierto prestigio sobrevuela sobre estos ojos con nombre de mujer, como si hubiese un cine de género "serio", el que disfruta del respeto del respetable, y el resto fuese carne de frikis sin cerebro. Pues bueno, pues vale, pues me alegro. Me parece muy bien que, año tras año, en las españas triunfe EL ORFANATO y LOS OJOS DE JULIA, de verdad, lo celebro, pero son películas que, en el primer caso, me gusta pero no me apasiona, y en el segundo... mejor entremos en materia. LOS OJOS DE JULIA es una película formalmente impoluta, por momentos brillante, pero nada apasionante, y mucho menos memorable. Puede ser que los ojos de Karba estén ya demasiado fogueados por miles de terrores varios, pero los de Julia tienen muchas trampas, y todas huelen a kilómetros. El amigo Morales picotea de demasiados referentes con la intención de epatar al espectador, de mantenerle en un constante asombro y tensión, pero lo único que consigue es provocar la confusión y, lo que sí que resulta terrorífico, el aburrimiento. Me explico. La cosa comienza con misterio bien medido, oscuridad, juego de dobles y ambiente sobrenatural. Jugamos en terrenos orientales, jugamos a THE EYE o DARK WATER, sentimos esa atmósfera nublada y una amenaza difusa, nada que objetar. Algún momentazo aislado en el mejor tramo de la película, con diferencia, ideas claras y pulso firme (la incursión en los vestuarios de las ciegas). Pero dura poco. Demasiado pronto comenzamos a olernos algo extraño: esas pistas falsas que no llevan a ningún sitio, y lo descubrimos según nos tiran el anzuelo, mal rematadas al final y con prisas (las llaves, la niña...). Guillem que de pronto quiere ser Dario Argento sobre todas las cosas, y no se acerca ni de lejos. Irritantes decisiones visuales en este tramo (¿para qué ocultar el rostro de un asesino cuya identidad es irrelevante en términos narrativos?) y último tercio con un psicópata pesadísimo (¿plastópata?) con una motivación entre absurda y delirante, que pretende un profundo juego psicológico con la protagonista, rematado por un giro final sencillamente ridículo. Para rematar el desaguisado, último plano con ínfulas de poesía metafísica tan gratuíto como inútil. Y dejo a parte a Belén Rueda. No voy a cargar contra su interpretación, sentida y currada, nada fácil, pero sí contra la decisión de casting: Belén Rueda ya me aburre en este registro, me carga. Un poco más de riesgo, carajo, ¿qué tal Emma Suarez o Leonor Watling como Julia? Y es precisamente eso, riesgo de verdad, atrevimiento, lo que le falta a esta peli, que siempre se queda en la corrección neogótica más absoluta, queriendo ofrecer de todo en pequeñas dosis, buscando el aplauso y el respeto general, y que al final no sabe a nada. Truñete al canto, amigos.

- Lo mejor: su primer tercio

- Lo peor: su indigestión de referencias, su plastópata en acción, se hace eterna

  CABEZAS

LEMMY de Greg Olliver y Wes Orshoski

2011-03-29T12:35:00.002+01:00

LEMMY / EEUU / 2010

Con el cachondo epígrafe de "49% motherfucker, 51% son of a bitch" se presenta el esperadísimo documental dedicado a la mítica figura de Lemmy Kilminster, sobran presentaciones. Aclarar, antes de nada, que NO es un documento acerca de los Motörhead, sino que se centra muy mucho en desglosar la carrera y personalidad de este titán del rock, insustituible en el sentido más literal, probablemente inmortal, como él mismo señala aquí socarronamente en el "Ace of Spades", vociferando aquello de "I don´t want to live forever", a lo que le añade "but apparently I am", jejeje. Aunque en wikipedia se le atribuyen 66 años, nadie sabe a ciencia cierta su edad. Un auténtico personaje, y por si alguno albergaba la duda a estas alturas, sin un ápice de pose sobre su chepa. Este tío es de verdad, de la berruga a las botas, puro rock´n roll encarnado, un tipo auténtico que deja en babuchas a tanta estrellita del rock de pastel. Mola todo verle, con esas pintas, en unos grandes almacenes, pedir la caja recopilatoria de los Beatles (una de sus pasiones) pero en mono, no en estereo. Lo mismo que se pasea con una cruz de hierro nazi en el pecho sobre un tanque alemán en un descampado a la vez que afirma "soy todo lo contrario a un nazi", por si algún memo aún mantiene tal aseveración. Cómo arranca la emoción a su (recién) encontrado hijo con sólo un par de palabras, un auténtico motherfucker con su corazoncito. O su particular y honesta visión acerca del consumo de drogas, anfetas mayormente. Y es que este abuelete con voz de cazalla que como te descuides te levanta la chorba en un plis plas, además de rockear como un cabrón, de destilar puro rock, acaba exhudando una especie de ternura cabrona que desarma. Así que ya sabeis lo que hay aquí: todo un derroche de personalidad rockera con protagonismo absoluto de un tipo de los que ya no quedan, con un buen puñado de seguidores/fans/camaradas hablando de y conversando con él, de los que tengo que destacar, sobre todo, al bueno de Dave Grohl, cuya admiración por Lemmy le sale por los poros. Documental apañado, bien estructurado y bien documentado (esto último no es muy común), cuyo principal valor se basa en el tremendo magnetismo del personaje al que dedica su metraje, sin duda. Aunque lejos de otras maravillas del rockumentary reciente como el magistral ANVIL!, LEMMY es un festín para cualquier aficionado a su protagonista, al rock y a la buena múscia en general.

- Lo mejor: Lemmy!

- Lo peor: sus compañeros de andanzas de Motörhead quedan en un excesivo segundo plano

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THE TROLL HUNTER de André Øvredal

2011-03-22T17:54:00.004Z

THE TROLL HUNTER / Noruega / 2010

Si no haces un falso documental no eres nadie, chaval. Los amigos noruegos, que se están poniendo las pilas de un tiempo a esta parte (desde DEAD SNOW, básicamente), lo saben bien, toman nota de los últimos éxitos de este peculiar formato audiovisual y nos regalan THE TROLL HUNTER, una curiosa revisión de un género que, personalmente, cada vez me gusta más. Sin reinventar la rueda para nada, los hijos de Odin se llevan la fórmula a su terreno para conjugar con gracia los más reconocibles resortes del "mockumentary" y una brillante revisión de su propia cultura ancestral, pagana y mitológica, lo que da como resultado una curiosa y entretenida película. La premisa mola: el gobierno noruego ha estado ocultando desde tiempos inmemoriales la existencia real de los trolls mediante un equipo de "contención" que se dedica a eliminarlos cuando salen de sus "reservas", cuyo miembro ejecutor es el "Troll Hunter" al que alude el titulo. El habitual grupete de jovenzuelos periodistas documentará sus andanzas, desde el escepticismo hasta la más completa implicación en los increíbles hechos. Y THE TROLL HUNTER gusta tanto porque, desde un punto de vista visual, se busca un naturalismo extremo, pero sin embargo la peli está trufada de momentazos delirantes y puntos muy sarcásticos, en su justa medida, atención al peregrino sistema de extracción de sangre de troll, a la teoría de que estos bichos tan paganos "huelen" a los cristianos (jejeje), o al particular modo de mosquear al gigantón final, poniéndole a todo volumen... ¡una canción de misa!. Además, los parajes naturales nórdicos son absolutamente increíbles y se palsman en pantalla con estremecedora belleza, y, como digo, toda la peli está teñida de una especie de sutil "sentimiento pagano" que, curiosamente, no se da de bruces con el realismo que tratan de perseguir sus sugestivas imágenes. Y tampoco espereis una sucesión ininterrumpida de seres peludos, porque la dosificación está perfectamente ajustada, con tan sólo cuatro encuentros con estos seres, un in-crescendo calculado que termina como tiene que terminar... A LO GRANDE (y con temazo de los Svelertak en los créditos, yeah!).

- Lo mejor:  la unión de la mitología nórdica con el rollo documental es bien curiosa

- Lo peor: poco riesgo en su narrativa y aspectos más formales

  CABEZAS

LÁGRIMAS EN LA LLUVIA... que me vituperio encima

2011-03-10T10:55:00.002Z

No suelo hacer este tipo de entradas, pero es que esto me ha superado. Estaba yo deglutiendo unos anacardos con nocturnidad y alevosía, mando a distancia en ristre, un viernes cualquiera por la noche cuando, entre un adolescente seborreico encerrado en una especie de pecera de plástico y un vidente que mete fotocopias de billetes de 500€ entre unas cartas del tarot inventadas, aparece una cabecera inquietante, toda entre retro y nostálgica, más bien polvorienta, y un título: LAGRIMAS EN LA LLUVIA. Debajo una firma que no llego a leer. Da igual. Dos segundos después el titular del nombre aparece invadiendo la pantalla, con una leve sonrisilla a juego con su ladeado flequillín y expresión de que nos va a decir algo importante: el ínclito Juan Manuel de Prada comienza su pausado sermón, expandiendo lentamente sus palabros como se expande una supernova que pretende engullir toda la galaxia. Al menos la forma esférica ya la domina. Hace unos años, de Prada (seguro que le pone que le llamen así) quería ser Francisco Umbral. Ahora parece que se ha comido a Francisco Umbral. Y quiere impartir justicia robándole ademanes y expresiones, pero no está sólo amigos. A sus lados orbitan presencias inquietantes, astros menores que rinden pleitesía a su estrella, dos a cada lado en su particular sistema có(s)mico.

¿Y por qué aquí? Porque colegas, LÁGRIMAS EN LA LLUVIA es una especie de asombrosa simbiosis entre ¡QUÉ GRANDE ES EL CINE!, un discurso de Fuerza Nueva y la Misa de Maitines. Porque LÁGRIMAS EN LA LLUVIA es un "programa de cine". Porque ponen una peli y luego se abre el debate. Y porque el otro día emitieron LA CIUDAD DE LOS NIÑOS PERDIDOS. Me tragué esa preciosa poesía visual (hacía años que no la repasaba) y después resulta que el Armageddon ya había comenzado... y yo sin enterarme, y yo con estos pelos. Me lo dijo de Prada, abriendo mi mente como una pirula de LSD, iluminando mis neuronas. Me lo dijo un sacerdote con ilustre cargo en la Universidad Católica (o equivalente), un tipo que se dedicaba a leer un libro de hojas sepias y encuadernación de cuero marrón mientras sus compañeros hablaban, para sólo levantar una ceja de vez en cuendo, mirar a cámara y pontificar un poco, descubriendo códigos ocultos francmasones, postcomunistas y libertarios ye-yes en la caja de cereales del desayuno, y volver a su apasionante lectura, de la que nunca dejó entrever la portada (¿una edición bolsilibro del Necronomicón, quizás?). Y no era todo: un tal "algo" Trillo, sin duda hermano del ex-ministro de defensa "Yakolev" por configuración genética, tono de voz y aires opusdeis, farfullaba algo sobre la manipulación mental, el apocalipsis sobrevenido y cosas que incluían las palabras Zapatero, decadencia y caos, todo en frases subordinadas. Una tipa, letrada de profesión y vocación, relacionaba los conceptos anteriores con confusas teorías que colocaban a los poderes fácticos en la sombra dirigiendo los hilos. Mis pobres neuronas no podían asimilar tales revelaciones a la velocidad a la que eran escupidas por lo que era, sin duda, el "comité de sabios" definitivo de la pequeña pantalla. Lo que sí tenía claro es que yo, iluso televidente, llevaba años en la inopia más total, ciego ante el Fin de los Tiempos que se me caía encima. Lo que seguía sin cuadrar era LA CIUDAD DE LOS NIÑOS PERDIDOS en todo esto. El presidente del Foro de la Familia (cuarto elemento orbitando) me habló de discriminación efectiva, marginación sobrevenida y doctrina hegemónica. Dejé los pistachos para buscar un diccionario, cuando el tipo al fin pronunció las palabras mágicas: "nuestros hijos, los niños". ¡Coño! Por aquí van los tiros. De Prada debió intuir, con su omnipotencia, mi toque de atención, por lo que rápidamente me lo explicó todo, y yo al fin pude encajarlo en el Orden de las Cosas: resulta que LA CIUDAD DE LOS NIÑOS PERDIDOS es una película que, usando la metáfora visual y conceptual, está pensada y ejecutada como una carga de profundidad contra... la asignatura de Educación para la Ciudadanía. Jean-Pierre Jeunet es un alma lúcida y ya sabía entonces lo que iba a llegar. Allí donde yo había visto, en mi supina ignorancia, un gótico canto a la imaginación y a la libertad, a la capacidad del ser humano para soñar y ser soñado, un entusiasta poema dedicado a lo freak, bizarro y a lo que se sale de la norma establecida... pues no. El científico es Zapatero, que con su sibilino invento (La Máquina que Roba los Sueños AKA Educación para la Ciudadanía), logra lobotomizar a los niños mientras duermen (AKA, mientras están en clase, alejados de los brazos protectores de sus progenitores, que de verdad sí que saben lo que es conveniente para ellos), conviertiendo a nuestros infantes en seres sin conciencia ni criterio, seres lobotomizados por una diabólica conspiración mundial que pretende dilapidar, por este orden, a la Familia, a la Religión, a la Decencia y a las Buenas Costumbres. Profético Jean-Pierre Jeunet, sin duda. Y qué mal hemos interpretado esta joya francesa hasta ahora, pardiez.

No os pongo un video del programa, paso, pero lo podeis encontrar en Youtube sin mucha dificultad, simplemente siguiendo el rastro de babas del amigo de Prada. Ardo en deseos de ver cómo se las ingenia con más películas, desde aquí propongo ya emisiones de SENDEROS DE GLORIA, LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO y TIERRA Y LIBERTAD, para que de una vez por todas el Illuminati y sus Acólitos nos desvelen, sermón mediante, las verdaderas intenciones de sus autores. Seguramente ni BLADE RUNNER, a la que alude el título del programa, es lo que parece, y la hemos malinterpretado con ignoracia. Allí me encontrarán, mesmerizado ante la pantalla, como una mosca ante una gran bola de heces. Mientras tanto, os dejo con un clásico, que viene a exponer la misma tesis que de Prada y sus muchachos, pero alcohol mediante y con mucho más salero.

GENTLEMEN BRONCOS de Jared Hess

2011-03-03T10:34:00.002Z

GENTLEMEN BRONCOS / EEUU / 2009

Tras esta película, quizás deba replantearme la utilización tan masiva de la palabra freak. GENTLEMEN BRONCOS rebasa con creces la mera anécdota friki para zambullirse sin complejos en la ciénaga de lo raro, excéntrico y cutre y chapotear por lo malsano y lo dadá, rubricando una especie de sentida oda a la vergüenza ajena. Jared Hess habita la esquina más recóndita de lo que han llamado "nueva comedia americana", con el bueno de Judd Apatow a la cabeza, pero en el caso de Hess con intenciones más cercanas a lo que han perpetrado los Farrelly o, si nos salimos del tiesto, el mismísimo John Waters (pero sin su habitual carga anarko-destructiva). Ahora a todo esto lo llaman post-comedia (¿?) al igual que hay un post-rock, un post-metal y un post-it... La mejor definición de GENTLEMEN BRONCOS es "apocalipsis nerd". No hay un sólo personaje que no acumule taras, excentricidades o delirios, o que no sea directamente desagradable, eso cuando no exhiben un notable retardo mental, generalmente rodeado por una gozosa querencia hacia lo escatológico (vómitos y cacas). Además, Hess adorna su película con un elemento aglutinador muy del gusto friki: la ciencia-ficción de los años 50 retrofuturista, con una curiosa narración paralela en forma de cutre-película protagonizada por un Sam Rockwell desatadísimo, y que logra ser un engendro intermedio entre MUCHACHADA NUI y la GUÍA DEL AUTOESTOPISTA GALÁCTICO, o algo. La cuestión final es: ¿funciona GENTLEMEN BRONCOS como comedia? Depende. No es una película para partirse el pecho sin respiro (aunque tiene sus momentos gloriosos) sino más bien de simpática conexión con el respetable, si es que uno es capaz de conectar con semejante fauna de tarados. Simpática sin más, bastante petarda, grasienta y sudorosa, poseída a ratos tanto por el espíritu de Ed Wood como del citado Waters, con ciertos ribetes de ternura y una banda sonora en la que suenan desde los Scorpions hasta Black Sabbath. Curiosa como mínimo y, obviamente, sólo apta para... freaks. Voy corriendo a por NAPOLEON DYNAMITE.

- Lo mejor: los memorables créditos iniciales y el tronchante taller de escritura de ciencia-ficción

- Lo peor: la vis cómica sólo funciona a pleno rendimiento a ratos

CABEZAS

CISNE NEGRO de Darren Aronofsky

2011-03-01T17:23:00.002Z

BLACK SWAN / EEUU / 2010

Dirección: Darren Aronofsky

Guion: Mark Heyman, Andrés Heinz y John McLaughlin; basado en un argumento de Andrés Heinz.
Producción: Mike Medavoy, Arnold W. Messer, Brian Oliver y Scott Franklin

Música: Clint Mansell

Fotografía: Matthew Libatique

Montaje: Andrew Weisblum

Diseño de producción: Thérèse DePrez

Vestuario: Amy Westcott.

Interpretación: Natalie Portman (Nina), Vincent Cassel (Thomas Leroy), Mila Kunis (Lily), Barbara Hershey (Erica), Winona Ryder (Beth)

Cuando todavía tengo a medio escribir el comentario de THE FOUNTAIN (¡qué película tan... acongojante!), me descubro estrujando las meninges con este BLACK SWAN, y vuelve a ocurrir otra vez. Primero impacto, emoción, pura tensión, y luego periodo de digestión, como a mí me pone. El bueno de Aronofsky, ese tipo con pinta de judío empollón, retuerce de nuevo su febril mirada tras la relativa decepción que me supuso THE WRESTLER, una película que no acabó de entusiasmarme, pero que Darren necesitaba perentoriamente para reactivar su carrera tras el descomunal y completo batacazo de la citada THE FOUNTAIN, su film más personal, anhelado, prácticamente inacabado y, seguramente la película más injustamente vapuleada de la pasada década (y una de las más arriesgadas y hermosas, también). Así pues, THE WRESTLER consiguió que la taquilla respondiese favorablemente con una sentida historia de redención personal, jugando la baza de ver al renacido Mickey Rourke en un morboso papel que hacía guiños a su turbulenta historia personal, pero alejada por completo de los devaneos psicotrópicos y fantasiosos de sus anteriores trabajos; en realidad, un melodrama de sobremesa con una factura excelente y una intensidad emocional brutal, aunque alejado de los postulados más personales y arriesgados de su creador.

Así pues, curada la herida, Darren logró "estar" de nuevo en la industria, a la que pone en jaque otra vez con este deslumbrante y arrebatado CISNE NEGRO, película ya triunfal en su carrera por los desmedidos elogios que ha recibido y la entusiasta respuesta del respetable, algo que seguramente se verá acrecentado por el merecido oscar que acaba de lograr su protagonista absoluta: Natalie Portman. Y es que BLACK SWAN es una de esas pelis construida alrededor de un personaje, un único y dictatorial punto de vista que absorbe la película por completo, en la que todas y cada una de las secuencias (sin excepción) se levanta sobre el frágil cuerpo de su actriz, una enorme Natalie Portman que se convierte en dueña y señora de la película, incluso por encima de las artes de su director, uno de esos casos en el que actriz, personaje y película son indisolubles. Como otras obras de Aronofsky, ésta también es un calibrado megamix de géneros, quizás la que más juega a combinar sus distintos resortes. En apariencia, o al menos en su primer tramo, BLACK SWAN es un melodrama puro, una historia de sacrificio y ambición ambientada en el cerrado mundo de la danza clásica. Sin embargo, también desde su inquietante arranque, Darren ya nos avisa que lo que subyace en la (aparentemente) sencilla trama es algo mucho más turbio, oscuro, retorcido. Detalles. CISNE NEGRO es una película habitada por pequeños detalles que van tomando cuerpo (nunca mejor dicho) hasta explotar con toda su apasionante crudeza en su apoteósico final. Un drama que se va tiñendo de thriller psicológico hasta oscurecerlo, retorcerlo, transformarlo en otra cosa, estructurado por distintas "arias" audiovisuales que desembocan en algo parecido a una epifanía operística, tan terrorífica como poética. Mucha tela que cortar.

Aunque en realidad no inventa nada, Aronofsky hace suyos los postulados más variopintos, fijando su particular mirada, sobre todo, en los modos y maneras de los 70. Si se retroalimenta a sí mismo con una planificación muy cercana al "realismo sucio" que ya experimentó con THE WRESTLER, cámara en mano siempre encima de sus personajes, también toma prestado del gran Brian De Palma el juegueteo morboso con el policíaco y los delirios paranoicos que hicieron tan grandes a HERMANAS, VERTIDA PARA MATAR, IMPACTO o incluso EL FANTASMA DEL PARAÍSO, pero ensuciando y granulando las texturas visuales al máximo, perdiendo algo de su ligereza y ganando en asfixia mental y sordidez. Por otro lado, aunque en menor medida, las referencias a los giallos del maestro Dario Argento, y muy especial a su obra cumbre: SUSPIRIA, con la que comparte no pocos elementos narrativos, aunque ésta con un tono mucho más seco, duro y terroso, muy alejado de los alardes de estilo y color del genio italiano. Para redondear, un par de momentazos audiovisuales extraídos directamente del mejor David Lynch, siguiendo la estela de LOST HIGHWAY, FIRE: WALK WITH ME y MULHOLLAND DRIVE por el tratamiento de las texturas y, sobre todo, de los efectos de sonido y la música (atención a la secuencia de la discoteca, impactante, atronadora). Y por último, aunque algo cogido por los pelos, también es curiosa alguna referencia a LA MOSCA de David Cronenberg, algo en lo que es mejor no meterme aquí si no has visto la peli. Nada mal como referencias bien asimiladas, ¿no os parece?

Como veis, me he mordido la lengua a base de bien en cuanto a la historia de CISNE NEGRO. Hacedme caso: mejor no saber demasiado, ir virgen al cine (recomiendo muy mucho pantalla grande y sonido potente) y dejarse llevar, sin más. Del interés se pasa a la angustia, de ahí a la intriga, al suspense, al terror y a la más pura emoción, un carrusel audiovisual dirigido a la velocidad del rayo, como he dicho antes, con estructura de opereta y que, es necesario reseñarlo, reutiliza la música de Tchaikovsky del LAGO DE LOS CISNES (cortesía de Clint Mansell y su mano maestra para remezclarlo con la electrónica) como un ariete emocional contra el espectador y núcleo vertebrador de todo el relato. De la Portman, poco más que decir: ella es la película, y su interpretación, sobrenatural. No pienso que esta obra sea un punto de inflexión en la carerra, de Aronofsky, pero sí me parece que destila un equilibrio casi perfecto entre sus primeras pelis (en especial REQUIEM POR UN SUEÑO) y el cambio de rumbo de THE WRESTLER, una especie de descontrol controlado bastante cerebral dentro de su nucleo psico-sexual. Un ejercicio de funambulismo que transita con pies firmes sobre esa delgada linea roja que separa lo sublime de lo ridículo, aunque menos arriesgada y al límite que en THE FOUNTAIN. Y como ya sabreis, para terminar de rizar el rizo, acaba de firmar, por vía de su colega Hugh Jackman, por una película de WOLVERINE... Grande Aronofsky, carallo!

- Lo mejor: el preciso control de Aronofsky sobre las influencias que maneja y todos los elementos de su película, incluída la Portman, alucinante

- Lo peor: ese control a veces parece que atenaza un poco la historia, que por momento me pide un plus de desparramo y riesgo

CABEZAS

COSMO TRIP: Episodio 07!

2011-02-20T19:46:00.004Z

Efectivamente malandrines, como hace tiempo que no lo comento, sólo deciros que ya se ha estrenado el Episodio 07 de COSMO TRIP, la serie de animación 3D online en la que colaboro. En esta ocasión, con un nuevo guionista (lo que demuestra que cualquiera puede escribir un capítulo de COSMO TRIP, ¡animaos!) y un cameo muy especial...

Y si quereis acceder al resto de episodios y contenidos especiales de la web, sólo teneis que pinchar la imagen del "Petit Cabrón" acosado por las Sillyconitas.

Y os recuerdo que también podeis bichear en su facebook y en el canal de Youtube de LINCE STUDIOS.

Ale, a disfrutar!

RED de Robert Schwentke

2011-02-13T20:35:00.001Z

RED / EEUU / 2010

Warren Ellis, autor del cómic original en el que se basa RED, es un tipo bastante kamikaze en el planteamiento y, sobre todo, en la resolución de sus historias, pero como ya ocurrió con KICK-ASS, de su compañero de generación Mark Millar, de nuevo el tamiz hollywoodiense se limita a limar demasiado todo su estilo ultraviolento, sarcástico y existencial hasta convertir las duras aristas de sus obras en suaves contornos aptos para todos los públicos. Semejante destrozo ya hicieron con WANTED, también del amigo Millar. Así pues, RED se convierte en un digno entretenimiento sin mayor fuste que el caballo ganador de su reparto: un casting con Bruce Willis (¡qué gran actor!), John Malkovich, Morgan Freeman, Helen Mirren y Richard Dreyfuss, todos ellos haciendo al ganso en su radiante madurez, no puede salir mal. Así pues, una comedia coral de acción con buenos momentos, ideal para pasar un rato de diversión sin pretensiones, pero que desperdicia todo su potencial sarcástico y se convierte en una del montón, pasado de puntillas por la chispeante relación que se planeta entre los personajes de Mary-Louise Parker (muy desaprovechada) y Bruce Willis, y sin ahondar demasiado en el supuesto tono crepuscular de la propuesta, que la podría haber acercado a SPACE COWBOYS, por ejemplo, y rebajando el tono delirante hasta terrenos demasiado estandar, despersonalizados. Pretende ser rompedora, irónica y alocada, pero se queda a medio camino. Robert Schwentke (director de la vibrante PLAN DE VUELO: DESAPARECIDA, con Jodie Foster) cumple su función mercenaria con aplomo y un par de ideas visuales interesantes, siempre con un ojo puesto en la gramática del cómic, pero no logra ningún momento realmente memorable a causa, insisto, de la claudicación de guinista y estudio al público mayoritario. Muy poco riesgo para un planteamiento tan jugoso. Otra vez será.

- Lo mejor: el reparto de veteranos al completo, que tienen pinta de haber disfrutado del rodaje, y un sorprendente Karl Urban como villano jovenzuelo enfrentado a la panda de jubilados

- Lo peor: no tiene aristas ni recovecos, demasiado plana, demasiado... industrial

CABEZAS

VANISHING ON 7th STREET de Brad Anderson

2011-01-31T14:13:00.000Z

VANISHING ON 7th STREET / EEUU / 2010

Brad Anderson puede ser uno de los directores más infravalorados de los últimos años. Con una carrera sólida, siempre jugando en los márgenes del género, es uno de esos tipos con mirada propia que nunca alardea y siempre se coloca en función de la historia que quiere contar. Pero si por algo se define su cine es por una simple palabra: atmósfera. Desde la extraordinaria SESSION 9, con una atmósfera ominosa, enrarecida, de amenaza casi abstracta, hasta EL MAQUINISTA (su obra maestra), donde la angustia psicológica se torna en verdadera protagonista, en todas ellas (incluso en sus magníficos trabajos para televisión en BROADWALK EMPIRE, MASTERS OF HORROR, FRINGE o THE WIRE) el ambiente, las texturas y las atmósferas vitales de sus (atormentados) personajes son tan importantes como la trama misma. En su última película, aún pendiente de estreno por aquí (si es que llega...) esta constante se acentúa aún más, hasta el punto de que en VANISHING ON 7th STREET la atmósfera lo es todo. Sin embargo, el problema de base es que la distancia entre el buen hacer de Anderson tras las cámaras y el sustento dramático de la historia es abismal. VANISHING ON 7th STREET es uno de esos casos flagrantes en los que una buena idea no está bien desarrollada... y en este caso, practicamente sin desarrollar. A pesar de su brillante premisa (imaginad un cruce bastardo entre ALONE IN THE DARK - el juego - y cualquier película de zombies... sin zombies) el guión de Anthony Jaswinski resulta raquítico y nunca acaba de aprovechar todo su potencial. Los buenos detalles están ahí (la misteriosa palabra que aparece escrita cada vez que el "fenómeno" se produce, el mismo concepto de "reinicio"), pero apenas se hace nada con ellos. No ayudan unos personajes que prometen pero que se quedan en muy poco (en especial Hayden Christensen, muy justito) y uno de esos finales abiertos que deja regusto a falta de ideas. Por el camino sólo nos queda el espectacular trabajo de Anderson, muy arriesgado con esos claroscuros extremos, y su buen manejo del ritmo secuencial (muy elegantes cómo se introducen los flashbacks). VANISHING ON 7th STREET es una película semifallida, que se queda a medio camino y deja con la miel en los labios, pero no por ello deja de ser interesante y recomendable, con reservas.

- Lo mejor: la elegancia y personalidad de Brad Anderson, un trabajo que por sí solo es capaz de evitar el naufragio

- Lo peor: su guión es un simple borrador sin pulir

  CABEZAS

LA TRAMPA DEL MAL de John Eric Dowdle

2011-01-30T19:19:00.001Z

DEVIL / EEUU / 2010

Hace sólo unos pocos años, muy pocos, M. Night Shyamalan era la sensación mundial del género, el gran renovador, el nuevo Spielberg para el s.XXI, un genio. Hoy lo que está de moda es despellejar vivo al pobre Night, cachondearse de su THE LAST AIRBENDER (que no he visto por pura pereza), abominar de LA JOVEN DEL AGUA y decir que desde EL SEXTO SENTIDO se le han secado las ideas. Pues bueno, pues vale, pues me alegro. Siempre he encontrado interesante su cine, en mayor o menor grado, pero sin muchos aspavientos. Imagino a Night con un lio mental considerable, el propio del que han elevado a los altares para después arrojarle a los leones. Con una carrera de futuro incierto como director tras el batacazo de THE LAST AIRBENDER y usando el ego que le caracteriza como ariete, se ha sacado de la manga una especie de franquicia/saga/serie de películas bajo el epígrafe THE NIGHT´S CHRONICLES, en las que ejercerá de padrino, productor y, ocasionalmente, de guionista. DEVIL es la primera y, sin ser nada espectacular, resulta curiosa e intrigante. Película de terror psicológico de bolsillo (con algunos arrebatos gore aptos para todos los públicos), una especie de CLUEDO llevado al minimalismo extremo, en el que cinco personajes encerrados en un ascensor son escabechados uno a uno, mientras un poli observa el percal desde un monitor de seguridad sin poder acceder al diminuto escenario. Uno de ellos parece ser el mismísimo Diablo en persona. Aunque tira de estereotipos a mansalva, la peli funciona como lo que es: un entretenimiento sin pretensiones que logra tensar el suspense con acierto y buen ritmo y con algunas momentos muy conseguidos, a pesar de las inevitables salidas de tono y un guión, en el fondo, bastante tramposillo. John Eric Dowdle maneja la historia con aplomo (muy resultones los créditos iniciales, a la par que sencillos) y buenas idea de puesta en escena, a pesar de que en manos más personales seguramente estaríamos hablando de una pequeña joya de terror claustrofóbico y no de un mero entretenimiento mainstream que acaba pareciendo un episodio de TWILIGHT ZONE algo estirado, aunque perfectamente disfrutable. Veremos cómo continuan estas NIGHT´S CHRONICLES.

- Lo mejor: modesta, entretenida y moderadamente original, sin alardes innecesarios

- Lo peor: ese tufillo final a moralina, trauma y redención

CABEZAS

LO PEOR DE 2010 (y otras hierbas)

2011-01-14T17:52:00.014Z

Lo prometido es deuda: vamos con la otra tanda de pelis que, por diversas razones, tenían que estar por estos lares. Comenzamos por una selección de pequeñas joyitas, todas bastante bizarras y alguna que perfectamente podrían aparecer en LO MEJOR... cosas del caos cerebral. Las reseñas completas de algunas, pinchando sobre su cartel. A disfrutar!

5 PARA NO PERDERSE

MICMACS

El misterio del año: la última de Jean-Pierre Jeunet ha pasado tan de tapadillo que muchos ni siquiera se han enterado de su existencia. Craso error. MICMACS es un feliz regreso a su cine de juventud, con un aroma muy DELICATESSEN, que abandona la desmesura de ambiciones de la algo plomiza LARGO VERANO DE NOVIAZGO para abrazar de nuevo una comedia ligera e intensamente vitalista protagonizada por frikis varios en un ambiente entre suburbial y circense, con delirante argumento y un ritmazo y estilo visual cercano a los cartoons de la Warner pasados por el filtro de un Terry Gilliam desbocado. Una absoluta delicia.

PIRAÑA 3D

Aún pendiente de estreno por aquí (esto es de locos), o a la espera de que nuestros vigilantes de la ética y la estética le encasqueten una X, el caso es que aún no hemos tenido opción de ver en pantalla grande la gamberrada total de Alexandre Aja, la película veraniega definitiva para la parroquia más enloquecida, el blockbuster más bárbaro a este lado de la galaxia. Descacharrante por puro exceso, descerebrada por vocación, sucia, escatológica, hiper gore y, por todo ello, tremendamente divertida. Una involución mental a los catorce años sin prejuicios ni cortapisas. Y habrá secuela... ¡pues claro que sí!

THE LOVED ONES

¿Aburridos de moñadas de bailes de graduación y Reinas de la Fiesta? ¿Aburridos de psicópatas de segunda con más traumas que el malo de GLADIATOR? ¿Aburridos de torture-porns tipo HOSTEL y otros cagarros? ¿Aburridos de tanto jovenzuelo existencial que no sabe si tirarse al metro o a la taquillera? Pues olvidad el aburrimiento porque THE LOVED ONES tiene todos esos ingredientes en su justa medida, sazonados con toneladas de ironía, buenos personajes, mirada propia y una banda sonora muy metal. Sorpresón desde Australia, tierra que poco a poco va haciéndose un hueco sólido en el cine de género.

RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE

Que una película infantil gane el festival de Sitges 2010 ya es raro, pero que además sea finlandesa y su personaje principal sea Santa Claus resulta de lo más bizarro, pero que nadie se alarme. Este exótico cuento de navidad protagonizado por niño le da la vuelta al afable mito del gordo barbudo para resultar una estimulante peliculita de aventuras con suficiente mala baba, bastante más siniestra de lo previsto y rebosante de ancianos en pelotas corriendo por la nieve (!!). El regustillo ochentero en la vena Joe Dante (GREMLINS) o incluso GOONIES juega a su favor. Ideal para niños gamberros en una tarde de invierno.

SPLICE

Y no podía faltar aquí la última marcianada de mi admirado Vicenzo Natali. Revisión del mito de Frankenstein variación genética y high tech, en el fondo una morbosilla metáfora sobre la maternidad llevada al extremo porque amigos, ya era hora, al fin vez el buen doctor echa un polvo con su criatura en la secuencia más bizarra del año. Así pues, a los problemas inherentes a la paternidad se le suma una especie de doble incesto que acaba por redondear una "película con monstruo" tremendamente jugosa, humana y hasta cierto punto original, todo ello bañado por un curioso sentido del humor más bien subterráneo.

FIASCOS, TRUÑOS, SOSERAS, DECEPCIONES...

Se entiende que recopilo aquí esas pelis sobre las que tenía un mínimo de interés o esperanzas. Si no hay expectativas, poca decepción puede llegar, y la sorpresa sólo puede ser positiva.

El Fiasco:

ALICIA EN EL PAIS DE LAS MARAVILLAS
Sin lugar a dudas, el gran fiasco del año. En un mundo ideal, los universos creativos de Carroll y Burton podrían haber hecho saltar chispas de genio y buen cine, algo realmente histórico, pero la cruda realidad nos cruza la cara de un sopapo: esta ALICIA es aburrida, genérica, insustancial, carne de blockbuster sin chicha, un pasatiempo de colores que se hace hasta pesado. Una ALICIA domesticada carente de anarquía e imaginación, sin libertad. Y, pensandolo bien, eso es lo peor que se puede decir del mito de ALICIA. Fiasco chungo.

El Truño:

LA HERENCIA VALDEMAR

Aunque estaba cantado, me pilló de sorpresa tanto apolillamiento mental y visual para tratar de levantar un relato basado (lejanamente) en el maestro Lovecraft. Guión sin pulir y con una estructura infame, interpretaciones de vergüenza ajena, ritmo cansino, olor a naftalina por doquier... Las buenas intenciones no bastan, y a Jose Luis Alemán todavía le faltan varios herbores como director como para enfrentarse a tamaño desafío. Pues ni caso. Durante 2011, su segunda parte: LA SOMBRA PROHIBIDA. Seguro que pico. Yo soy así.

El Soseras:

CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS

Fiel a su enfermiza tradición de los últimos años, Woody Allen nos entrega una de cal y otra de arena. Si la del año pasado no estuvo mal, con su regreso a Londres vuelve otra vez en cansinismo ilustrado, a una historia mil veces vista en su cine y a unos personajes no similares, sino calcados a otros de su filmografía. Todo a medio gas, en una trama que, estoy seguro, no le entusiasma ni al propio director. Refrito de copia, Woody se homenajea a sí mismo con una desgana de asusta. La siguiente ya toca buena, ¿eh?

La Decepción:

I SAW THE DEVIL

Con esta me la juego. Primero: está lejos de ser una mala película y desde luego no iría en LO PEOR. Segundo: me ha decepcionado mucho, yo estaba esperando casi una obra maestra. No lo es. Thriller con ribetes de "rape and revenge" de original premisa (aquí el psicópata es la presa), resulta que la historia tarda demasiado en arrancar, la evolución dramática es nula y, sobre todo, le sobran minutos por un tubo para una trama tan, en el fondo, esquemática. Aunque sus secuencias aisladas funcionan, el conjunto no me entusiasma ni me dice nada nuevo sobre el género. ¿Visualmente? Impactante, como cualquier cosa que sale de Corea.

LAS CUENTAS PENDIENTES

A ver amigos, aquí voy a necesitar ayuda. kILL_Yr_Ydols ya me ha soplado un par, así que espero una catarata de títulos por vuestras partes, esas pelis que no tengo perdón por habérmelas perdido en el 2010. También podeis des-recomendarme algunas de las que pongo aquí. Mi lista es esta, sin ningún orden particular:

-SCOTT PILGRIM VS THE WORLD: los entusiasmos de kILL_Yr_Ydols sobre esta adaptación de un cómic tan kitsch se me contagian.

- I´M STILL HERE: el falso documental sobre la falsa vida de Joaquin Phoenix como rapero me pica la curiosidad.

- A SERBIAN FILM: mucha pereza, algo de hartazgo de oir hablar de ella y la intuición de que no me va a gustar, pero sigue en la recámara.

- HABITACIÓN EN ROMA: la única razón de que esté aquí es Julio Medem.

- LOS OJOS DE JULIA: este año me he saltado la tradicional entrega de suspense hispano con Belén Rueda. ¿Qué tal está?

- THE LAST EXORCISM: otro falso documental, esta vez sobre un predicador sin fe que tiene que encarar a una jovencita poseída. Hum...

- MR. NOBODY: especie de drama fantástico-poético-existencial sobre las múltiples vidas posibles y simultaneas de un tipo con el careto de Jared Leto. Miedo me da, pero me atrae bastante la idea.

- DEVIL: unos personajes encerrados en un ascensor. Uno de ellos es el Diablo. Producida por M. Night Shyamalan. Esta cae fijo.

Y esto ha sido todo amigos. Otro año sin nada de Lynch. En el 2011 seguiremos dejándonos los ojos frente a pantallas varias y comentándolo por aquí. Ale!

LO MEJOR DE 2010

2011-01-10T13:23:00.023Z

Antes de arrancar, agradecer a todos/as vuestro interés por este rinconcito cinéfago y por todas las opiniones e informaciones y sugerencias compartidas a lo largo del pasado año. Gracias!

Como cualquier lista, esta no puede ser más subjetiva, dejando un poco de lado observaciones más sesudas y guiándome por, al fin y al cabo, lo que cuenta de verdad: lo que más me ha hecho disfrutar frente a una pantalla (en cine o en formato casero), lo que me agita, me provoca o me suelta sopapos mentales y emocionales, aquellas peliculas que acabas llevando contigo unos días (o semanas, o meses) y que, cual parásito audiovisual, se resisten a abandonarte. Curioso este 2010, el año de la polémica en el que el cine de género ha llegado a los telediarios y destacados en prensa generalista, con una absurda vorágine de censuras varias, abyectas decisiones judiciales promovidas por el sector más talibán (siempre cobarde, siempre en la sombra) y demenciales clasificaciones X promovidas por un ministerio desnortado, todo ello jaleado incluso por grupúsculos periodísticos que uno pensaba se movían por terrenos más sensatos. Un 2010, por otra parte, no especialmente memorable pero que nos ha regalado algunas perlas intensas y un podium de monumentos. Como suele ocurrir, en la recta final del año me he encontrado con algunas sorpresas de peso. La mayoría ya están comentadas en el blog (sólo teneis que pinchar los posters para acceder a sus reseñas). Y como siempre, trataré de ceñirme sólo a las películas estrenadas durante el año en algún punto del globo. Se levanta el telón...

LAS 10 IMPRESCINDIBLES

10. THE HUMAN CENTIPEDE

Si A SERBIAN FILM se llevó la mayor parte de los titulares amarilloides, el esputo audiovisual de Tom Six se lleva la palma en provocación y buen cine. Delirante a la par que fria como el hielo, muy a lo David Cronenberg, esta historia imposible con científico loco y escatológico experimento incomoda y pone mal cuerpo sin mostrar (casi) ni una gota de sangre, jugando la baza del humor negro subterraneo y manoseando la imaginación del respetable sin pudor de ningún tipo, con un climax angustioso y la secuencia final más inenarrable del año. Amenazan con secuela para el 2011. Sólo para los más osados.

09. REPO MEN

Estrenada de tapadillo en verano, fagocitada en 15 días y escupida al sumidero del olvido entre tanta tonterida, esta divertida, cínica y frenética muestra de ciencia-ficción trotona y sarcástica no se amilana ante su propio y delirante argumento, nos regala la pareja cachonda del año (Jude Law & Forest Withaker, echando chispas) y sabe crecer y crecer según avanza el metraje hasta desembocar en un climax que es puro desparramo gore. Picoteando de los más grandes sin pudor (con Dick y Bradbury a la cabeza), su calculada ligereza no es capaz de anular cierta sensación de amargura cuando irrumpen los créditos. A revindicar pero ya.

08. MONSTERS

El polo opuesto de REPO MEN, otra marciana muestra de género con una gran disyuntiva de base: demasiado indie (o plasta) para los fans más hardcore de la ciencia-ficción, demasiado rara para la parroquia indie, que se quedará de piedra al descubrir la más hermosa metáfora visual del año en el abrazo de dos sepias gigantes. Romántica hasta la médula, en el fondo una sencilla historia de amor en tiempos de guerra en la que el elemento fantástico sólo sirve de contexto en una especie de road movie a pie, tan delicada como hipnótica en su lenta cadencia de imágenes. El amor está en el aire (contaminado). Muy hermosa.

07. THIRST

Y Park Chan-Wook hizo una de vampiros y se quedó como dios. Excesiva y estrambótica por todos los lados, el acercamiento del coreano a tan centenario género no pudo ser más... suyo. Opereta oriental chupasangre, larga como ella sola, el amigo Park agarra el mito por las solapas y lo manosea hasta que logra el megamix postmoderno perfecto, aquí hay de todo y en generosas dosis: terror y sangre, erotismo morboso, comedia surrealista y también costumbrista (¿sólo yo ví a Almodovar en algunas secuencias?), thriller romantico, drama existencial y redención a lo bestia. Todo con el exquisito gusto visual marca de la casa. Grande.

06. TOY STORY 3

Sin ser de las mejores de los portentos de Pixar, se cuela entre lo mejor del año, no falla. Superior en todo a sus dos ilustres precedentes, la tercera y última de la saga de los juguetes sigue desprendiendo pura magia. No es sólo que el guión roce la perfección, que sepan ajustar las dosis exactas de ternura y emotividad sin caer en el almibar, que algunas de sus imágenes sean pura belleza para los sentidos, es que encima te montan la mejor película de aventuras de año jugando con referencias que son puro género: el carcelario y, si me apuras, el terror gótico, todo ello logrando que la chavalería disfrute casi tanto como sus padres.

05. EXIT THROUGH THE GIFT SHOP

Y Banski se pasó al cine documental y nos tomó el pelo todos con arte y con salero. Sobre todo con arte. A sabiendas de que su figura es un gancho comercial per se, el hombre sin rostro se monta un inquietante documento que comienza por los cauces habituales (muy estándar, muy didáctico) y termina siendo una revisión hilarante de EL GUATEQUE versión street art. A pesar del cachondeo inherente al invento, Banski es capaz de lanzar agudas reflexiones con su elaborado discurso, mezclando personajes y hechos reales e inventados, jugando a la confusión para hablar, al final, de la estupidez humana. Aunque él asegura que todo es cierto. Genial.

04. BURIED

Un tipo encerrado en un ataud durante hora y media. Ni más ni menos. Con esta kamikaze premisa, Rodrigo Cortés se monta el thriller minimalista del año, una apasionante experiencia audiovisual, hipnótica en sus imágenes y trepidante, sí, trepidante en su desarrollo. Imposible despegar la mirada de esta virguería hecha puro cine que te agarra por las solapas desde el minuto uno, con el guaperas de Ryan Reynolds dándolo todo y unos niveles de angustia y emoción estratosféricos y sin concesiones fáciles. Si Hitchcock levantara su ilustre papada, aplaudiría con entusiasmo BURIED. Un prodigio.

03. SHUTTER ISLAND

A la vejez, viruelas amigos. El maestro Scorsese se deja de las aburridas zarandajas mafiosiles de los últimos años y aparca el piloto automático para homenajear a sus clásicos del cine negro y, de paso, batirnos el cerebro a base de bien con una tela de araña diabólica en un film noir muy noir que marca la transición del querubín Leo DiCaprio a la edad adulta con una protentosa interpretación. Paja mental o no (yo pienso que la peli está muy bien armada y cerrada), una gozada completa, el regalo envenenado de un maestro y amante del séptimo arte. Ya querrían muchos jovenzuelos modernetes rodar con el brio de este señor. Chapeau!

02. BALADA TRISTE DE TROMPETA

BALADA no es una película, es un ariete cuesta abajo, un Mihura enloquecido blandiendo astas a diestro y siniestro, un grito desesperado hecho celuloide, una mueca de terror impresa en la jeta de un payaso. Alex de la Iglesia cierra la boca de aquellos que le dieron la espalda tras su periplo en Oxford con su peli más personal, febril y dolorosa, un inesperado viraje hacia el drama revestido, cómo no, de un sentido del humor brutal que casi ni es humor sino tragedia. Irregular e imperfecta, excesiva, grotesca, caótica y surrealista, y por ello valiente y única, una rara avis dentro del cine patrio que será objeto de culto en poco tiempo.

01. ORIGEN

ORIGEN es ese milagro que sucede muy de vez en cuando, el que rompe la barrera artificial y excluyente que muchos insisten en levantar entre cine "comercial" y cine "de calidad". Pues sí, ORIGEN es un thriller norteamericano, es un blockbuster veraniego y palomitero con estrellas, es de acción y de suspense, pero también es la propuesta más innovadora y alucinante de la temporada, una osada mezcla de fondo y forma engarzada con maestría, que bebe de muchas fuentes para levantar un monumento audiovisual con fascinante entidad propia, y que no se avergüenza de su inteligencia. El año de DiCaprio y Christopher Nolan. La película del año.

Y próximamente: CINCO JOYITAS PARA EL RESCATE, LO PEOR DEL AÑO y las CUENTAS PENDIENTES.

Elaborando unas listas...

2011-01-04T18:29:00.006Z

Lo mejor, lo peor, lo más tonto, lo más bruto, lo más plasta, lo más gore, lo más guarro,

lo más largo, lo más corto, lo más grande, lo más verde,
en las que no sale Leonardo DiCaprio...

Puto lío...

PROXIMAMENTE EN SESIÓN GOLFA...

LAS LISTAS DE 2010

Christmas in Heaven

2010-12-23T18:26:00.002Z

NO AL CIERRE DE WEBS

2010-12-20T20:25:00.004Z

No a una ley surgida de presiones externas

No a una ley que va a ser aprobada sin debates ni enmiendas

No a una ley que permite el cierre preventivo de una web en un plazo brevísimo de tiempo y un procedimiento de reapertura desproporcionado